具体描述
在器乐演奏中，如果演奏者在乐谱中一遇到较难的技巧，便强调演奏技巧的科学处理，这样很容易导致技巧练习与钢琴演奏整体过程的分离。
在乍一接触某一部作品时，便强调某些技巧方面的要素，这显然是根据不足并且十分危险的。那些时而发生的，对于作品的难蝗程度近乎于荒诞的误解便是由这种情况导致的。如果从这一角度来看，莫扎特的奏鸣曲似乎要比肖邦的叙事曲在音乐表现方面容易得多。然而，人们在此很可能是忽视了莫扎特的奏鸣曲在理解、音质、触键方式以及创造力方面的更高要求。
当今，人们努力在音乐演奏方面像在音乐理论课上那样，重视作品最为本质的东西――音乐的内涵。这样一来，“技巧”与“音乐表现”之间的区分似乎更为明显了。对于“技巧”的磨练已不再意味着清洁和磨利创造工艺品的工具。
技巧训练距离音乐作品的精神越来越远，但却没有完全消除。现在大部分人练琴五、六个小时，其中一部分时间是手指在琴键上机械地运动着，丝毫没有因为体会到音乐的感受而使手指升温；另一些时间则因为追求某种感受的狂热而使所有在技巧方面、应当注意的问题都一股及甩到脑后。
这种练习方法的问题首先是：学生们尽管事先专门对某部作品的技巧问题专门进行了学习，但却只有那些天赋很高的学生偶尔有机会将他们的音乐设想转化为具体的音乐。学生对于音乐的感受愈强，现实与设想之间的区别就愈是使他感到痛苦。虽然根据人们的感觉，音乐的表达是一个完整的整体。但事实上它却可以被划分为无数的细节，以致人们很难同时将所有的细节纳入音乐表现之中。此外，大多数的演奏者习惯笼统地听一部音乐作品，却很少注重它的细节，因此几乎无法在自己的演奏中听到音乐表现的细节并加以控制。
只有当演奏者放弃将那些细到每个音符的细节同时纳入音乐表现时，才有可能按照自己的意图处理音乐作品。人们宁可让音乐的表现方式来源于音响的原始形式，并在经基础上使其发展。对于一部音乐作品的音乐表现方式最终定论必须慎而又慎，切不可匆忙。只有这样，演奏者在练琴过程中，才能不断地挖掘新意，并始终有一个追求的目标。也只有这样练就的作品，才不会给演奏者留下任何缺憾。
在探索一部音乐作品的音乐表现的过程中，可以借助乐谱中大量的提示。这些提示应当尽可能出自作曲家本人。作曲家在乐谱及表情术语中一般都清晰地表现了自己的意图。据此，演奏者已能够非常理想地处理绝大部分的音乐表现。但是演奏者应当明白，在阅读那些表情术语时，反映到头脑中的不应该是一个个单词，而应当将其置于音乐的发展联系中确切理解其含意。谁如果不原意在这此字里行间进行深入细致的研究，谁就永远无法在演奏中再现作曲家所赋予作品的生命力。
如果作曲家在乐谱中有表达不够确切之处，演奏者可借助自然的、规律性的音乐表现方式，即符合作品的本质及人们共同感受的音乐表现方式。演奏者根据各自不同的能力和理解力可以不断地追求完美音乐表现的新的相对性。
在追求完美音乐表现的过程中，演奏完全没有必要将演奏技巧分离出来专门进行练习。演奏技巧是直接为音乐表现服务的，它从来不独立出现，而是紧密与音乐表现相联系并共同形成完整的“练琴过程”。
完全取消单纯的技巧练习，仅以高度的注意力关注音乐的发展、曲式和音乐表现的有机构造，这在我看来，无论如何都是卡尔·莱默尔为我们这一时代所提供的一种新颖的教学方法。其基本特征本书前面已经谈过。这种教学实际上已不仅是继众多其他方法之后的一种新意，而是关于钢琴演奏整体问题的另外一种基本观点。
这种崇高自然的基本观点已产生了很大的影响。在时刻注意肌肉运动的情况下，触键将在为一些简单的基本形式，所有其他演奏技巧都根据音乐上的要求而产生。学生们不再进行以注意义中的练琴，而是始终在演奏音乐。莱默尔的学生即不弹奏练习曲，也不进行专门的技巧练习，如音阶练习和手指练习。每天注意力高度集中练琴三小时，便足以完成学业。练琴时应当特别注意的是自然的音乐表现，依靠听觉认真检验自己的演奏，在想象中感受音乐作品，其中读谱默记这一练琴方式中的第一步。
钢琴演奏的这种学习方式使钢琴教学发生了深刻的变化。经历了这种变化的学生无论在演奏或音乐表现方面都获得了明显的进步。
