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出版者:中国民族摄影艺术出版社

作者:周松竹等

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2010-7

价格:55.90元

装帧:

isbn号码:9787512200432

丛书系列:

图书标签:

• 美术基础
• 十二五规划教材
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《中国画教程》 本书是一本全面而深入的中国传统绘画学习指南，旨在为初学者和有一定基础的绘画爱好者提供一个系统、易懂的学习路径。我们深知，要掌握中国画的精髓，不仅需要技法的纯熟，更需要对中国传统文化、哲学思想以及审美意境的深刻理解。因此，本书在内容编排上，力求将理论与实践相结合，将绘画技巧与文化内涵相融会，引导读者循序渐进地走进中国画的艺术世界。 第一章 绪论：中国画的魅力与学习之道 本章将首先带领读者认识中国画的独特魅力。我们将从历史发展的脉络出发，简要介绍中国画各个时期、各个画科的代表性风格与特点，让读者对中国画有一个宏观的认知。接着，我们将深入探讨中国画的几个核心概念，例如“写意”、“气韵生动”、“笔墨精神”等，阐释这些概念在中国画创作中的重要作用。最后，本章将为读者提供一套行之有效的学习方法，包括如何选择合适的工具材料、如何培养绘画的观察力和感受力、以及如何建立良好的学习习惯等，为接下来的学习打下坚实的基础。 第二章 笔墨基础：笔与墨的对话 笔墨是中国画的灵魂，也是最基本、最重要的表现语言。本章将从最基础的笔法和墨法入手，进行详尽的讲解和示范。 笔法： 我们将详细介绍中国画中常用的各种笔法，如点、线、皴、擦等。每一类笔法都会通过图文并茂的方式，解释其运笔的方法、力度、速度的变化，以及在不同质感和形态表现中的应用。例如，在线条的运用上，我们会区分出描、勒、披、折、枯、湿、浓、淡等多种表现力强的笔触，并指导读者如何通过调整腕、肘、肩的配合来控制笔锋，使线条富于变化和生命力。 墨法： 墨是中国画的另一重要表现元素。本章将深入讲解“墨分五色”的原理，包括浓、淡、干、湿、焦墨的运用及其相互关系。我们将示范如何通过调墨、用墨的技巧，在纸上呈现出丰富的层次感和立体感。同时，我们也会介绍“破墨”、“积墨”、“宿墨”等特殊的墨法技巧，以及它们在表现不同物象时所产生的独特效果。 第三章 构图与立意：意境的营造 构图是中国画的骨架，它决定了画面的整体布局和视觉引导。本章将侧重于构图的理论与实践。 构图原则： 我们将介绍中国画构图的一些基本原则，如“疏密有致”、“虚实相生”、“以形写神”等。通过分析大量经典作品的构图范例，帮助读者理解如何安排画面中的景物、人物、留白，以达到画面和谐、重点突出、意境深远的最佳效果。 意境的表达： 中国画的构图不仅仅是形式上的安排，更是情感和意境的载体。本章将引导读者思考如何通过构图来传达画家的主观情感和对事物的独特理解。我们将探讨如何运用“景中带情”、“情随景生”的创作手法，让画面不仅仅是物象的简单呈现，更能引发观者的共鸣。 第四章 描绘对象：从基础到精通 中国画的题材广泛，包括人物、山水、花鸟等。本章将针对各个主要画科，进行系统性的技法讲解。 人物画： 从中国画的人物画学习，我们将从最基础的“勾”、“填”、“染”等技法入手，讲解人物的比例、结构、神态刻画。