奥多比美画王国Adobe Photoshop 7.0 电脑美术设计宝典

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出版者:北京希望
作者:吴鸿志
出品人:
页数:371
译者:
出版时间:2002-10
价格:66.00元
装帧:
isbn号码:9787900118493
丛书系列:
图书标签:
  • Photoshop
  • Photoshop 7
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  • 图像处理
  • 电脑美术
  • 设计
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  • 软件技巧
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具体描述

这是一本关于如何用Photoshop7.0进行电脑美术设计的优秀教科书,是作者多年从事技术和艺术创作经验的沉淀。作者精心设计了34个精彩范例,由浅入深地手把手教授你如何用Photoshop 7.0画国画、油画、水彩画、水粉画、插画、卡通人物,设计大型海报、精美封面、光盘包装、手袋、立体透视图,修复照片,设计美味西餐广告、精美材质、网页动画和个性化主页。范例画面精美,步骤详细,传统美术绘画技法和软件功能紧密相结合,理论与实践相结合,内容涉及广泛,百分百活学活用。本书由4篇12章构成。第1篇数码绘画,分3章,通过9个实例,讲述了如何用Photoshop 绘制传统油画《古息》、国画《猛虎下山》、水彩画《早秋》、水粉画《水粉佳丽》,以及插画《文成公主》、《金雕问鼎》和动漫设计《永恒的鲁冰花》、《五元真神》、《巨无霸》;第2篇广告设计,分4章,通过12个实例,介绍了《香水》海报、各种水果招贴画、工具书封面、时尚手提袋以及光盘包装和贺卡的制作技巧,并通过对透视学的探讨,实现了经典名贵跑车的工业造型设计;第3篇实用设计,分3章,通过10个实例,讲述了为黑白照片上色的技巧以及商业广告《美味佳肴》的设计和各种地板材质的制作;第4篇网页动画设计,分2章,通过3个实例,讲述如何运用ImageReady 制作动画京剧变脸、字幕渐进和网页设计。附录内容为滤镜效果功能一览表、快捷键、单词索引。本书特点:创意独特 用精心设计的范例说明Photoshop 7.0核心功能的应用,引据古代大师经典作品,在激发读者兴趣的基础上教授多款式、多应用领域的电脑美术创作的方法和技法,循序渐进,讲解深入、细致,学习轻松、有趣;技术含量高、即学即用 书中的34个范例从始至终与软件主要功能紧密结合,稍加修改为你所用,大大提高设计效率,有趣又轻松;内容丰富、时尚、典型、实用 全书重点在电脑美术设计上,选材广泛、范例典型,源于生活,又美化生活,清新、时尚,让人爱不释手,精美的印刷,适中的价格,使人倍感学以致用、物超所值。读者对象:从事平面设计、广告设计、电脑美术设计、电脑绘画、网页制作的广大从业人员,高等美术院校电脑美术专业师生,社会各类Photoshop 7.0平面设计培训班。本版CD为书中实例素材、《照相馆的故事》DEMO、Photoshop6.0软件(试用版)。有关书中的技术问题请与Skywhz@sina.com 联系。

