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出版者:荣宝斋出版社

作者:刘炳森

出品人:

页数:60

译者:

出版时间:2001-7

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787500305491

丛书系列:

图书标签:

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翰墨丹青：中国古代山水画的审美变迁与意境探微 作者：[此处可填充一位著名艺术史学家的名字，例如：李泽厚、巫鸿、或一位擅长中国古代艺术史的学者的名字] 出版社：[此处可填充一家知名学术出版社，例如：人民美术出版社、商务印书馆、或某大学出版社] 开本：16开 页数：约580页（含大量高清彩图与细节图） --- 【内容概要】 《翰墨丹青：中国古代山水画的审美变迁与意境探微》是一部深度剖析中国山水画发展脉络、美学思想及其精神内核的学术专著。本书超越了传统的朝代更迭叙事，聚焦于中国士人阶层“以书入画”、“寄情山水”的文化心理驱动力，系统梳理了自魏晋六朝萌芽期至清代中晚期山水画艺术范式的演进过程。 本书以宋代郭熙提出的“可行、可望、可游、可居”的山水画审美境界为逻辑主线，将山水画的发展划分为“迹象的探索期”（魏晋至唐初）、“格局的奠定期”（盛唐至五代）、“理性的深化期”（两宋）、“个性的张扬期”（元明）和“程式的重构与终结期”（清代）五个阶段，精微剖析了各个时期代表画家（如顾恺之、王维、李思训父子、荆浩、关仝、董源、巨然、范宽、李唐、马远、夏圭、黄公望、倪瓒、沈周、文徵明、董其昌、石涛、八大山人等）在笔墨语言、构图方式、空间处理和哲学思想融入方面所做出的关键性贡献。 【核心章节与研究视角】 全书共分十二章，结构严谨，论证充分： 第一章：山川的“内化”——先秦至魏晋的宇宙观与绘画起源 本章探讨了中国哲学思想（道家“自然无为”、儒家“中和”）如何塑造了早期文人对山水题材的认知。重点分析了顾恺之的“形神兼备”对早期山水画精神性的奠基作用，以及对“随类赋彩”和“迁想妙得”的初步阐释。 第二章：天人合一的初啼——隋唐之际山水画的风格分流 细致考察了李思训、李昭道父子开创的“青绿山水”的富丽堂皇，探讨其背后的宫廷审美趣味，并与王维、孟浩然开创的“水墨为上”的禅宗山水进行对比，首次清晰界定了南北两派在审美取向上的分野。 第三章：盛唐气象——荆浩、关仝对北方雄伟山势的结构化表达 深入分析五代荆浩在《匡庐图》《匡庐独往图》中对“高远法”的精妙运用，揭示了北方山水画如何从描摹自然转向建构一种具有道德力量的“崇高感”。 第四章：巨然与董源——江南烟雨气的“平远”笔墨与“披麻皲”的诞生 本章是理解“南宗”山水画笔墨语言的关键。详述董源的“点苔”技法和巨然的“蟹爪皲”，阐释了江南水墨如何表达一种温润、内敛的文人士大国的隐逸情怀，并探讨了其与地域文化的关系。 第五章：宋代山水的“理性之美”——范宽的“近景厚重”与“全景式”构图 聚焦北宋范宽对尺度的掌控，解析《溪山行旅图》中“三远法”的完美结合，论证了宋代山水画在科学观察与哲学思考之间达到的巅峰平衡状态。 第六章：南宋院体的“诗性”与“边角”——马远、夏圭的“一角两边” 分析南宋光宗、宁宗时期，院体画家为适应宫廷审美和审美疲劳而产生的构图革新，探讨“留白”的艺术手法如何转化为对意境的极致营造。 第七章：元四家的“文人化”转向——以书入画的自觉与对笔墨本体的探求 这是本书的重点之一。详细梳理了元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、赵孟頫）对李唐、燕文贵等前代遗法的继承与“反叛”。着重分析倪瓒的“寂寥之美”和黄公望的“皴法演化”，揭示了山水画如何彻底沦为文人抒发个人“胸中丘壑”的载体。 第八章：明初的“复古”与“创新”——吴门画派的风格整合 探讨沈周、文徵明在继承元代遗风的基础上，如何融合宋人笔法，形成明代中后期最具影响力的“吴门风格”，并分析唐寅、仇英在题材与技法上的差异化发展。 第九章：董其昌的“南北宗论”——理论建构与对后世的影响 全面梳理董其昌“以禅喻画”的理论体系，剖析其对“士气”与“院体”的划界，客观评价其理论在规范化山水画审美规范中的决定性作用，同时也指出其僵化倾向。 第十章：明末的“性灵”与“颠覆”——董其石涛、八大山人的“变异”山水 深入探讨明末清初“四僧”的艺术人格。重点分析石涛的“一画论”和笔墨的“变化”如何挑战既有的笔墨程式，以及八大山人作品中独特的象征性符号与极简主义构图。 第十一章：清代的“摹古”与“浙派”的回归 考察清代中期以“四王”为代表的摹古风潮，分析其对传统笔墨的梳理与总结，并对比“虞山派”等地方流派的特色，探讨山水画在程式化发展下的活力维持。 第十二章：笔墨的终结与展望——近代山水画的转型困境 总结清末民初，传统山水画在面对西方写实主义冲击时的应对策略与内部张力，为山水画在近现代的变革提供历史参照。 【特色与价值】 本书最大的特色在于其宏大的理论视野和精细的个案分析相结合。作者不仅梳理了技法的演变（皴法、点苔、用墨），更深入挖掘了山水画背后的“文化地理学”和“士人心理学”： 1. 审美哲学深入：系统阐释了“气韵生动”、“以书入画”、“胸中丘壑”等核心概念在不同历史时期的内涵变化，将山水画提升至中国美学思想史的高度进行考察。 2. 图版质量卓越：收录了大量博物馆级的原件高清图像，对关键笔墨细节进行了放大分析，极大地便利了研究者和学习者对具体技法的辨识和理解。 3. 论证严谨：全书材料翔实，引证充分，对传统定论（如南北宗之争、院体与文人画的对立）进行了细致的辨析和修正，具有重要的学术增量价值。 《翰墨丹青》不仅是艺术史研究的权威参考书，也是所有对中国传统文化、哲学与审美有深层兴趣的读者，了解中国文人精神世界的必读之作。它揭示了中国山水画如何从描绘自然景观，最终演变为一代代文人精神自我的映照与寄托。

