具体描述
随着人们生活、工作、学习节奏的加快和休闲娱乐方式的变化，卡通漫画不但受到少年儿童的喜爱，而且吸引着广大青年甚至中老年朋友，已成为新世纪十分流行的通俗文化艺术形式。同时，越来越多的专业画家和业余爱好者进入到卡通漫画创作领域。为此，我们从日本引进了这套在国际上比较权威的卡通漫画技法教材，本书曾翻译成多种文字版本畅销世界十余个国家和地区。首批4册分为“造型篇”、“表情篇”“动态篇”和“动作篇”，比较系统地介绍了卡通漫画的基础技法。不但可以作为美术院校和专业艺术创作者的卡通漫画教材，同时也是广大青少年朋友提高卡通漫画鉴赏水平，丰富艺术修养， 培养业余爱好，进而掌握卡通漫画创作艺术的最佳参考资料。
作者简介
目录信息
第1章 缩小图画法 位置的观念
1 第一步 人物眼神水平线
2 确定消失点
3 微妙的动作设计
4 实际演出1
……
第2章 基本的动作
1 日常表演
2 站姿1 无力的站法
站姿2 紧张的站法
3 坐姿1 椅子・放松状
……
第3章 各种动作
1 S字型是重点
2 站姿时的各种动作
3 坐姿的各种动作
……
第4章 纸上实际作业
参观职业工作室Q&A
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读后感
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用户评价
**当我在书店的角落里发现《卡通漫画技法》时，并没有抱太大的期待。毕竟，市面上关于绘画技巧的书籍如过江之鲫，大多只是泛泛而谈，充其量能给你一些基础的概念，但真要动手画起来，依然是一头雾水。然而，这本书完全颠覆了我之前的认知。** **从翻开第一页起，我就被深深吸引住了。作者并非直接抛出艰涩的理论，而是以一种循序渐进、极其耐心的方式，带领我一步步走进卡通漫画的世界。首先，他没有上来就讲复杂的透视和光影，而是从最基本的人物比例和动态开始。我一直以为人物的动态只是简单的扭动身体，但这本书让我明白，每一个姿势背后都蕴含着骨骼、肌肉的逻辑，以及重心的转移。作者用了很多非常形象的比喻，比如把身体想象成一根根灵活的竹竿，或者用简单的几何体来概括复杂的体块，这使得原本抽象的概念变得生动易懂。我特别喜欢他讲解“S”形和“C”形动态的章节，原来一点点曲线的变化，就能让人物立刻拥有生命力。而且，书中提供的练习题设计得非常巧妙，不是那种死板的临摹，而是引导你去观察生活中的各种姿势，然后尝试用书中学到的技巧去表现。我记得有一次，我对着家里的猫咪，试图用书中讲解的“骨骼提示点”来描绘它的跳跃瞬间，虽然第一次画得歪歪扭扭，但那种成就感却是前所未有的。这本书让我意识到，画好卡通漫画，并非仅仅依靠天赋，更重要的是理解和掌握其内在的规律。**
评分**在我看来，《卡通漫画技法》最令人称道的一点，便是它对“表情”的细致入微的讲解。我们都知道，卡通漫画的魅力很大程度上在于人物的表情能够传递出丰富的情感，但很多时候，我们画出的表情总是显得僵硬、千篇一律。这本书在这方面可谓是“点石成金”。作者并没有简单地罗列出喜怒哀乐的几种画法，而是深入分析了每一个表情的构成要素：眼睛（眼睑的开合、瞳孔的变化）、眉毛（上扬、下压、内勾）、嘴巴（嘴角的方向、唇线的弯曲度）以及脸颊的肌肉变化，等等。他更是花了大量篇幅讲解如何通过微小的细节变化来放大情绪的强度，比如在描绘“惊讶”时，不仅仅是眼睛睁大，还要配合眉毛的上扬和嘴巴的微张。更令我惊喜的是，书中还涉及了如何通过“眼神”来塑造角色的性格，例如内向的角色可能眼神会显得犹豫，而自信的角色则会眼神坚定。我曾经花了好几个小时，对照书中的范例，反复练习不同情绪的切换，特别是那些细微的、介于两种情绪之间的过渡表情。通过作者提供的“表情组合练习”，我学会了如何将不同的表情元素进行搭配，创造出更具表现力的面部表情。现在，当我再画人物时，不再是简单地画出“笑脸”或“哭脸”，而是能够根据角色的情境和内心活动，赋予他们更具层次感和真实感的表情。**