读者们不要期望这本书存有什么魔法，而是要热切的期望自己由此而获最佳的学习能力。读者们不能奢望获得一种全新的、闻所未闻的教学法，而应当看到，多少年来多数人都在沿袭钢琴教学的老路，而人思想却在时刻更新。读者们在此可以看到解决钢琴演奏问题的一条新途径，而前面读到过的那部分内容则可以作为迈入新途径的最初几步。
作者简介
莱默尔，把吉泽金和其他钢琴家推上世界舞台的钢琴教授，德国汉诺威音乐学院创始人。
吉泽金，十五岁已登台演奏贝多芬全部奏鸣曲，只看一天手稿便演出马里奥的新作《钢琴组曲》，每天练琴绝不超过三小时，被公认为德彪西钢琴音乐的无可争辩的权威。
目录信息
第一编
瓦尔特 ·吉泽金序
第三版卡尔 ·莱默尔序
一、我的钢琴演奏法的基础
二、实例讲解
1、勒伯特 施塔克的《练习曲》
2、J.S.巴赫的《C大调创意曲》
3、J.S巴赫的《G大调三声部创意曲》
4、贝多芬的《f小调奏鸣曲》
三、自然的音乐表现
四、关于练琴
五、关于专门性技巧的练习
1、练习曲
2、音阶
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读后感
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用户评价
我不得不说，这本书的讲解方式实在是太棒了！作者就像是一位经验丰富、循循善诱的老师，他能够将复杂深奥的钢琴演奏技巧，用最浅显易懂的语言和最生动的案例来呈现。我一直以来对一些高难度技巧的掌握感到困惑，总觉得自己的手指不够灵活，或者力量分配不当。这本书中关于“手指的独立性训练”和“手臂重心的运用”的讲解，简直是为我量身定做的。他提供的那些针对性练习，虽然看起来很简单，但效果却异常显著。我坚持练习了几天，就明显感觉到手指的控制力增强了，弹奏的流畅度也得到了提升。更重要的是，作者在讲解过程中，始终强调“理解”的重要性，他鼓励我去思考为什么这样做，而不是死记硬背。这让我从一个被动接受者，变成了一个主动探索者。书中还包含了大量的图示和曲谱片段，这些直观的视觉辅助，让我在理解抽象概念时事半功倍。总而言之，这本书是一本真正能够帮助我解决实际演奏问题的宝藏。
评分阅读这本书的过程，就像是在进行一场奇妙的探索之旅。作者的写作风格充满激情和感染力，他能够用最朴实的语言，描绘出最动人的音乐画面。我一直以来都觉得，钢琴演奏的最高境界，在于能够用声音“讲故事”。而这本书，恰恰为我提供了实现这个目标的途径。书中关于“情感的具象化”的讲解，让我受益匪浅。作者鼓励我们将内心的情感，转化为具体的演奏动作，并通过对音色、力度、速度的细微调整，将这些情感传递给听众。他提供的一系列想象练习，例如“想象自己在某个场景中，用音乐来表达某种情绪”，让我能够更深入地理解音乐所要传达的意境。此外，书中对“演奏者的呼吸”的讲解，也让我感到非常新颖。作者指出，合理的呼吸方式，能够帮助演奏者放松身体，获得更持久的耐力和更充沛的能量。这让我意识到，钢琴演奏并非只是手部的运动，而是全身心的投入。
评分坦白说，当我决定购买这本书时，我并没有抱有多大的期望，毕竟市面上关于钢琴演奏技巧的书籍琳琅满目，很多都大同小异。然而，这本书给了我一个巨大的惊喜。作者的视角非常独特，他并没有局限于传统的钢琴教学体系，而是引入了很多现代音乐理论和实践中的新理念。我尤其被书中关于“节奏的自由化”的讨论所吸引。过去我总是觉得节奏越精准越好，但作者却指出，在某些音乐风格中，适度的节奏弹性反而更能赋予音乐生命力。他通过对不同音乐流派的分析，解释了如何才能在保持整体节奏感的同时，加入富有表现力的节奏变化。这让我对音乐的表现力有了更深的理解。此外，书中对“音色设计”的探讨，也让我眼前一亮。作者不仅仅满足于讲解如何发出“好听”的声音，而是教我们如何根据不同的音乐情境，主动地去“设计”声音，创造出独具特色的音色。这让我觉得，演奏不仅仅是技术的展现，更是艺术家的创作过程。
