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出版者:解放军出版社

作者:梁玉师

出品人:

页数:148

译者:

出版时间:1998-01

价格:4.70

装帧:平装

isbn号码:9787506526333

丛书系列:

图书标签:

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书籍简介：风声与光影：世界电影艺术史纲 一部横跨百年光影变迁的深度研究，探索电影作为“第七艺术”的诞生、演进与未来。 书籍概览： 《风声与光影：世界电影艺术史纲》是一部旨在全面梳理和深入剖析世界电影发展历程的学术著作。本书突破了传统以国别或导演为中心的叙事模式，而是着重探讨电影技术、美学思潮和社会语境之间的复杂互动关系。全书以时间轴为骨架，以关键的艺术运动和技术革新为节点，构建起一个宏大而精密的电影史图景，旨在为电影研究者、专业人士以及深度电影爱好者提供一份详尽而富有洞察力的参考指南。 第一部分：黎明前的低语——电影的诞生与默片的黄金时代 (1895-1927) 本部分详述了电影从卢米埃尔兄弟的“活动电影放映机”到格里菲斯构建叙事体系的早期摸索阶段。重点剖析了早期电影的魔术性与记录性本质，以及如何通过蒙太奇理论（如爱森斯坦的辩证法、普多夫金的平行剪辑）将无声影像提升为具有复杂思想载体的艺术形式。 我们深入考察了欧洲表现主义（如《卡里加里博士的小屋》）如何以光影和布景扭曲现实，映照战后德国的心理创伤；同时也聚焦于美国好莱坞的工业化进程，例如塞西尔·B·德米尔如何确立了明星制度和商业叙事的雏形。无声片时代，是影像语言的“巴别塔”时期，视觉的纯粹性达到了一个后人难以企及的高度。书中详细分析了巴斯特·基顿、哈罗德·劳埃德等喜剧大师如何通过精准的肢体语言和空间调度，完成了超越语言的叙事。 第二部分：声音的降临与黄金时代的重塑 (1927-1950) 有声电影的出现，无疑是电影史上的一次“大爆炸”。本书不仅记录了《爵士乐歌唱家》带来的产业冲击，更重要的是，探讨了声音如何改变了电影的美学结构。声音的引入，使得电影叙事可以更加精细和心理化，但同时也一度导致了摄影机被“固定”的保守倾向。 在这一时期，我们着重分析了古典好莱坞的“制片厂制度”如何成熟，形成了独特的类型片体系（西部片、黑色电影、歌舞片）。特别是对黑色电影的分析，它揭示了战后美国社会中潜藏的焦虑、道德模糊与女性角色的复杂性。同时，本书也将目光投向欧洲，探讨了意大利新现实主义的崛起——如何在二战后的废墟中，用最少的资源，通过深入街头、捕捉普通人的真实困境，完成了对传统叙事套路的颠覆与反思。 第三部分：现代性的挑战与艺术的边界拓展 (1950-1970) 随着电视的普及和战后思想的解放，电影艺术开始了一场深刻的自我反思与革命。本部分聚焦于战后欧洲的几大关键运动： 法国新浪潮（Nouvelle Vague）： 重点剖析了“作者论”（Politique des Auteurs）如何确立导演的主体地位。从特吕弗的个人化表达，到戈达尔对既有电影语法的激进解构，新浪潮标志着电影从“制造梦境”转向“审视梦境本身”。 欧洲的实验浪潮： 分析了英格玛·伯格曼如何将哲学和宗教命题引入高度个人化的心灵空间，以及安东尼奥尼对现代人“疏离感”的精准描绘。这些作品挑战了观众的观影习惯，强调了叙事的破碎感和意义的不确定性。 日本电影的沉思： 深入研究了小津安二郎的“物哀”美学，以及黑泽明对史诗题材的宏大处理，展示了东方视角下对时间流逝和家庭结构的独特观察。 第四部分：全球化、类型复兴与后现代的戏仿 (1970-2000) 这一阶段，好莱坞经历了“新好莱坞”的冲击与随后的商业回归。本书分析了乔治·卢卡斯和史蒂文·斯皮尔伯格等如何利用高概念、成熟的特效技术，成功地将电影重新带回大众市场，开创了“暑期大片”时代。 同时，本书也考察了后现代主义思潮如何渗透到电影创作中。科波拉、斯科塞斯等导演对美国梦的解构，以及昆汀·塔伦蒂诺对类型片元素的“回收”与重组，展现了电影对自身历史的自觉意识与戏仿能力。在这一时期，香港电影的武侠美学和商业活力，也作为一种独特的类型化奇观被引入全球视野。 第五部分：数字时代的冲击与影像的未来 (2000年至今) 进入新千年，数字技术彻底改变了电影的制作、发行和消费模式。本书将探讨CGI技术如何拓宽了视觉表达的边界，同时也审视了超级英雄电影等“宇宙构建”模式对叙事复杂性的挤压。 更关键的是，我们关注流媒体平台的崛起如何重塑了“院线体验”的价值，以及全球化背景下，非好莱坞电影（如韩国电影的崛起）如何在全球范围内获得前所未有的关注度和影响力。本书最后以开放性的姿态，探讨了虚拟现实（VR）和交互式叙事等新兴技术，可能为“光影艺术”带来的颠覆性变革与新的审美课题。 本书特色： 本书不依赖于枯燥的年代罗列，而是将每一次技术飞跃视为一次美学选择。通过对剧本结构、摄影机运动、灯光设计、剪辑节奏等具体电影语言元素的深入分析，辅以对时代背景的精准把握，读者将能构建起一个立体且动态的世界电影艺术认知体系。它致力于引导读者超越“看故事”的层面，进入“理解影像如何被构建”的深度欣赏领域。