评分**我一直认为，“构图”是一个非常高深的领域，需要天赋和多年的经验才能掌握。《卡通漫画技法》却用一种非常亲民的方式，让我对构图有了颠覆性的认识。我总以为构图就是把画面中的元素摆放整齐，但这本书让我明白，构图是一门关于“视觉引导”的艺术。作者从最基础的“三分法”和“黄金分割点”开始讲解，并逐步深入到“对称构图”、“对角线构图”等多种经典构图方式。他用大量的实例，清晰地展示了不同的构图如何影响观众的视觉感受，比如对角线构图能带来动感和张力，而居中构图则能营造稳定和庄重感。更令我惊喜的是，书中还讲解了如何运用“负空间”来增强画面的表现力，以及如何通过“引导线”来将读者的视线自然地引向画面的重点。我开始尝试着在构思画面时，就提前考虑好构图，而不是等画完草稿后再去调整。我发现，一个好的构图，能够让原本平淡的画面瞬间变得有吸引力，也能够更好地突出画面的主题。这本书让我明白了，构图并非遥不可及，而是可以通过学习和练习来掌握的关键技巧。**
评分**读完《卡通漫画技法》，我最大的感受是，它不仅仅是一本教绘画技巧的书，更是一本关于“如何讲故事”的指南。作者在讲解每一个技法时，都紧密地围绕着“如何更好地服务于叙事”这一核心。我之前总觉得画技越高超，故事就越能被吸引，但这本书让我明白，再精湛的画技，如果脱离了故事，也只是空中楼阁。作者在讲解人物的表情、动态、服装时，都在强调这些元素如何塑造角色的性格，如何推动情节的发展。在讲解构图、分镜、背景时，则着重于如何引导读者的视线，如何营造故事的氛围，如何控制故事的节奏。我尤其欣赏作者关于“情感共鸣”的探讨，他教我如何通过画面去触动读者的内心，让他们产生代入感，与角色一同经历故事的喜怒哀乐。这本书让我看到了卡通漫画作为一种艺术形式的深度和广度，它不仅仅是娱乐，更是一种能够传递情感、表达思想的强大媒介。**
评分**“道具和场景的细节描绘”一直是我比较薄弱的环节，很多时候我画的人物很生动，但身边的环境和道具却显得有些粗糙。《卡通漫画技法》在这方面给我上了生动的一课。作者并没有简单地罗列一些物品的画法，而是强调了“细节的重要性”和“道具服务于叙事”的理念。他详细讲解了如何观察和描绘不同材质的物体，比如金属的光泽、布料的纹理、木材的纹理等等，并通过大量的实例展示了如何通过精准的细节来增强画面的真实感和质感。更令我惊喜的是，书中还讲解了如何让道具“活起来”，比如在人物的手中，道具不仅仅是一个摆设，更能传递出角色的情感或故事线索。例如，一把沾满泥土的工具，可能暗示着角色辛勤的工作，而一本破旧的书籍，则可能隐藏着角色的过去。我开始注重观察我周围的物品，并尝试用书中学到的方法去描绘它们。通过对道具和场景的精心描绘，我发现画面整体的完成度和表现力得到了极大的提升，人物与环境也更加融洽，故事感也更加强烈。**
评分**不得不说，《卡通漫画技法》在“实操性”方面做得非常出色，让我这种“纸上谈兵”的读者也能切实地感受到进步。这本书的书页质感非常好，印刷清晰，大量的插图和范例都非常精美，让人赏心悦目。而且，作者的讲解方式非常接地气，没有太多空洞的理论，而是充满了实用的技巧和可以直接套用的方法。我特别喜欢书中提供的“练习题”和“挑战”，它们不仅仅是简单的临摹，而是引导我去思考，去尝试，去发现问题。我记得有一个练习是关于“模仿不同画风”，我通过这个练习，不仅对其他画家的技巧有了更深的理解，也更加清晰地认识到自己独特的风格在哪里。而且，这本书的内容非常全面，从基础的线条、形状，到复杂的色彩、构图，再到最终的叙事和角色塑造，几乎涵盖了卡通漫画创作的方方面面。我曾经花了几个月的时间，每天都跟着书中的内容进行练习，我能明显感觉到自己的绘画能力在不断提升，画出的作品也越来越有“漫画感”。这本书真的就像一个耐心且专业的导师，一步步地引导我走向成功的卡通漫画创作之路。**