我们将介绍不同的人物画画法，如工笔人物的精细描绘，写意人物的简洁传神。重点会放在如何通过笔墨来表现人物的内心世界和精神气质。 山水画： 山水画是中国画的重要分支，也是最能体现中国画哲学思想的画科之一。本章将详细介绍山水画的各种基本元素，如山、石、树、水、云等。我们将学习各种皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等，以及如何运用这些皴法来表现山石的纹理和质感。同时，我们也会讲解树木的画法，包括各种树的造型、枝干的勾勒、叶片的点染等。水、云的处理也将有详细的示范，教会读者如何运用淡墨、飞白等技法表现水的灵动和云的飘逸。 花鸟画： 花鸟画是中国画中极富生命力和表现力的画科。本章将带领读者学习花鸟画的四大要素：花、鸟、草、虫。我们将从最基础的花卉画法开始，如梅、兰、竹、菊“四君子”的画法，再到牡丹、荷花、水仙等各种花卉的造型和设色。鸟的画法将从翎毛的勾勒、眼睛的点睛，到不同姿态的描绘。草、虫的画法则将侧重于表现其生机与活力。我们还将介绍花鸟画中独特的“写意”手法，以及如何将花卉与鸟类巧妙地组合，创造出生动有趣的画面。 第五章 设色与题跋：画龙点睛之笔 设色是中国画色彩运用的艺术，而题跋则是画面的点睛之笔，具有画龙点睛的作用。 设色技法： 本章将深入讲解中国画的设色原理和常用技法。我们将介绍中国画特有的“三矾九染”等传统设色方法，以及如何运用不同的颜色来烘托画面的意境和主题。我们将讲解淡彩、重彩、没骨等多种设色方式，并示范如何通过色彩的搭配和晕染，达到清新淡雅或浓墨重彩的艺术效果。 题跋与印章： 题跋是中国画中不可或缺的一部分，它不仅是作者的署名，更是对画作内容的补充、意境的升华。本章将介绍题跋的种类、书写格式、内容的选择等，以及如何将书法与绘画巧妙地结合，形成完整的艺术作品。同时，我们也会讲解印章在中国画中的作用，以及如何选择和钤盖印章，为画面增添古朴典雅的韵味。 第六章 实践与创作：从模仿到创造 理论知识的学习最终需要通过实践来检验和升华。本章将引导读者将所学知识应用于实际创作。 临摹与写生： 我们将强调临摹的重要性，鼓励读者从历代名家作品中学习其用笔、用墨、构图和意境。同时，我们也会引导读者进行写生，通过观察真实事物，来加深对物象的理解和表现。 创作实践： 在掌握了一定的基础技法之后，本章将鼓励读者进行独立创作。我们将提供一些创作选题的思路和方法，帮助读者将自己的情感、思想融入到作品中，形成自己独特的艺术风格。我们将分享一些创作中的注意事项，以及如何克服创作瓶颈。 第七章 学习进阶：探索更广阔的艺术天地 本章将为已经掌握基础知识的读者提供进一步学习的建议和方向。 名家风格研究： 鼓励读者深入研究不同名家的绘画风格，学习他们的独特之处，并尝试将其融入到自己的创作中。 画科拓展： 介绍一些更专业的画科，如人物画中的不同时期风格、山水画中的不同地域流派、花鸟画中的特定题材等。 跨文化交流： 简要介绍中国画与其他艺术形式的结合，如中国画与西洋绘画的融合、中国画与现代设计的结合等，为读者提供更广阔的艺术视野。 本书的编写，力求语言通俗易懂，图例丰富清晰，希望通过这本《中国画教程》，能够帮助更多的绘画爱好者，尤其是对中国画充满好奇和热情的初学者，掌握中国画的基本技能，理解中国画的文化内涵，并最终能够独立地进行中国画创作，感受中国传统艺术的独特魅力。

