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出版者:中国纺织出版社

作者:邹游

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2003-1

价格:42.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787506425254

丛书系列:

图书标签:

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《寰宇织锦：世界服饰千年流变》 一部跨越时空、洞察文明的服饰史诗 本书并非聚焦于数字时代的虚拟装扮，亦无关乎现代设计软件的操作技巧，而是深入探寻人类自远古时期迈向文明伊始，直至近现代，服饰这一独特的文化符号如何在不同地域、不同阶层中孕育、演变、乃至最终沉淀为历史的镜像。我们试图从布料的肌理、剪裁的逻辑、色彩的隐喻中，解码人类社会的变迁、权力结构的更迭以及审美观念的流转。 第一卷：原始的庇护与图腾的印记 (史前至青铜时代) 本卷溯源至人类对自然材料的初次利用。从兽皮的粗犷披挂，到植物纤维的编织尝试，服饰的诞生首先是生存的需要——御寒、遮蔽、防御。我们将详细考察史前洞穴壁画中描绘的简单形制，分析早期游牧民族与定居农业社会的服饰差异。重点探讨早期装饰物（如贝壳、骨骼、牙齿）的引入，它们如何从单纯的自然物转化为社群身份的标识。 随后，我们将进入文明的曙光。在两河流域，亚麻布的精细纺织技术标志着手工业的重大飞跃，服饰开始承载阶级属性——苏美尔的“卡努”长袍与神职人员的特定饰带。古埃及，林登布（Linen）的白皙与垂坠感成为神圣与纯洁的象征，法老的“尼美斯”头巾和工匠的短褶裙，构筑了森严的社会等级体系。埃及艺术中对服饰细节的偏执描摹，为我们提供了最直接的视觉证据。 第二卷：古典的对称与帝国的荣光 (古代希腊、罗马与东方初探) 古典时代的服饰，是理性与美学平衡的体现。希腊人对人体美的颂扬，催生了“基同”（Chiton）与“赫马提昂”（Himation）的结构美学。这种对布料悬垂性的极致追求，强调身体的自然流动，而非僵硬的塑形。我们细致分析褶皱的物理原理及其在雕塑中的再现。 罗马帝国则将服饰上升为国家权力的象征。“托加”（Toga）的复杂穿戴方式，其颜色、边饰的宽窄，精确地界定了公民的身份、官阶乃至政治立场。从平民的素色羊毛，到元老院议员的紫色镶边，服饰成为行走的外交辞令。本卷亦会插入对早期东方文明的初步考察，如周代礼服中“玄衣纁裳”的宇宙观暗示，以及印度次大陆早期纱丽的实用与飘逸。 第三卷：信仰、丝绸与游牧的交织 (中世纪的欧洲与亚洲) 中世纪的服饰，是宗教禁欲主义与世俗奢靡之间反复拉锯的产物。欧洲，拜占庭帝国的繁复刺绣与宝石镶嵌，通过教会的仪式服饰影响了整个西方世界。而日耳曼民族的迁徙，则将皮革、毛皮等更具实用性的元素带入日常。十字军东征带来的文化冲击，使得东方香料、染料和丝绸的输入达到了前所未有的规模。 在东亚，汉唐盛世的服饰文化达到了巅峰。唐代“胡服骑射”带来的异域风尚与传统服饰的融合，创造出雍容华贵的“大袖衫”和“齐胸襦裙”。我们深入剖析唐代“穿搭”中对色彩搭配的精妙运用，以及长安城内不同种族服饰的共存现象。同时，本卷重点阐述丝绸之路如何不仅仅是商贸通道，更是服饰样式和工艺技术传播的生命线。 第四卷：文艺复兴的立体化与巴洛克的奢靡 (14世纪至17世纪) 文艺复兴的思潮解放了人体，服饰设计开始重视“空间感”和“结构感”。意大利的剪裁艺术萌芽，强调合身与比例。进入西班牙统治时期，硬挺的衬垫、紧束的紧身胸衣（Corset）和巨大的裙撑开始将人体塑造成几何图形，这是对中世纪自然形态的一种反动与重构。 巴洛克时期，服饰展现出无与伦比的戏剧性。凡尔赛宫廷成为欧洲时尚的中心，路易十四的着装规范影响了整个贵族的举止。本卷将详细解析“飞边”（Ruff）、“花边”（Lace）在这一时期的爆炸性发展，它们如何成为财富和闲暇的终极宣言。男装的崛起，从西班牙风格的紧身裤到法国宫廷的及膝短裤（Breeches）和高跟鞋，标志着男性服饰开始回归权力展示的本源。 第五卷：启蒙、革命与工业的冲击 (18世纪至19世纪) 启蒙运动对理性和简洁的推崇，首先在服饰上体现为对巴洛克过度装饰的反思。洛可可风格的轻盈与田园风情，如玛丽·安托瓦内特的“波兰裙”（Polonaise），展现了贵族阶层对田园生活的向往。 法国大革命是服饰史上的分水岭。革命者以“布鲁图斯装”（模仿古罗马共和制）和朴素的蓝白红三色元素，表达政治立场。紧接着，拿破仑时代的“帝政风格”（Empire Style），以高腰线、轻薄的穆斯林棉布，重现了新古典主义的素雅与简洁。 19世纪，工业革命带来了机器纺织和人工染料的突破，使得服饰的生产效率空前提高，但同时也加剧了社会阶层的视觉分化。男装走向“大分化”：深色、剪裁考究的“萨维尔街”西装成为中产阶级职业道德的象征，而维多利亚时代女性繁复的裙撑（Crinoline）与紧身胸衣，则象征着被禁锢的理想女性形象。 第六卷：现代的萌芽与功能性的回归 (20世纪初至二战前夕) 进入20世纪，汽车、电影和两次世界大战彻底改变了人们的活动模式，服饰设计开始关注“功能性”与“解放”。本卷将聚焦于这场静悄悄的“革命”。保罗·波烈（Paul Poiret）如何挣脱了束缚女性行动的紧身胸衣；香奈儿（Coco Chanel）如何利用针织面料和简洁的线条，为女性带来了运动的自由；以及束腰在第一次世界大战期间的彻底退场。我们还将探讨东方主义对西方时装的短暂影响，以及欧洲三大时装屋如何开始塑造全球审美。 本书的价值在于，它不将服饰视为孤立的艺术品，而是将其置于宏大的历史、经济和社会结构中进行考察，以服饰的演变轨迹，勾勒出人类文明不断自我定义、自我颠覆的完整图景。它是一部关于“穿在身上的历史”。