评分**在接触《卡通漫画技法》之前，我总觉得“分镜”是需要天才才能理解的概念，它决定了故事的节奏和流畅度。但这本书用一种极其清晰、系统化的方式，把我从迷茫中解救了出来。作者首先强调了“叙事”在分镜中的核心地位，他教导我如何根据故事情节的发展，去思考每一个画面的信息量和转折点。我至今记得他关于“镜头语言”的讲解，从“远景”的交代环境，“中景”的人物互动，到“近景”的情感特写，每一个镜头都有其独特的意义。书中还详细讲解了各种“镜头切换”的技巧，比如“跳切”带来的快速感，“交叉剪辑”制造的对比效果，以及“画面内转场”的流畅性。我特别喜欢他分析经典漫画片段的分镜过程，通过对这些优秀作品的解构，我能更直观地理解分镜的魅力。我开始尝试着为自己的故事绘制分镜草稿，不再是随意地画出几个格子，而是会思考每个格子要传达的信息，以及格子之间的衔接是否自然。这本书让我明白，好的分镜，就像电影的剪辑，能够引导读者进入故事的情感世界，让他们沉浸其中，欲罢不能。**
评分**对于“色彩”的运用，我之前总是凭感觉来，效果往往不尽如人意。《卡通漫画技法》为我打开了一个全新的视角。作者并没有简单地介绍色彩的名称，而是从“色彩的情感联想”和“色彩的搭配原则”入手。他详细分析了不同颜色所带来的心理感受，比如暖色调的活跃和热情，冷色调的沉静和忧郁，以及中性色的稳定和中庸。更重要的是，他讲解了如何根据画面的主题和想要表达的情感来选择合适的色彩方案。我特别喜欢他关于“同类色”、“对比色”和“邻近色”的运用技巧，通过这些搭配，画面能够呈现出不同的视觉效果。书中还提供了很多不同风格的“色彩范例”，从明快活泼的儿童漫画到压抑深沉的暗黑系风格，都一一做了展示，并分析了其色彩运用的精妙之处。我开始尝试着为自己的人物和场景进行色彩搭配，不再是随意地涂抹，而是有目的地去选择颜色。通过调整色彩的明度、饱和度和色相，我发现画面能够瞬间拥有更强的感染力和表现力。这本书让我意识到，色彩是画面的灵魂，掌握了色彩的运用，就等于为我的作品注入了生命。**
评分**坦白说，我之前对“背景”这个概念一直觉得很头疼。《卡通漫画技法》却用一种非常出人意料且实用的方式，打破了我对背景的固有印象。我原本以为背景只是用来填充画面的，但这本书让我明白，一个好的背景能够极大地增强故事的氛围，甚至能够为人物的行为和情绪提供铺垫。作者从“场景的构图”讲起，如何利用前景、中景、远景来营造空间感，如何运用线条的疏密来引导读者的视线。我印象最深刻的是关于“透视”的讲解，原本以为透视是非常枯燥的数学原理，但作者将其简化为几个核心的“消失点”和“视平线”，并用大量的图例演示了如何在不同角度下绘制建筑物、街道，甚至是自然景观。而且，他并没有止步于静态的背景，还讲解了如何在背景中加入“动感”，比如风吹动树叶、水面的涟漪等等，这些细节的处理，瞬间就让画面活了起来。我尝试着用书中学到的方法去绘制自己的故事场景，比如一个昏暗的小巷，或者是阳光明媚的公园。通过对背景元素的合理安排，我发现画面不仅仅是人物的舞台，背景本身也能够讲述故事。这本书让我看到了背景艺术的无限可能。**
评分**我一直以来都对“人物设计”充满了热情，但总感觉自己的角色缺乏灵魂，看起来都很相似。《卡通漫画技法》给了我最直接的帮助。它不仅仅是教我如何画出好看的人物，更重要的是，它引导我去思考“角色”本身。作者从“角色的外形特征”入手，如何通过脸型、发型、体型来暗示角色的性格，比如圆脸可能显得可爱，而棱角分明的脸型则更显硬朗。接着，他深入讲解了“服装设计”的原则，如何根据角色的职业、身份、时代背景来选择合适的服饰，以及服装的材质、褶皱如何表现角色的动态和质感。让我耳目一新的是，书中还提供了很多关于“角色情绪表达”的细节分析，如何通过小动作、眼神、姿态来丰富角色的个性。我曾经花了很多时间，根据书中的引导，为我笔下的人物设定背景故事，然后将这些故事体现在他们的外形和穿着上。我学会了如何让角色的每一个细节都充满意义，而不是仅仅为了好看而存在。这本书让我明白，一个成功的卡通漫画角色，不仅仅是线条的组合，更是有血有肉、有故事的生命体。**
评分现在有5本合集，人物单线的最佳教材
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