数字艺术的拓荒史:深入解析早期图形处理软件的魅力与局限 本书并非聚焦于Adobe Photoshop 7.0这一特定版本的工具应用,而是旨在构建一个更宏大的视角,回溯数字图像处理技术从萌芽到成熟过程中,那些奠定基础的关键理念、早期软件生态以及设计师们在资源匮乏时代所展现出的非凡创造力。我们将探索的旅程,将绕开Photoshop 7.0的具体菜单和图层操作,转而关注支撑起整个数字艺术领域的底层逻辑。 第一章:像素世界的原点——图形处理的早期哲学 在专业软件功能日益繁复的今天,回顾早期图像处理软件的设计哲学显得尤为重要。本章将深入探讨位图(Bitmap)概念的诞生及其对图形设计观念的根本性影响。我们将分析早期软件(如早期的MacPaint、PC Paintbrush等)是如何在有限的内存和处理器能力下,构建出“画布”和“像素”的交互模型。 色彩模型的演进与限制: 探讨早期的256色、16色乃至单色模式对艺术创作的挑战与启发。设计师如何在严格的调色板限制下,通过抖动(Dithering)技术模拟出更丰富的色彩过渡?这不仅仅是技术限制,更是一种审美训练。 核心工具的抽象意义: 分析“画笔”、“橡皮擦”、“填充”等基本工具在早期软件中的实现原理。这些工具如何定义了“编辑”的最初含义?它们与现代基于向量或复杂滤镜的编辑方式有何根本区别? 分辨率与存储的博弈: 早期作品的文件大小与显示效果之间的平衡是如何被把握的?我们将通过案例分析,展示设计师如何通过优化图像尺寸和色彩深度来适应当时的硬件标准。 第二章:跨越硬件的壁垒——早期设计生态的构建 本书将视角投向软件之外的领域,考察支撑早期数字艺术创作的硬件环境与软件标准。缺乏统一的格式和驱动,使得设计师们必须成为系统的半个工程师。 文件格式的“巴别塔”: 探究TIFF、GIF、BMP等早期主流格式的诞生背景、技术特性及其局限性。不同操作系统之间,如何通过复杂的转换流程实现图像的互通?这部分内容将详细介绍文件头部信息、压缩算法(如Lempel-Ziv-Welch, LZW)在早期的应用与争议。 扫描仪与输入设备的集成挑战: 在没有即时预览和强大驱动的时代,图像采集(扫描、数码相机输入)是如何影响最终设计效果的?我们将分析早期扫描仪的灰阶深度和光学分辨率如何直接决定了后期的处理难度。 打印技术的反向约束: 早期设计往往是为喷墨或热升华打印服务的。本章会详细剖析“屏幕显示”与“纸面输出”之间的色彩鸿沟(Gamut Mismatch),以及设计师如何通过经验和辅助工具(如色彩参考卡)来进行“所见即所得”的初步实践。 第三章:从像素到概念——早期数字美学的形成 数字艺术的早期发展,往往是模仿传统媒介的结果,但很快,其内在的数字特性催生了全新的视觉语言。本章着重于分析早期数字作品中涌现出的独特美学风格。 早期“视觉错位”的魅力: 探讨早期软件在处理边缘、抗锯齿(Anti-aliasing)不成熟时产生的特有视觉效果——尖锐的像素化边缘。这种缺陷是如何被一些前卫艺术家吸收并转化为一种后现代的视觉符号? 基于规则的生成艺术的雏形: 在没有复杂算法编程的环境下,早期设计师如何利用软件内置的“滤镜”或“批处理”功能,通过重复、复制、几何变换等基本操作,创造出具有规律性和秩序感的新型图案。这可以看作是现代程序化艺术的萌芽。 图标与界面设计的“微型雕塑”: 早期操作系统的用户界面对图形处理能力提出了极为苛刻的要求(如16x16像素的图标)。本章将分析设计师如何在极小的空间内,通过色彩的精准把握和形状的提炼,传达复杂的功能信息,这是一种对信息密度极限的挑战。 第四章:软件之外的智慧——设计师的非标准工作流 在没有“历史记录”面板和“智能对象”的时代,设计师的工作流充满了不可逆的风险和精妙的规避策略。 备份的艺术与版本控制的民间智慧: 在自动保存功能尚不普及时,设计师如何管理他们的文件?我们将展示早期的“命名规范”——例如使用日期、修订字母或项目代号来区分不同版本的作品,以及“副本”在工作流程中的核心地位。 “通道”(Channels)的早期应用: 在Photoshop尚未引入复杂的蒙版概念前,设计师如何巧妙地利用RGB三原色通道的灰度差异来实现区域选择和色彩分离?这是一种对底层数据结构的深刻理解。 脚本与自动化: 在没有成熟的宏或脚本语言之前,设计师如何通过重复执行一系列精确的鼠标点击和键盘输入来批量处理图像?本章将重现这些“手动自动化”的繁琐但高效的流程。 通过对这些早期技术和美学环境的深入挖掘,本书旨在为读者提供一个更深层次的理解:即强大的工具是实现创意的手段,而真正的艺术价值,往往诞生于对现有工具的深刻理解、对技术限制的巧妙超越,以及在资源约束下所激发的无限想象力。我们将看到,数字艺术的成熟,并非始于功能的堆砌,而是源于对“像素本质”的最初探索。

