琵琶教学与演奏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:顾凤宾 编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-1

价格:34.00元

装帧:

isbn号码:9787805536675

丛书系列:

图书标签:

• 琵琶
• 乐器教学
• 民族乐器
• 音乐
• 演奏
• 技巧
• 入门
• 进阶
• 教材
• 艺术

好的，这是一本关于传统戏曲表演艺术的深度研究专著的简介，其内容与“琵琶教学与演奏”无关： --- 《梨园旧梦：明清传奇科班的生成与流变》 导言：舞台的褶皱与历史的呼吸 本书旨在对明清时期中国戏曲生态中一个至关重要的结构——“科班”——进行一次细致入微的考察与梳理。传统戏曲，作为一种集文学、音乐、舞蹈、表演于一体的综合性舞台艺术，其专业人才的培养与传承体系，是理解其艺术生命力的关键。在清代中后期，随着商业资本的介入和市民文化的兴盛，以行会色彩浓厚的“科班”制度，逐渐取代了早期的师徒相授与家庭作坊模式，成为戏曲艺术专业教育和职业输出的核心载体。 《梨园旧梦》聚焦于这一历史转折点，通过对大量清代地方志、戏班档案、文人笔记、以及新兴的商业契约文本的爬梳，力求还原一个真实、复杂且充满张力的科班生存图景。我们不仅探讨了科班的组织结构、规章制度、学徒生涯的艰辛与严苛，更深入剖析了它在社会经济变迁中的适应与挣扎，以及它对特定剧种（如京剧前身、昆曲的衰变期）艺术风格形成所产生的潜移默化影响。 第一部分：科班的制度建构与生存逻辑 第一章：从“戏园子”到“班社”：科班的起源与社会定位 科班并非凭空出现，它是明代以来戏班在城市化进程中，为应对日益增长的市场需求和保持技艺纯度的产物。本章追溯了科班早期组织形态的演变，讨论了科班与当地士绅阶层、乃至官方管理机构之间的微妙关系。科班的注册、许可和税务问题，构成了其合法性与生存空间的基础。 第二章：严格的学徒制：身、口、手、眼、法、度 戏曲表演对演员的综合素质要求极高，科班教育体系的核心便是其严酷的学徒制度。本章详尽分析了科班内部的等级划分（如“大、中、小先生”的权力分配）、学艺年限（通常长达数年甚至十年以上），以及核心的“五功”与“四功”训练范式。我们重点考察了科班如何通过一套严密的惩戒与奖赏机制，在物理和心理上塑造未来的舞台人物。对早期“台步”、“毯子功”等非物质技艺的口传心授过程，进行了细致的文本重建。 第三章：科班的经济模型：份子、票粮与风险共担 一个成功的科班是一个精密的经济共同体。本章揭示了科班的收入来源（堂会、搭班演出、票房分成），以及支出结构（演员薪资、服装道具维护、伙食开销）。尤其重要的是“份子”制度的运行机制——演员如何通过等级和资历获得不同的演出“份子”，以及班主在管理资本流动和应对外部风险（如瘟疫、战乱）中的作用。这种半公半私的经济结构，深刻影响了班社的内部团结与对外扩张的策略。 第二部分：剧种流变中的科班身影 第四章：昆曲的黄昏与科班的转型 明代中后期，昆曲的精致化对科班的艺术水准提出了极高的要求，培养出了一批技艺精湛的“昆班”。然而，随着清代乾嘉盛世的到来，昆曲的审美趣味逐渐脱离了大众市场。本章分析了昆班如何在市场压力下，被迫吸收地方声腔元素，或直接向新兴的汉调、徽班等民间剧种靠拢，展示了科班作为文化载体在面对时代审美转向时的无奈与适应。 第五章：徽班进京与京剧体系的科班预演 京剧的形成是中国戏曲史上最重要的事件之一。本书认为，徽班在进京的过程中，其科班组织模式（尤其在“四大徽班”的会盟与分化中）提供了成熟的职业化范本。我们通过对比徽班与福州、广东等南方班社的组织差异，探讨了科班的地域性特征如何被中央的政治文化中心所吸收、规范，并最终催生了更为标准化的、以“科班出身”为金字招牌的剧团体系。 第六章：行规、行话与身份认同的建构 科班不仅是技艺的传授所，也是一种身份认同的熔炉。本章聚焦于科班内部形成的一套独特的“行规”与“行话”（行话本身构成了对外部世界的防御机制）。这些内部语言和不成文的道德规范，维系着梨园弟子的集体荣誉感和职业操守，同时也固化了戏曲演员在士大夫社会中“贱业”的身份标签。 第三部分：科班的衰落与现代戏曲的萌芽 第七章：商业资本对科班的侵蚀 进入十九世纪后期，随着西方文化和新的娱乐模式的涌入，以及清末“度支部”对戏班的税收管理趋严，传统的科班结构开始松动。本章分析了新的商业投资人（如票号大贾）对班社的介入，以及他们对演出内容和演员排期的干预，如何削弱了老一辈“师父”对科班的绝对控制权。 第八章：从“科班”到“科班制”：新式学堂的冲击 清末民初，随着教育现代化的思潮，传统戏曲教育体系面临着来自新式武术学校、戏剧专科（如中华戏曲学校）的挑战。本书考察了“科班”中的一些老一辈艺人如何转型为新式学堂的教师，以及他们如何将传统的“身口手眼”训练移植到现代课程框架中，完成了从封闭的行会组织到半公开的教育机构的艰难过渡。 结论：遗产与遗存 《梨园旧梦》的结论部分总结了科班制度对中国戏曲的深远遗产：它确保了高度复杂的舞台技艺得以系统传承，塑造了中国传统戏剧强大的现场感染力。然而，其严苛的等级制度、封闭的行会特性，也最终阻碍了它在面对现代社会变革时的自我革新能力。本书的最终目的，是为理解今日戏曲教育与表演体系的诸多特点，提供一个有深度、有温度的历史参照系。 --- 关键词： 明清戏曲史、科班制度、戏曲教育、梨园行会、昆曲、京剧起源、舞台人类学。