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这本书的叙事节奏掌握得非常好，它不是简单地罗列作品，而是通过一系列精心挑选的视觉案例，串联起一个宏大的时尚演变史。我特别欣赏它在章节过渡时的那种巧妙设计，总能在一个看似停顿的地方，抛出一个引人深思的问题，让你不得不停下来思考之前所看到的一切。这种阅读体验是层次分明的，初读时被表面的华丽吸引，深读时则开始关注其背后的文化语境和技术变迁。它让我意识到，所谓的“时尚”，其实是科技、社会思潮与个体审美不断博弈的结果。这本书没有给我提供标准答案，但它给了我一套观察和分析复杂现象的优秀工具和框架，这点比任何单一技巧的传授都来得重要和长远。

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这本书的“可操作性”远超我的预期，它绝非高高在上的学院派教材。虽然里面充满了大师级的作品，但翻阅过程中我能明显感受到一种“传帮带”的真诚感。它似乎在低语：你看，这些伟大的作品也是从最基础的轮廓和结构开始的。书中的某些跨页展示，那种尺寸的震撼力，让原本静态的线条仿佛有了运动感。我个人认为，这本书最厉害的一点在于，它既满足了专业人士对深度和广度的要求，同时也为初学者提供了一张清晰的地图，让你知道从哪里开始探索这个充满魅力的领域。它成功地搭建了理论与实践之间的桥梁，看完之后，我迫不及待地想拿起笔，尝试用书中学到的视角去观察周围的一切。

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说句实在话，初拿到这本书时，我还担心它会显得有些过时或者过于“小众”。毕竟，数字化时代的我们获取视觉信息的速度太快了，很多经典的东西容易被淹没。然而，这本书用它的质量证明了经典是永恒的。它在处理一些标志性作品时，那种对细节的致敬与尊重，让人感到一种肃穆的美。更让我惊喜的是，作者似乎在不经意间，探讨了“速度”与“永恒”之间的关系——那些耗费无数心血绘制的画面，与当下瞬息万变的潮流相比，反而具有更强的定力。对于那些对时尚史抱有敬畏之心的读者来说，这本书无疑是一份珍贵的收藏，它就像是时间胶囊，封存了特定时代对美的最高理解。

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坦白说，我本来是冲着它内容深度来的，但阅读之后发现，这本书更像是一本精心策划的“灵感集锦”。它没有过多地陷入冗长枯燥的理论说教，而是将重点放在了“如何表达”上。每一页的图像都像是一个独立的案例分析，细看之下，会发现很多过去被我们忽略的细节，比如线条的粗细变化如何影响服装的结构感，光影的运用如何赋予面料以生命力。对于我这种希望在实际创作中有所突破的人来说，这种直观的启发价值是无价的。我甚至会反复临摹其中几幅作品的局部，试图解析那种“一笔定乾坤”的精准度。它成功地将艺术的抽象性与时尚的商业性巧妙地结合在了一起，不愧是行业内资深人士的结晶。

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这本书的装帧设计真是太有品味了，从封面那种略带磨砂质感的纸张，到内页色彩的饱和度和细腻程度，无不透露着出版方的用心。我尤其喜欢它在排版上的处理，那种大面积的留白与精美的插图形成了绝妙的平衡，使得阅读过程本身就是一种视觉享受。虽然我之前对这个领域了解不多，但光是翻阅这些精美的图像，就足以让人沉浸其中，感受到那种跨越时代的艺术魅力。特别是对于那些注重“颜值”的读者来说，光是把它放在书架上，都能提升整个空间的格调。作者在选择配图的风格上似乎也颇为讲究，从早期的铅笔素描到后来大胆的色彩实验，每一种风格的转变都清晰可见，让人不禁好奇背后隐藏的设计师们是经历了怎样的心路历程。

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