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这本《中国画教程》给我最大的感受就是它的“全面性”和“深度”。它不像市面上很多同类书籍那样只介绍皮毛，而是深入到中国画的各个方面。从最基础的握笔、运腕、用墨、用色，到复杂的构图、笔墨技法、风格流派，几乎无所不包。书中对于不同画种，如山水、花鸟、人物，都进行了详细的讲解，并且针对每个画种的不同表现手法和技巧，都给出了清晰的步骤和示范。我尤其欣赏书中对“写意”的阐述，它并没有将写意神秘化，而是通过大量的实例，展示了写意画如何通过寥寥几笔，就能捕捉到物体的神韵。此外，书中还对中国画的历史发展、名家流派进行了简要的介绍，这让我对中国画的演变过程有了更宏观的认识。这本书就像一本厚重的百科全书，让我能够系统地学习和了解中国画的方方面面，也让我对中国画的博大精深有了更深的敬畏。

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我是一个对中国传统文化非常感兴趣的上班族，平时工作之余，总想找点能陶冶情操的事情做。偶然的机会，我接触到了这本《中国画教程》。这本书最大的优点在于它的“循序渐进”和“实用性”。它没有那种高高在上的学术腔调，而是用非常亲切易懂的语言，一步一步地引导读者。比如，对于初学者最头疼的“勾线”，书中就分解了直线、曲线、折线的画法，以及如何运用不同的力度和速度画出流畅而富有变化的线条，还特别强调了线条的“骨力”。在花鸟画的部分，书中对梅、兰、竹、菊这“四君子”的画法有非常细致的讲解，从它们的形态特征到笔墨表现，再到不同季节、不同姿态的描绘，都给出了非常具体的操作方法和示范。更难得的是，它还介绍了如何根据季节、天气变化来描绘景物，如何通过墨色的深浅变化来表现物体的质感和立体感。我照着书中的步骤练习，虽然笔下的作品还比较稚嫩，但已经能感受到一些中国画的韵味了，这让我非常有成就感。

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这本《中国画教程》给我带来了意想不到的惊喜，我一直对国画心向往之，但总觉得门槛很高，望而却步。这本书从最基础的笔墨技法开始，一点一点地引导我入门。比如，对于“点”的运用，书中就有详尽的讲解，从墨色的浓淡干湿，到用笔的轻重缓急，再到点画的形状变化，比如圆点、扁点、卧点、横点等等，以及它们在不同景物（如花瓣、树叶、山石）上的应用。我印象特别深刻的是关于“皴法”的部分，书中通过大量的范例图，清晰地展示了披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴等不同皴法的特点和画法。而且，它并没有仅仅停留在理论讲解，而是非常注重实践，每一章节后面都配有针对性的练习，让我能够边学边练，及时巩固。我尤其喜欢书中对“意境”的阐述，它告诉我中国画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的表达，是画家内心世界的呈现。读完这本书，我感觉自己不再是那个对国画一窍不通的门外汉，而是有了一些初步的了解和操作能力，甚至开始尝试画一些简单的山水小品。

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对于一个长期沉浸在西方油画和素描世界的人来说，转而涉足中国画，最开始是有些手足无措的。幸好，我找到了这本《中国画教程》。它并没有急于教我画复杂的山水人物，而是从最根本的“气韵生动”这个中国画的灵魂入手，这让我感到非常耳目一新。书中深入浅出地解释了“骨法用笔”、“应物象形”、“随类赋彩”、“经营位置”、“传移模写”等中国画创作的基本原则，让我明白中国画的独特哲学和美学思想。尤其是“经营位置”这一章，它详细地讲解了构图的学问，如何在画面中安排景物，如何通过虚实、疏密、远近来营造空间感和层次感，这对我这个习惯了透视法的西方画家来说，是一种全新的视角。此外，书中对于中国画用纸、用墨、用色的讲究也做了详细的介绍，比如宣纸的种类、墨的研磨和使用、颜色的调配等，这些细节的讲解让我对中国画的材料和工具有了更深的认识，也更加敬畏。这本书为我打开了一扇理解东方艺术的大门，让我看到了传统艺术的独特魅力。

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一直以来，我都认为中国画是艺术家的事情，离普通人很远。直到我翻阅了这本《中国画教程》，才意识到原来国画也可以如此贴近生活，如此有温度。这本书的特别之处在于，它不仅仅是关于“如何画”，更是关于“为何这样画”。它在讲解笔墨技法的同时，融入了大量的中国传统文化元素，比如诗词、哲学、美学思想。在讲到山水画时，它会引用古人的诗句来阐述山水的意境，或者讲解“天人合一”的哲学思想如何体现在山水画的构图中。在讲到花鸟画时，它会分析不同花鸟的象征意义，以及画家为何选择这些题材来寄托情感。这本书就像一位循循善诱的老师，它不仅仅传授技巧，更引导你去体会中国画背后的精神内涵。我通过这本书，开始理解什么是“笔精墨妙”，什么是“气韵生动”，也开始尝试用自己的情感去“写”画，而不是仅仅“画”画。这本书让我重新审视了中国画，也重新认识了自己。

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