中国二胡名曲荟萃 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐出版社

作者:阎黎雯

出品人:

页数:550

译者:

出版时间:1998-11-1

价格:42.0

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787805536507

丛书系列:

图书标签:

• 二胡
• 民族乐器
• 古典音乐
• 中国音乐
• 名曲
• 器乐
• 艺术
• 音乐
• 传统文化
• 演奏

弦音的低语：二十世纪华夏器乐艺术的群像速写 本书并非聚焦于任何特定的乐器或乐种，而是以宏大的历史视角，梳理和展现了二十世纪以来，中国器乐艺术在时代洪流中经历的深刻变革与多元探索。全书结构严谨，内容涵盖面极广，力图勾勒出一幅生动、复杂的华夏器乐艺术发展图景。 第一部分：传统的回响与现代的张力（1900-1949） 本部分深入剖析了自清末民初至抗战胜利前后，中国器乐在“中西之辨”中的挣扎与新生。重点关注了传统丝竹、戏曲音乐在剧场与民间语境中的生态变化。 一、雅俗共赏的张力：民间乐社与文人音乐的嬗变 江南丝竹的转型： 详述了上海、苏州一带丝竹乐在商业化浪潮中的适应性。探讨了传统小型合奏（如《十面埋伏》、《倒板》）如何被引入更大型的“音乐会”模式，以及民间艺人对西方记谱法的初步接触与改造。分析了“松、脆、匀、圆”等传统审美范畴在新的演出环境下面临的挑战。 北方锣鼓与鼓吹乐的地域性保护： 考察了晋陕地区的社火、秧歌音乐，如何凭借其强烈的仪式性和地域文化认同，在现代化冲击下维持了相对独立的生命力。对不同流派的鼓点节奏复杂性进行了细致的描述，例如陕西威风锣鼓中的“阴阳钹”运用技巧。 二、早期器乐“新声”的探索：引介与本土化 西方乐器在中国语境下的“移植”： 这一章侧重于西方管弦乐队和独奏乐器（如小提琴、大提琴、钢琴）进入中国后的早期实践。着重分析了早期音乐教育家如何尝试用五声音阶和传统旋法来改编或创作西方体裁的器乐小品，例如早期的“学堂乐歌”器乐伴奏雏形。 对民间音色的“摹仿”： 探讨了早期作曲家如何试图用钢琴模拟出琵琶的“轮指”或古琴的“吟猱”，这种尝试的局限性与意义。 第二部分：国家构建与民族音乐的重塑（1949-1979） 新中国成立后，器乐创作被赋予了强烈的时代使命感。本部分聚焦于国家主导下的器乐体系的建立、规范化以及意识形态的融入。 一、民族管弦乐队的诞生与定型 乐器改革的浪潮： 详细记录了二胡、琵琶、中阮等传统乐器在定音、音域扩展、指板处理等方面的重大改革历程。这不仅是物理上的改进，更是对乐器“性格”的重新定义。例如，高音二胡的出现如何改变了合奏中的声部平衡。 大型民族管弦乐队作品的创作范式： 分析了这一时期具有代表性的、体现“社会主义现实主义”风格的作品结构。探讨了如何将西方交响乐的呈示部、发展部、再现部结构，与中国传统的“起、承、转、合”进行嫁接。重点解析了描绘大型历史事件或劳动场景的作品中，对器乐色彩的运用手法。 二、独奏与小型合奏的“主题化”创作 题材的集中化： 考察了大量以“丰收”、“工厂”、“革命英雄”为主题的独奏曲创作。分析了这些作品中，如何通过特定的演奏技法（如快速的琶音、强烈的弓法）来象征特定的意象（如机器的轰鸣、人民的喜悦）。 传统曲目的“规范化”演绎： 记录了传统独奏曲目（如琵琶的《十面埋伏》、古筝的《渔舟唱晚》等）在官方音乐院校教学中被固定化、标准化的过程，以及这种标准对民间自由发挥空间的影响。 第三部分：多元的探索与风格的回归（1980年代至今） 改革开放极大地激活了器乐创作的生命力，本部分关注器乐艺术如何从单一叙事转向对个体情感、抽象思维和跨文化对话的探索。 一、向“内心世界”的挖掘：个人化表达的兴起 作曲家群体的“解放”： 探讨了先锋作曲家如何挣脱意识形态的束缚，开始关注内心体验和非叙事性的音乐结构。分析了受西方现代主义影响的“音色探索”在民族乐器上的实践，例如对非传统发音（如弦乐的摩擦声、木管的气流声）的运用。 “新文人音乐”的复苏： 研究了部分乐器演奏家（如古琴家、南音传承人）如何反向吸收现代技法，以更具哲学思辨性的方式重新阐释传统古谱，强调“气韵”而非“技巧展示”。 二、跨界融合与全球视野 民族乐器与室内乐的对话： 详细介绍了民族乐器与西方弦乐四重奏、木管五重奏等西方经典室内乐形式结合的成功案例。分析了不同乐器体系在音色平衡、和声处理上的融合策略。 世界音乐的影响： 考察了中国器乐元素如何被融入爵士乐、弗拉明戈等世界音乐风格中。例如，某些作品中二胡旋律线与即兴独奏的交织，以及对非西方传统节奏型的借鉴。 结语：器乐的未来语境 总结了二十世纪中国器乐艺术的成就与矛盾，并对数字技术、多媒体介入对传统器乐表演和创作模式带来的新机遇与挑战进行了前瞻性的思考。全书注重对具体作品的音乐分析和对艺术生态的社会学观察相结合，旨在为读者提供一个理解中国器乐百年变迁的立体框架。