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读后感

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用户评价

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我个人最欣赏的是它对“工作流程优化”的关注。在软件学习之初,很多教程只关注单个工具,但这本书显然是从一个项目实战的角度来组织的。它系统地介绍了如何建立标准化的命名规范、如何高效地使用动作(Actions)来批量处理重复性任务,以及如何构建一个易于团队协作和后续修改的文件结构。这种对效率和规范的重视,对于任何想把爱好转为职业的人来说,都是至关重要的软技能。它仿佛是一位经验丰富的导师,在手把手教你使用锋利的刻刀时,也同时提醒你要爱惜和保养你的工具,并告诉你最好的工作台应该如何布置。读完之后,我感觉自己不仅学会了Photoshop的招式,更重要的是,建立起了一套专业的设计师工作方法论,这对于提升整体项目质量起到了决定性的作用。

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这本书的知识深度和广度,完全超出了我最初的预期,它绝非那种浅尝辄止的“快速入门”手册,而更像是一部可以伴随设计师走过漫长职业生涯的参考宝典。我尤其欣赏作者在讲解色彩管理和高精度输出设置时的那种一丝不苟,那是很多市面上其他书籍会敷衍带过的地方。他不仅教你“怎么做”,更深入地探讨了“为什么这么做”,比如对CMYK与RGB色彩空间转换时可能出现的陷阱进行了详尽的剖析,并提供了实战中屡试不爽的解决方案。更令人印象深刻的是,书中穿插了不少大师级的作品赏析和拆解,通过这些实际案例,你能清晰地看到那些看似神奇的效果是如何一步步通过软件的严谨操作堆砌而成的,这极大地拓宽了我对数字艺术创作边界的认知,让我明白了技术是为艺术服务的,而这本书则完美地搭建了技术与艺术之间的桥梁。

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这本书的讲解风格,透露出一种跨越时代的匠人精神。它不急躁,不浮夸,尤其是在处理滤镜和图层混合模式这一类容易让人迷失的模块时,作者的叙述逻辑显得异常清晰和克制。他不像有些教程那样,只是简单地告诉你“把模式改成叠加”,而是深入挖掘了不同混合模式背后的数学原理,比如“柔光”和“叠加”在数值运算上的细微差别如何影响最终画面的光影层次。这使得我不再是机械地记忆参数,而是真正理解了每一个操作对光线和颜色的物理影响。对于那些追求极致光影效果,想要摆脱“数码感”的进阶用户来说,这种深层次的理论支撑是无价之宝,它为你打开了一扇通往纯粹光影魔术的大门,让你能够凭直觉而不是盲目尝试来创造效果。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴,色彩的运用大胆而和谐,那种厚重感和专业气息扑面而来,让人立刻就能感受到其中蕴含的巨大能量。我记得当时在书店里一眼就被它吸引住了,那种深邃的蓝色调配上烫金的字体,透露着一种经典与权威感,仿佛它不仅仅是一本软件教程,更是一部艺术史的浓缩。打开书扉,内页的排版也是极为考究,大量的图例和步骤分解清晰得令人赞叹,即便是初次接触Photoshop复杂界面的人,也能被这种直观的引导方式所折服。它没有采用那种枯燥的官方说明书式的语言,而是用一种近乎讲述者的口吻,将那些深奥的工具原理娓娓道来,读起来完全没有压力。特别是对图层蒙版的解析部分,作者似乎有着洞悉人心的能力,总能找到最容易被理解的比喻来解释那些初学者最容易混淆的概念。我甚至觉得,这本书的装帧本身就是对“美学”的一种实践,它的存在本身就是对视觉传达的一种强有力宣言。

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拿到这本厚重的册子,我最大的感受是那种“踏实”感。在互联网时代,教程汗牛充栋,但很多都是碎片化、时效性极差的内容。然而,这本书提供的是一套完整的、经过时间沉淀的系统知识体系。它并没有一味追逐最新的功能更新,而是将核心的、最稳固的编辑理念和操作逻辑打磨得炉火纯青。比如,在讲解选区工具时,它不仅仅罗列了魔棒和套索,而是花了大量篇幅去对比讲解通道(Channels)在复杂边缘选择中的强大威力,那种处理发丝或透明物体时的精细度,简直令人拍案叫绝。我曾尝试用其他几本流行的电子书来对比学习同一个高级抠图技巧,但最终发现,还是这本书里提供的“负片/正片叠加法”的思路最为清晰和可靠,它教会了我如何像一个老练的修图师那样去“思考”图像,而不是简单地执行命令。

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