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这本书的装帧和排版也值得称赞，它传递出一种对阅读体验的尊重。但抛开外在形式，其内容本身给我的触动更深。我特别欣赏它在处理“音乐鉴赏”这一环节时的谦逊态度。作者并没有居高临下地告诉读者“什么才是好的音乐”，而是提供了丰富的工具和视角，鼓励读者自己去发现和建立与音乐作品的个人联结。这种开放性的引导，远比死板的结论更具价值。书中对一些被大众忽视的作曲家或音乐流派的重新挖掘和介绍，也让我耳目一新，拓宽了我的音乐雷达范围。它像一位睿智的向导，引领我走入一个由声音构筑的宏大世界，让我对音乐的敬畏感油然而生。读完后，我感觉我的耳朵“被重新校准”了，开始对周遭的声音环境产生更敏锐的捕捉，这是一次真正的知识与感官的双重洗礼。

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说实话，我原本对这类“常识”类书籍抱有一定程度的怀疑，担心内容会过于浅薄或流于表面化。然而，《音乐常识》完全颠覆了我的预期。它在保持极高可读性的同时，对于一些核心概念的阐释达到了专业水准。比如，在讲解十二音体系时，作者用了一段极其精妙的比喻，一下子就将那个看似高深莫测的理论变得清晰可懂。这种化繁为简的叙事能力，是判断一本优秀科普读物的关键。而且，这本书的配图和插表设计也十分用心，它们不是简单的装饰，而是有效地辅助了文字的说明，使得复杂的乐理图示能够一目了然。阅读完后，我感觉自己看待音乐的维度被拓宽了，不再是满足于“好听”，而是开始探究“为什么好听”以及“它在历史上处于什么位置”。这是一种质的飞跃，一本真正能启发思考的书。

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阅读此书的过程，与其说是学习，不如说是一次灵魂深处的共振。我必须承认，在接触这本书之前，我对许多音乐术语的理解都停留在非常表面的层次，比如“奏鸣曲式”对我来说，不过是一个抽象的标签。然而，这本书巧妙地引入了大量的实例分析，通过具体曲目的片段进行讲解，让我对曲式结构有了直观的感受。书中对乐器发展史的描述也极具启发性，特别是对管弦乐队编制演变中蕴含的社会文化变迁的探讨，视角非常独特。我尤其赞赏作者对于“聆听”这门艺术的强调，它指导我们如何超越简单的旋律欣赏，进入到对织体、和声色彩的深入品鉴。这本书的行文风格兼具学者的严谨与诗人的浪漫，使得即便是探讨技术性的内容，读起来也丝毫不会感到枯燥乏味，反而有一种沉浸式的体验，让人忍不住一口气读完，并立刻想去重听那些被提及的经典作品，用新的视角去重新体验它们。

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这本名为《音乐常识》的书，从我个人的阅读体验来看，其深度和广度都令人印象深刻。首先，它并非那种枯燥的教科书式的罗列，而是将复杂的音乐理论和历史背景以一种非常生动的方式呈现出来。我尤其欣赏作者在处理古典音乐部分时的细腻笔触，比如解析巴赫赋格的结构时，那种层层递进的剖析，仿佛带着读者亲手去触摸音符的脉络。书中对不同时期音乐风格的演变，比如从巴洛克到浪漫主义的过渡，描述得鞭辟入里，让我这个非科班出身的乐迷都能清晰地把握住每一种风格的核心精神。它不仅仅是知识的传递，更像是一场精心策划的音乐之旅，让我在阅读过程中不断产生“原来如此”的顿悟感。对于想要系统性了解西方音乐史脉络，但又害怕被晦涩术语劝退的读者来说，这本书无疑提供了一个绝佳的入口，它成功地架起了专业知识与大众理解之间的桥梁，读起来丝毫没有压力，反而充满了探索的乐趣。

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这本书给我的最大感受是其包罗万象的覆盖面，以及对文化背景的深度挖掘。很多音乐普及读物往往只停留在介绍作曲家生平和主要作品的层面，但《音乐常识》明显更进一步，它将音乐放在了人类文明的大背景下去审视。例如，书中探讨某一时期音乐风格的变革时，会结合当时流行的哲学思潮、政治环境乃至科技进步，这种多维度的解读方式极大地丰富了我对音乐的理解。它让我意识到，音乐绝非孤立的艺术，而是社会历史的鲜活投影。我特别喜欢其中关于“世界音乐”的章节，虽然篇幅相对古典乐少一些，但其选择的案例和切入角度都非常精妙，展现了不同地域文化在声音表达上的独特魅力。全书逻辑清晰，脉络分明，即便是对于初学者，也能轻松跟随作者的思路，构建起一个完整而坚实的音乐知识框架，令人受益匪浅。

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