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**一位音乐教育工作者的点评，关注教学法和实用性。** 从教学法的角度来看，这本书的设计思路非常清晰，逻辑链条严密。我关注一个教材是否能有效转化为课堂实践，而这本书在这方面做得相当出色。它没有将所有内容堆砌在一起，而是做了非常细致的阶段划分，每一步的递进都建立在前一步扎实的基础上。例如，在乐曲解析部分，它不仅仅是给出指法标记，更重要的是提供了“如何去理解这段旋律的情绪走向”的指导，这对于培养学生的音乐感至关重要。而且，书中对练习曲目的选择也体现了作者的教学智慧，既有针对性的技术难点攻克，也有完整曲目的审美训练。如果将这本书作为核心教材，我相信能极大地提高教学效率，减少学生在学习过程中因目标不明确而产生的挫败感。它提供的是一套完整的、可操作的教学框架，而非零散的技巧集合。

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**对一本书的初步印象，带着一点期待和好奇。** 这本书的封面设计相当引人注目，那种深沉的靛蓝色调，配上烫金的书名，立刻营造出一种古典而又厚重的氛围。我是在书店里偶然翻到的，第一眼就被它散发出的那种历史的沉淀感吸引住了。我个人对于古典音乐的学习兴趣一直都很浓厚，但总觉得市面上大多教材要么过于枯燥乏味，要么就是流于表面，缺乏对核心技艺的深入剖析。这本书的排版看起来很考究，字体和留白的处理都显得非常专业，这让我对它的内容质量有了一个更高的期许。我希望它不仅仅是一本操作指南，更能带我走进那个乐器的精神世界，理解演奏家们是如何将情感融入指尖的。装帧的质感也很好，拿在手里沉甸甸的，让人感觉这是一本值得细细品味的佳作。我尤其关注它在乐理基础和演奏技巧结合方面的处理方式，希望能找到那种“知其然，更知其所以然”的学习路径。

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**一个资深学习者的视角，侧重于技术深度和系统性。** 坦率地说，初次接触到这本书时，我带着审视的眼光。毕竟，学习这个领域多年，很多“秘籍”和“诀窍”都已耳熟能详。然而，这本书在核心技法——比如关于拨弦力度控制与音色变化的那几章，其阐述的细致程度简直令人称奇。它没有简单地用“用力”、“放松”这类模糊的词汇带过，而是通过对肌肉群的微调、对手腕角度的精确描述，构建了一个非常立体的技术模型。更让我欣赏的是，作者似乎非常注重历史渊源与现代实践的结合。例如，在探讨某个特定指法时，会穿插引用古代琴谱中的注释，这对于我们这些追求“正宗”音色的学习者来说，无疑是宝贵的佐证。我感觉这本书更像是一本研究性质的专著，而不是面向初学者的入门读物，它的深度足以让一个有一定基础的人重新审视自己的演奏习惯，并进行一次彻底的技艺升级。

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**一个带着批判性思维的读者对细节的挑剔与赞赏并存的评价。** 在仔细阅读了前几章之后，我必须承认，这本书在理论构建上是扎实的，但阅读体验上仍有一些小小的遗憾需要指出。例如，在某些关于复杂的揉弦技巧的图示部分，由于线条的粗细和角度变化过于细微，如果不用放大镜辅助，确实很难完全捕捉到作者想表达的那个精确的物理动作。这或许是所有纸质媒介在表现三维动作时的固有难题。不过，这种瑕疵在它整体的严谨性面前显得微不足道。更值得称赞的是，作者对于不同年龄段和不同基础水平的学习者的建议，体现了一种罕见的包容性。他似乎时刻提醒读者，学习是一个长期的过程，要学会与自己的局限和平共处，这在很多追求“速成”的读物中是看不到的。这本书没有给你一个不切实际的承诺，而是提供了一份真诚的、需要投入时间和汗水的“修行指南”。总而言之，它是一部份量很重的作品，值得反复咀嚼。

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**一个非专业但热衷于文化背景的读者的感悟，注重阅读体验和文化内涵。** 我其实并不是一个专业的乐器演奏者，我更多是被这种乐器的文化背景和它所承载的故事深深吸引。这本书的魅力，对我来说，在于它成功地架起了一座通往那个艺术殿堂的桥梁。书中穿插的那些关于乐器发展史的小故事，以及不同流派演奏风格的对比分析，读起来非常引人入胜，简直就像在听一场精彩的文化讲座。我特别喜欢其中关于“意境”的探讨，文字的流动性很好，读起来完全没有晦涩感，反而有一种诗意的回甘。我甚至觉得，即使不拿起乐器，仅仅阅读这些文字，也能在脑海中构建出那个声场的画面感。它没有刻意去迎合大众的快餐式阅读习惯，而是坚持用一种缓慢、沉静的笔调，引导读者去感受音乐背后的慢生活哲学。这种对文化沉淀的尊重，是它区别于其他同类书籍的关键所在。

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