评分这本书最让我欣赏的一点，是它所蕴含的“人文关怀”。作者并没有将钢琴演奏视为一种冰冷的技能训练，而是将其上升到了“身心和谐”的高度。他强调，一个优秀的钢琴演奏者，不仅要有扎实的技术，更要有健康的身心状态。书中关于“演奏者的体能训练”和“心理调适”的章节，让我耳目一新。我过去总是专注于手指和手臂的练习，却忽略了身体其他部位的协调性，以及如何在高压的演奏环境中保持良好的心态。作者提出的“全身联动”的演奏理念，以及一些舒缓身心、缓解压力的练习方法，让我受益匪浅。他用生动形象的比喻，解释了如何通过放松身体，来获得更流畅、更自然的演奏。这让我明白，好的演奏，是身体和心灵的完美结合。此外，书中还提到了很多关于“音乐审美”的观点，引导读者去理解不同时期、不同风格的音乐作品，从而培养出更广阔的音乐视野。这本书不仅仅是在教我弹奏技巧，更是在引导我成为一个更全面的音乐人。
评分阅读这本书的过程，与其说是在学习新的演奏技巧，不如说是在进行一场关于钢琴艺术的深度对话。作者的写作功力令人赞叹，他能够将一些非常抽象的音乐概念，转化为具象可感的文字，让我仿佛置身于一个充满智慧的音乐工作室。我一直认为，钢琴演奏的精髓在于“表现力”，而表现力的提升，离不开对音色、触键、踏板等诸多元素的精准把握。这本书恰恰在这几个方面，给了我前所未有的启发。特别是关于“踏板技巧”的阐述，我过去总觉得踏板只是一个简单的延音工具，但作者却将其提升到了“色彩塑造”和“空间营造”的高度。他详细讲解了如何通过不同的踏板运用，来创造出模糊、朦胧、通透等各种不同的声音效果，这极大地丰富了我对音乐表现的想象。此外，书中对“节奏的自由性”的探讨，也让我受益匪浅。以往我过于注重节奏的准确性，有时反而失去了音乐的呼吸感。作者引导我理解，在一些特定风格的音乐中，适度的节奏弹性反而更能体现音乐的生命力。他用了很多音乐史上的例子来佐证自己的观点，让我对这些理论有了更深刻的理解。这本书并不是一本简单的技术手册，它更像是一本音乐美学的入门指南，通过对演奏技巧的解析，引领读者去感受音乐的灵魂。
评分这本书刚拿到手的时候，我其实是带着一种复杂的心情。一方面，我一直以来都对钢琴演奏的“现代”视角充满好奇，毕竟我们学习的很多技巧都是源自古典时期，而如今的音乐风格和技术发展日新月异，势必会催生出一些新的理念和方法。另一方面，我又有点担心，怕它会过于理论化，或者与我已有的演奏基础相悖，导致消化不良。然而，翻开第一页，就被作者那种深入浅出的叙述风格吸引住了。他并没有一开始就抛出艰深的术语，而是从一些我日常练习中可能忽略，但却至关重要的小细节入手，比如指尖的触感、手腕的放松程度，甚至是身体的重心转移。这让我意识到，所谓的“现代”技巧，并非是空中楼阁，而是建立在对基础理解的深化之上。我尤其喜欢其中关于“动态控制”的章节，作者通过大量生动的比喻，解释了如何才能在微小的音量变化中传递出丰富的情感，这对我一直以来在演奏中遇到的“力度不均”或“声音单薄”的问题，提供了非常清晰的解决方案。书中还提到了很多我从未接触过的练习方法，例如通过模拟不同的音色来训练手指的独立性和灵活性，这让枯燥的音阶练习变得有趣起来。总的来说，这本书给我打开了一扇新的大门，让我开始重新审视自己的演奏方式，并从中找到了提升的空间。它不是那种立竿见影的秘籍，但它所提供的思考方向和实践方法，却是我未来钢琴学习道路上宝贵的财富。
评分我必须说，这本书的价值远超出了我的预期。我原本是抱着学习一些新颖的钢琴演奏技巧的目的来阅读它，但没想到，它带给我的思考是如此的深刻和广泛。作者的洞察力非凡，他能够敏锐地捕捉到现代钢琴演奏中一些普遍存在的问题，并提出行之有效的解决方案。我一直觉得，演奏的“情感传递”是钢琴艺术的灵魂，但如何将这种抽象的情感，转化为具体的声音，却是我长期以来摸索的难题。这本书中关于“情绪的色彩化”的章节，给我提供了全新的视角。作者将不同的音乐情绪，与特定的音色、力度、节奏变化相联系，并提供了一系列实用的练习方法，帮助我学会如何通过细微的演奏变化，来表达微妙的情感。这让我意识到，我过去对音乐情感的理解，可能还停留在比较表层的阶段。此外，书中关于“即兴创作”和“风格融合”的探讨，也让我眼前一亮。它鼓励我们在继承传统的基础上，大胆尝试新的可能性，将不同的音乐元素融入到自己的演奏中，从而创造出更具个人特色的音乐。这本书让我明白，钢琴演奏不仅仅是技巧的堆砌，更是艺术创造力的释放。
