具体描述
任何器乐练习都包含两种因素：一种是心理因素，它提高人们的趣味、想象力、理解力和感情色调。另一种是生理因素，它提高和手指的灵巧和为了适应演奏所具体需要的肌肉与神经的放松。
在发展心理因素方面，个性和趣味起着最重要的作用，它对于音乐所引起的感觉和情感产生不同的结果。而教育充其量只能起到丰富一般文化修养和启发学生的想象力与分析力而已。因此，不存在教育体系的优劣，而只有教师的良莠不一。此外，浩如烟海的各种类型练习曲常用来激发学生的热情，他们十分希望由此能获得驾驭键盘机械的本领。其实，如此纷繁的练习曲已使他们无法选择，因此，作者不想在这本书中再增加新的复杂因素和相互矛盾的理论，使钢琴技术这个三头六臂的怪物更增加新的可怕形象；相反，作者只想把问题简单化，并告诉人们这个怪兽是完全可以降伏的。
近年来，器乐的教学工作已取得非常可喜的进步。合理地克服技术困难的练习方法，取代了过去那种长篇反复困难乐段的机械练习，并从中归纳出一些基本原则。
作者把技术困难分成五类，每类单独设一章进行分析，也就是说，人们可以避免在那含混复杂和无止境地反复克服技术困难的道路上追求演奏技巧。
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读后感
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用户评价
从装帧和排版来看，这本定价不菲的著作显然是面向专业人士或学术研究者的，但其内容的实际应用价值却存在巨大的鸿沟。大量的篇幅被用于对一些非常基础，甚至在很多教材中已经普及的概念进行循环论证。例如，关于“五指支撑”的必要性，作者用了整整三章来阐述，引用了多位前辈大师的只言片语，然后进行交叉验证，最后得出一个似乎人尽皆知的结论。这种对已知知识的过度阐述，极大地拉慢了阅读速度，让寻找真正新颖见解的过程变得异常煎熬。我期待的是那些能解决“瓶颈期”问题的独家秘籍，比如如何轻松跨越八度、如何解决快速音阶的粘滞感等实战难题。书中偶尔提及的这些“硬骨头”问题，也往往以“加强基础训练，遵循上述原则”草草收场，并没有给出真正具有突破性的解决思路。读完之后，我感觉自己多了一些需要去反复默想的抽象概念，却少了一些能立刻在琴键上找到的切实反馈。这本书更像是一份详尽的理论参考手册，而非一本能激发演奏热情的实用宝典，它需要你具备极高的自律性和对理论的痴迷，才能从中挖掘出你所需要的那一丁点金子。
评分这本书的叙事节奏简直是灾难性的缓慢，简直让人怀疑作者是不是故意的，想把所有关于“正确”发力的细节都塞进同一本书里。我阅读它的过程充满了挫败感，特别是当涉及到关于“重量转移”那一章时，我感觉自己仿佛被困在了无数个嵌套的定义和比喻之中。作者似乎对“模糊”这个词有着强烈的抵触情绪，他试图用最清晰、最不容置疑的语言来界定每一个技术环节，但结果却是让整个阅读体验变得异常干燥和晦涩。举个例子，他花了整整六页来论证“放松”的本质，结果给出的定义是如此复杂，以至于我需要反复阅读才能勉强理解他究竟想表达的是一种动态的、而非静止的状态。这让我不禁怀疑，对于真正的高手而言，这些“原理”是否早已内化为肌肉记忆，根本无需如此繁复的文字描述？对于初学者来说，这本书无疑是一座难以逾越的知识高墙，它没有提供任何降低门槛的“速成秘籍”，反而要求读者必须先具备扎实的乐理基础和相当的演奏经验，才能跟上作者的思维跳跃。我本希望找到一些关于如何克服舞台焦虑、如何进行有效曲目准备的篇章，但这些“软技能”在书中几乎是完全缺位的，作者似乎认为，只要技术层面无懈可击，其他问题都会迎刃而解，这种观点显得过于理想化和脱离实际。