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说实话，我是一个对书法艺术抱有浓厚兴趣但知识储备有限的“门外汉”，这本书的出现简直是雪中送炭。它没有那种高高在上、让人望而却步的学术腔调，而是以一种非常平易近人的方式呈现艺术的精华。从我有限的接触来看，这本选集在作品选择上兼顾了“范本”与“个性”的平衡。那些大家耳熟能详的经典篇目自然少不了，但更让我感到欣喜的是，其中穿插了一些展现书家个人情感抒发的小品文或尺牍，这些“生活化”的作品反而更容易拉近我们与艺术家的距离。装帧的配色和字体选择也很有品味，整体气质沉稳而不失灵动，非常适合放在书房里随时取阅，作为一种精神休憩。

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这本关于书法的书，给人的第一感觉就是厚重与典雅，装帧精美，纸张的选择也体现了出版方的用心，拿在手里沉甸甸的，仿佛能感受到历史的温度。内页的排版布局十分讲究，留白恰到好处，既能突出作品本身，又不会让人感到拥挤。书中的作品跨度似乎很大，涵盖了楷、行、草、隶、篆等多种书体，每一页的墨色过渡和笔触细节都清晰可见，即便是初学者也能从中领略到书法的魅力。特别值得一提的是，对于一些代表性作品的解读，作者或编者加入了一些非常精到的赏析，不仅仅是简单的介绍，而是深入到了书家在创作时的心境和技法演变上，这一点对于提升读者的鉴赏能力很有帮助。虽然我尚未深入研究每幅作品的技法细节，但从整体上看，这本选集无疑是一份非常好的学习和欣赏资料，它不仅仅是图片的堆砌，更像是一次有深度的文化之旅。

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对于一个长期关注艺术出版的人来说，这本书的质量无疑达到了一个很高的水准。首先，从工艺角度来看，印刷的精度令人赞叹，线条的锐利度和墨色的浓淡变化都被完美还原，这在反映书法作品的电子设备上是难以完全体会的。其次，内容的广度也令人印象深刻，它似乎试图构建一个宏大的审美体系，让人在翻阅的过程中，不仅看到了个体的成就，更感受到了一个时代或一个流派的精神内核。我特别欣赏它对作品细节的捕捉，比如有些作品上留下的印章痕迹、拓印时的轻微模糊，都被细致地保留了下来，这使得作品更具“现场感”和历史的真实性。总而言之，这是一本值得反复品读、常看常新的艺术宝典。

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拿到这本书后，我立刻被其中那种扑面而来的气韵所吸引。这本书的选材非常独到，它似乎并不局限于某一个特定的时期或风格，而是试图展现一种全面的、富有生命力的书法面貌。装帧设计上，我尤其欣赏它采用的传统装订方式，这使得翻阅起来有一种庄重感，仿佛在膜拜一件珍贵的文物。内容上，我注意到书中收录了一些相对少见的早期或具有实验性的作品，这对于长期关注成熟风格的资深爱好者来说，无疑是一个惊喜。清晰度是评价书法作品集好坏的关键，这本书在这方面做得无可挑剔，即便是细微的飞白和枯笔，都能被忠实地记录下来，这对于模仿和学习者来说至关重要。读着这些作品，我仿佛能听到笔尖划过纸面的沙沙声，感受到书家运腕时的力道与节奏变化。

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这本画册（我更愿意称之为“艺术品集”）的编辑思路显然经过了深思熟虑。它不仅仅是简单的作品汇编，更像是一部关于“气”与“力”的教材。我发现，书中的作品在呈现上似乎有意识地遵循着某种内在的逻辑或情感脉络进行编排，而不是简单地按时间顺序或书体分类。这种编排方式引导读者进行更深层次的思考，体会到不同作品之间潜在的联系与对话。纸张的哑光质感非常适合表现墨色的层次感，避免了过于光滑纸张可能带来的反光干扰。每幅作品旁边的留白部分，虽然没有过多的文字赘述，但这种“留白”本身就是一种邀请，邀请观者进行自己的解读和冥想，这比长篇大论的注释来得更有力量。

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