评分我一直认为，学习钢琴是一个循序渐进的过程，需要耐心和毅力。而这本书，就像是一位经验丰富的引路人，它清晰地勾勒出了“现代钢琴演奏技巧”的路径，并提供了切实可行的指导。作者的专业性毋庸置疑，他能够将一些复杂的音乐理论，分解成易于理解的知识点，并结合大量的实例进行说明。我尤其对书中关于“手指的独立性训练”的讲解印象深刻。他提出的那些练习，不仅能够提高手指的灵活性，还能增强手指的控制力，这对于演奏一些快速、复杂的乐曲至关重要。更重要的是，作者在讲解过程中，始终强调“理解”和“感受”，他鼓励我去思考每一个音符的意义，去体会每一段音乐的情感。这让我不再是机械地模仿，而是真正地融入到音乐之中。书中还包含了很多关于“演奏者的姿势和身体力学”的建议，这对于预防演奏损伤，提高演奏效率非常有帮助。
评分这本书的出现，绝对是给我打开了新世界的大门。我之前一直觉得，钢琴演奏的技巧更新迭代的速度并不快，很多方法都是沿用已久。但是，当我翻开这本书的时候，我才意识到，原来“现代”这个词，可以如此生动地体现在钢琴演奏中。作者的思维非常活跃，他能够将一些前沿的音乐理论和跨学科的知识，巧妙地融入到钢琴演奏的讲解中。我特别欣赏书中关于“声音的共鸣”和“空间感”的探讨。作者不仅仅讲解如何发出清晰的音符，而是引导我去思考如何让声音在空间中产生共鸣，如何营造出不同的声音空间感。这对于提升音乐的层次感和表现力非常有帮助。此外，书中还提到了很多关于“即兴演奏”和“改编创作”的理念，这让我看到了钢琴演奏更多的可能性，它不仅仅是对已有作品的演绎，更是一种创作的表达。这本书让我明白，音乐的世界是无限广阔的，而钢琴演奏，则是连接我们与这个世界最美妙的桥梁。
评分这本书的出现，可以说是解答了我内心深处的一个疑惑。很多时候，我在练习时会遇到瓶颈，总感觉自己进步缓慢，即使付出了大量的时间和精力，也难以达到理想中的演奏状态。我开始反思，是不是自己的演奏方法出了问题，是不是需要一些更“现代”的理念来指导我的练习。当我拿起这本书时，我被它严谨的逻辑和系统性的编排所吸引。作者并没有泛泛而谈，而是将整个钢琴演奏技巧体系，分解成了一个个清晰的模块，并对每个模块进行了深入的剖析。我尤其对书中关于“手指力量的分配”的讲解印象深刻。过去我总是习惯性地用整体的力量去弹奏，导致手指疲劳，音色也显得僵硬。而作者提出的“将力量从肩部、手臂，顺畅地传递到指尖”的理念，让我找到了更有效率的发力方式，也让我体会到了“轻盈而有力”的弹奏感觉。书中还提供了大量针对性的练习方法，这些练习方法看似简单，但却非常有效，能够精准地解决我在演奏中遇到的具体问题。我尝试了其中的一些方法，几天之内就感受到了明显的进步，这让我对这本书充满了信心。它让我明白，钢琴演奏并非是纯粹的模仿和重复，而是一个不断探索和优化的过程。
评分不用多说
评分这本书的练琴原则是一定要用脑袋练琴，用耳朵判断声音质量。例如音阶要一定分手练习，注意力高度集中，用耳朵辨别声音的均匀，质量。作者反对从练习曲中提高技术，认为从奏鸣曲或乐曲片段中效果会好很多。总而言之，作者的教学理论的基础是对耳朵的训练。
评分一些部分和现在老师讲的一样，算是互相印证。书里附赠了不少乐谱，而且我技术还不到能弹的地步Orz
评分karl leimer+walter gieseking
评分bought in Shanghai in 2007
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