具体描述
为了从理论上扼要勾画美术思潮的百年轨迹，我们拟主编两套丛书：《20世纪中国吕师画论书系》、《20世纪外国大师论艺书系》。
这样，横看是大师画论精萃，纵观是百年思潮简史，是对算术理论由点到线的大笔梳理。
《20世纪中国大师画论书系》已于1999年出版，这套《20纪外国大师论艺书系》便是它的配套书系，由于其中收录的大师言论超出了绘画的范畴，故改“画论”为“论艺”。
本书系依照由正统到非正统，亦即由外在印象到内在表现的大体脉络，收录了在20世纪世界美术史上有重要地位的12位大师的艺术语萃。
这套书系的主编和各卷编著者都是从事美术研究的专家学者及其指导的研究生；由于过去所见的外国艺 术家的艺论大多比较零散，这套书系的编著者特地从国内外收集、编译了许多第一手资料。
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读后感
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用户评价
这本书给我的感觉，就像是置身于一个巨大的、没有实体的剧院里，听着一场只有光线和声音构成的演出。作者的文字构建了一种极强的“空间感”，但这种空间是内心的，是纯粹由感觉构筑起来的。我常常需要停下来，合上书本，盯着墙壁发呆，试图在脑海中重现他所描述的那些“棱角分明的黄色”或者“深沉的蓝色在寂静中回响”的场景。这种体验是高度主观的，这也是为什么不同的人读后会有截然不同的感受。对我来说，它像是一本关于如何“听见颜色”和“看见声音”的秘密手册。书中对“对比”的强调尤其让我印象深刻，他处理对比的方式并非简单的黑白对立，而是更精妙的、在相近色调中寻求的微妙张力，这让我想起那些最优秀的爵士乐即兴演奏，看似不协调，实则在微妙的失衡中达到了完美的和谐。读完之后，我发现自己看任何一幅现代绘画作品时，都会不自觉地去寻找那个“内在的必需性”，去追问艺术家在那一刻，是否真的听从了内心的召唤，而不是外在的模仿。
评分读完这本书，我发现自己对“形式追随功能”这句话有了全新的、近乎颠覆的理解。以往总觉得这话是为现代主义的功能建筑辩护的口号，但康定斯基在这里将其提升到了一个精神层面——艺术的形式必须忠实于其内在的精神需求，而非屈服于外部的审美潮流或市场的期待。这本书的结构安排本身就充满了匠心，它不像教科书那样线性推进，而更像是一部层层递进的交响乐。开篇的论述或许是慢板，带着对历史的追溯和对早期现代艺术的批判，显得沉稳而富有学究气。但越往后，特别是谈到他对色彩与线条的心理影响的分析时，节奏明显加快，充满了实验性和前瞻性。我特别留意了他对“点”这个最基本元素的论述，他将其视为宇宙中最微小却最具潜力的爆发点，这让我想起某些东方哲学中对“气”的理解，极其精微却蕴含无限力量。这本书的语言风格时而严谨，时而又变得极其抒情，仿佛一个严谨的科学家突然被诗歌的灵感攫住，在冰冷的逻辑推演中夹杂着炙热的个人感悟。它成功地将艺术理论从僵硬的学院派束缚中解放出来，赋予了抽象艺术以形而上的重量。
评分坦白讲，这本书的某些章节确实颇具挑战性，它要求读者具备相当的耐心和一定的艺术史背景知识才能完全领会其深意。但如果仅仅将其视为理论书籍，那就大大低估了它的价值。在我看来，它更像是一份遗嘱，是艺术家留给后世的一份关于如何超越表象的终极指南。康定斯基在书中不厌其烦地剖析了艺术如何从模仿自然逐步蜕变为独立存在的精神实体，这个过程的描述是极富戏剧性的。他仿佛带着一种先知般的语气，宣告了具象世界的终结和纯粹精神领域的开启。书中引用的许多例子，虽然未直接配图，但文字描述的精确性，足以在读者的脑海中勾勒出那些开创性的视觉体验。我特别欣赏他对于“艺术的时代性”的洞察，他清晰地预示了艺术将如何随着人类精神的演进而不断进化，这使得这本书即便在今天看来，也丝毫没有过时的感觉，反而充满了对未来艺术形态的预言。
评分这本书的阅读过程更像是一场精神上的“洗礼”，而非简单的知识吸收。它最成功之处在于，它完全颠覆了我们对“美”的传统定义。康定斯基对那些被传统美学视为“丑陋”或“不和谐”的元素抱持着极大的热情，他认为只有通过这些看似冲突的元素，才能真正触及到人类灵魂深处最原始的振动。我被他那种近乎于“反叛”的纯粹性所折服，这种反叛并非为了哗众取宠，而是基于对艺术更高使命的执着追求。阅读时，我的思绪常常被拉扯到他构建的那个抽象维度，那里没有重力，没有时间流逝的概念，只有纯粹的色彩和线条在进行着永恒的对话。这本书的价值在于，它提供了一种看待世界的全新滤镜，让我开始欣赏那些未被驯服的、野性的视觉表达，并从中体味到一种超越日常喧嚣的、近乎禅定的宁静。它是一面镜子，映照出的不是我所见的外部世界，而是我内心潜藏的对秩序与混沌的永恒渴望。
评分康定斯基的这本厚重的著作，初读时只觉其中充斥着一种近乎宗教般的狂热与对色彩的痴迷，仿佛一头闯入了毕加索晚期画作的迷宫，四处都是跳跃的几何图形和爆炸性的色块。我试图在文字中寻找一条清晰的路径，一条能将那些抽象符号与我们日常所见的具象世界挂钩的线索，但很快便意识到这是一种徒劳。作者似乎并不在乎“解释”，他更像是在进行一场深入灵魂的独白，用一种近乎哲学思辨的笔触，探讨着“内在必然性”的幽深含义。那些关于“精神的颤音”和“精神三色”的论述，初看时晦涩难懂，像是在阅读一本用密码写就的古代炼金术手稿。然而，随着阅读的深入，特别是当他将音乐的结构逻辑引入到视觉艺术的分析中时，一种奇特的共鸣感油然而生。他笔下的艺术不再是简单的描摹，而是一种能量的释放，一种在二维平面上构建的、与听觉经验高度重叠的宇宙。我尤其欣赏他对纯粹色彩力量的推崇，那种不依赖任何物象依托，仅凭自身的振动就能触动观者最深层情感的描述，让我对那些看似随意的点线面，产生了一种敬畏之心。这本书迫使我重新审视每一次拿起画笔（或者仅仅是拿起一支笔）时的动机，它远非一本绘画技法指南，而是一份通往艺术本体论的邀请函，尽管这条路崎岖且充满迷雾。
评分呃掀桌！！！这魂淡难道不是把《论艺术的精神》复制粘贴整理归纳吗？！！！早知道就不看了有没有！！因为这太小气了不把插图也搞过来看得我头晕啊亲！！！
评分艺术中不存在任何“必须”，因为艺术永远是自由的。
评分或许直接看《艺术中的精神》更好~形式与内容，所谓我们追求的个性，内在的需求，抽象的元素，艺术家绝对不是普通的花画匠，其实是个精神强大的梦境制造家。从20世纪开始演变，具象到抽象，解放成为纯需要感受力感知的图画元素。那是好还是坏呢？那与国内当代艺术的概念形式绘画相比呢~
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评分艺术中不存在任何“必须”，因为艺术永远是自由的。
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