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这本书简直是为二胡演奏家的“精神世界”做了一次深刻的透视。《琴音与禅思：演奏者的内在对话》这本书，完全脱离了技术和曲目本身，而深入到了“如何成为一个好的音乐家”的哲学层面。我读它的时候，甚至没有带上我的二胡，因为它更多的是一本关于心境和专注力的书籍。书中大量引用了东西方哲学家的观点，探讨了“遗忘技巧，回归本真”的境界。作者认为，真正的演奏，是演奏者将自己的生命体验通过琴弦释放出来的过程，而非机械地复制乐谱上的标记。我特别欣赏其中关于“留白”的阐述，它强调了音乐中寂静的力量，教会我如何把握一个音符结束后，让听众的耳朵和心灵有足够的时间去回味。这本书让我对舞台上的紧张感有了全新的认识——它不再是恐惧，而是一种专注力的极致体现。读完之后，我的心态变得异常平和，仿佛找到了一个能够安放喧嚣心灵的避风港。

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说实话，我对音乐理论一向敬而远之，总觉得那些密密麻麻的五线谱和复杂的和声分析让人头疼。但是，《弓弦上的江南烟雨》这本书的排版和设计简直是艺术品！它不是一本传统意义上的乐谱集，而更像是一本精美的图文志。封面采用了一种温润的宣纸质感，内页的插图水墨画风格，每一页都配有关于该曲目意境的散文诗。最让我惊喜的是，它选取了一些非常小众但意境极美的江南小调，并且用一种非常直观的“意象标记法”来代替了复杂的术语。比如，描述一个揉弦的力度，它会用“微风拂过水面”这样的描述，而不是“中等力度揉弦”。这本书的精妙之处在于，它成功地架起了一座桥梁，让那些对传统乐理不熟悉的人，也能通过画面感和情感联想进入到音乐的世界。我甚至不需要拉琴，只是看着那些图文，就能想象出那份吴侬软语般的婉转和缠绵。对于想要用二胡表达细腻情感的初学者来说，这本绝对是神助攻，它教会我们如何“听”音乐背后的故事。

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我一直对二胡的“现代演绎”非常感兴趣，总觉得传统曲目如果能用更具冲击力和现代感的编曲方式呈现，会更受年轻听众的喜爱。《二十一世纪的二胡叙事诗》这本书，完美地捕捉到了这种时代精神。它收录的曲目非常前卫，涵盖了从爵士融合到电子音乐背景下的二胡独奏。作者在曲目导读中，毫不避讳地讨论了二胡如何在全球化音乐浪潮中保持自我身份的同时，吸收外来元素。其中一篇关于将二胡与非洲鼓进行对奏的分析尤其精彩，作者探讨了两种看似毫无交集的乐器在节奏结构上的内在契合点。这本书的排版也极具现代感，使用了很多黑白对比强烈的摄影作品来烘托曲目的现代氛围。它给我的感觉是：二胡不是博物馆里的老古董，而是当下最鲜活、最具实验精神的乐器之一。它激励我去打破传统的思维定势，大胆地在自己的演奏中尝试新的和声走向和节奏模式。

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我最近在寻找一些能真正提升我演奏技巧的深度教材，市面上大部分的“速成”书籍都只是治标不治本。《拨弦者的修行》这本书，简直是为中高级演奏者量身打造的“内功心法”。它完全抛弃了入门级的曲目，而是聚焦于那些被认为是最难掌握的技巧的精细拆解。例如，书中关于“轮指”的论述，作者不仅分析了不同流派的轮指差异，还配上了高倍显微镜下的指尖运动轨迹图，简直细致到了微米级别！更绝的是，作者引入了物理学和人体工程学的概念来解释为什么某些技巧会造成疲劳，并提供了相应的肌群放松练习。这种跨学科的视角，让我对那些困扰我多年的技术瓶颈有了茅塞顿开的感觉。这本书要求读者有相当的耐心和持续的练习，它不是让你“听懂”二胡，而是让你“掌握”二胡的每一个细微的震动。读完这本书，我感觉自己不再是单纯地在拉琴，而是在精确地控制每一丝空气的振动。

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这本《二胡的深情咏叹》简直是为我这种对中国传统乐器情有独钟的乐迷量身定做的！我原以为，市面上关于二胡的书籍无非就是那些老生常谈的指法讲解或是几首耳熟能详的曲目改编，但这本书彻底颠覆了我的认知。它没有急着教你拉出“天鹅”一样的音色，而是花了大量的篇幅去探讨二胡这件乐器从诞生之初，它在中国民间故事、戏曲唱腔中是如何被塑造和打磨的。作者的文字功力极高，叙事如行云流水，读起来完全没有枯燥的学术气息。比如，书中对“拉弓”这个最基础的动作的剖析，竟然能追溯到古代拉弓射箭的意境，将物理的运动与精神的专注完美地结合起来。我特别喜欢其中一个章节，它通过对比江南丝竹和西北民间音乐中二胡的音色差异，深入浅出地阐释了地域文化对乐器表现力的影响。这本书不只是工具书，更像是一部充满人文关怀的音乐史诗，让我重新认识了二胡的灵魂所在。光是读完前三章，我就感觉自己的演奏视野瞬间开阔了许多，迫不及待想拿起琴来，尝试用这种新的理解去表达情感。

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