评分如果你是那种把乐谱视为一份需要严格遵守的“工程蓝图”的演奏者，这本书可能会成为你的圣经。但对于我这种更倾向于从历史语境和作曲家意图上去理解音乐的人来说，这本书简直是反高潮的。它的视角过于聚焦于“物理输出”，几乎完全忽略了音乐的审美和情感维度。全书的核心似乎是建立一个“最优解”的模型，即存在一种放之四海而皆准的最佳触键方式，任何偏离这个标准的行为都被视为“次优”甚至“错误”。这种过于僵化的教条主义态度，让我感到非常不舒服。我记得在读到关于“力度控制”的部分时，作者严厉批判了那种依靠过度揉搓琴键来制造音色的习惯，并提供了一种近乎机械的“下压-释放”模型。虽然这在理论上保证了音色的清晰度，但听起来却少了那种德彪西式的朦胧感，少了浪漫主义时期那种饱满的歌唱性。我更倾向于相信，伟大的钢琴家之所以伟大，恰恰在于他们懂得何时该打破这些“合理原则”，何时该用一种看似“不合理”的方式去服务于音乐的表达。这本书就像一本完美但冰冷的食谱，它告诉你每种食材的精确克数和烹饪温度，却无法告诉你如何用这堆食材做出令人落泪的家常菜。
评分这本厚厚的砖头终于啃完了，说实话，我对它抱有的期待值是挺高的，毕竟名字听起来就充满了“内功心法”的味道，像是终于要揭示那些顶尖演奏家背后的秘密了。然而，读完之后，我发现这本书更像是一本详尽的“技术词典”，而非一本引人入胜的“实践指南”。它的结构组织得极其严谨，每一章都像一个独立的研究报告，对钢琴演奏中的某个细微动作——比如手指触键的角度、手腕的微小摆动、甚至呼吸的节奏——进行了近乎病态的细致解剖。我承认，作者在理论层面上的功力是毋庸置疑的，他引用的物理学、生物力学原理让人不得不佩服其钻研的深度。但是，这种过度强调“原理”和“法则”的方式，反而让我在实际操作中感到束手束脚。当我试图将这些复杂的、标准化的公式套用到我自己的演奏中时，我感觉自己更像是在操作一台精密的机器，而不是在与乐器进行情感交流。书里充满了各种精确到小数点后三位的参数和图表，这对于那些喜欢量化一切的学者来说或许是福音，但对我这个更偏向直觉和感觉的业余爱好者来说，读起来更像是在攻克高等数学难题，而不是学习如何让巴赫的赋格流动起来。我期待的是那种能瞬间点燃灵感的火花，那种能让我第二天拿起琴就能明显感受到进步的“顿悟”，但这本书提供的是一把需要用放大镜才能看清的微小螺丝钉的拆解图。它告诉了我“为什么”这样按压是高效的，但却没能真正告诉我“如何”在情绪高昂时自然而然地做到这一点。
评分这本书给我的整体印象是：学术性过剩，人情味不足。它成功地构建了一个逻辑严密的“钢琴技术宇宙”，但这个宇宙似乎运行在一个真空之中，与真实演奏时所遭遇的各种复杂因素（如演奏厅的湿度、观众的目光、身体的疲惫、甚至一时的心情波动）是脱节的。作者的语言风格极其精确，但却缺乏必要的引导和鼓励。阅读过程中，我不断地在想，如果作者能用更具画面感的描述，或者多穿插一些具体的、生动的、甚至带有争议性的演奏案例来佐证其理论，这本书的价值可能会大大提升。例如，书中对某个技术动作的描述，如果能对比某位大师的演奏录音，指出其技术与理论的契合点或差异，那会更有说服力。遗憾的是，这本书似乎更热衷于建立自己的理论体系，而不是与现有的演奏实践进行对话。它像是一张宏伟的建筑设计图纸，精确到每一根钢筋的型号，但当你走进这座“建筑”时，却发现里面回荡着空洞的回音，缺少了生活的气息和艺术的温度。因此，我无法把它推荐给那些急于提升演奏表现力和音乐感染力的学习者，它更适合那些需要为硕士或博士论文寻找理论支撑的音乐学研究者。
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评分我要开始虐待自己的手指头了 哦呵呵呵呵呵呵 呵呵呵呵呵 据说是最变态的手指练习教材 已经领教了 哦呵呵呵呵呵呵呵呵呵呵
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评分小手不适T﹏T
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