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出版者:世界图书出版公司

作者:玛丽娜・戴纳・罗德那

出品人:

页数:180

译者:戴华

出版时间:1999-3-1

价格:8.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787506240567

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 现代艺术
• 艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 设计
• 文化
• 艺术理论
• 西方艺术

建筑的诗意：结构、光影与人文的交织 —— 一本深入探索建筑艺术本质的深度专著 图书定位： 本书旨在为建筑学专业人士、城市规划学者、艺术史研究者，以及对空间美学怀有浓厚兴趣的普通读者，提供一个理解现代建筑从理论基石到实践形态演变的全新视角。它不满足于对风格流派的简单罗列，而是深入剖析了建筑艺术赖以存在的结构逻辑、对自然元素的驾驭能力，以及其承载的时代精神与人文关怀。 核心内容概述： 本书的核心结构围绕建筑艺术的三个核心维度展开：“内在的逻辑”（结构与材料）、“外在的对话”（光影与环境），以及“存在的意义”（功能与文化）。全书共分七个章节，辅以大量珍贵的建筑图纸、历史照片与当代案例分析。 第一章：从古典到现代的结构革命 本章追溯了建筑承重体系的演变历程，重点剖析了工业革命催生的新材料——钢铁、钢筋混凝土——如何彻底颠覆了传统砖石结构的物理限制，并由此催生了现代主义建筑的结构美学。我们将探讨亨利·霍布森·理查森（H. H. Richardson）的厚重感与埃菲尔铁塔的轻盈结构之间的张力，并详细解析包豪斯早期对于“形式服从功能”（Form Follows Function）的结构基础性理解。本章特别关注承重墙的解放，以及由此带来的自由平面布局的可能性。 第二章：材料的诚实性与触感 建筑的“真实性”很大程度上取决于其所使用的材料。本章摒弃了对材料的装饰性解读，转而探究材料本身的物理属性、时间印记以及与人类感官的直接交流。我们将深入分析勒·柯布西耶（Le Corbusier）对粗粝清水混凝土（Béton Brut）的执着，以及路易斯·康（Louis Kahn）如何利用砖块的砌筑节奏来表达体量的庄严。讨论将延伸至当代建筑中对再生材料、高性能复合材料的探索，以及材料如何影响建筑的长期生态足迹和使用者的心理感受。 第三章：光影的雕塑：建筑中的时间性 建筑并非静止的物体，而是在时间维度上展开的体验。光，作为最主要的媒介，定义了空间的体积、纹理和情绪。本章将集中论述光线在不同地域、不同时段对建筑内部氛围的塑造。通过对安藤忠雄的光之教堂、丹麦皇家剧院的采光系统等经典案例的解构，阐释如何通过精确的几何体和开口设计，将自然光转化为一种可触摸、可感知的“建筑物质”。重点剖析漫射光、直射光和反射光在创造戏剧性与宁静感方面的差异化作用。 第四章：体量、比例与人的尺度 建筑的宏大叙事必须最终回归到人的体验。本章探讨建筑师如何通过对体量、比例和模数的精确控制，实现从纪念碑式的宏伟到亲密私人的尺度的平稳过渡。我们将参照帕拉第奥的古典比例学，对比其与现代主义者如密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）在“黄金分割”或更自由的数学关系上的运用。尤其关注在大型公共建筑（如博物馆、交通枢纽）中，如何通过层级化的空间序列来引导和安抚使用者的感知。 第五章：空间连续性：界限的消融与渗透 现代建筑的重大突破之一在于对室内外、人造与自然环境之间界限的挑战。本章分析如何通过大面积玻璃幕墙、连续的楼板以及流动的景观设计，实现空间体验的无缝衔接。重点研究了“渗透性”概念在赖特（Frank Lloyd Wright）有机建筑哲学中的体现，以及当代建筑如何利用“灰空间”（如门廊、檐下空间）作为缓冲地带，模糊了“内部”与“外部”的传统定义。 第六章：功能、社会责任与批判性反思 建筑的社会契约是其存在的根本理由。本章不再将功能视为对形式的简单约束，而是将其视为推动创新和解决社会问题的契机。我们将审视战后高密度城市住宅的实践得失，讨论简·雅各布斯（Jane Jacobs）对现代主义城市规划的批判，以及当代建筑师在可持续发展、适应性再利用（Adaptive Reuse）和解决城市贫困问题中扮演的角色。这部分内容包含了对技术进步与人文关怀之间平衡的深入辩论。 第七章：地域性、上下文与永恒的设计语言 在日益全球化的建筑语境下，如何保持建筑对特定地理环境和文化历史的敏感性，是当代建筑师面临的核心课题。本章考察了“地域主义”（Critical Regionalism）思潮的兴起，分析阿尔瓦罗·西扎（Álvaro Siza）在葡萄牙海岸的实践，以及它们如何巧妙地汲取本土传统而又不陷入僵化的复古。本书最终强调，真正的经典建筑，是那些能在结构、光影与文脉之间，构建出一种既清晰又充满诗意的、跨越地域的永恒对话的作品。 本书的独特价值： 本书拒绝将建筑视为纯粹的视觉盛宴，而是将其视为一门严谨的、与物理世界和人类精神深度互动的科学与艺术。通过对结构语汇、光线哲学、材料伦理和空间叙事的系统性梳理，读者将获得一套分析和评价建筑作品的深度工具，从而超越对风格标签的辨识，直抵建筑艺术最深层的魅力所在。这是一本关于“如何建造”（How to Build）的知识，更是一本关于“为何建造”（Why to Build）的思考。

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这本书的行文风格极其大胆，简直就像是直接把艺术家的工作室内部的讨论搬到了纸面上，充满了未经打磨的直率和近乎挑衅的视角。阅读过程中，我时常产生一种错觉，仿佛作者本人就是某个激进艺术运动的核心成员，他毫不留情地抨击着那些他眼中“僵化”的学院派观点，用一种近乎新闻报道式的紧迫感去还原那些世纪之交的艺术争论现场。比如，在谈及某一波观念艺术的兴起时，作者几乎没有使用任何学术性的术语来定义“观念”本身，而是通过大量的案例分析和艺术家之间的私人信件片段，构建了一个充满张力和冲突的场景，让你不得不跟着他一起去质疑：艺术的边界究竟在哪里？这种叙事上的“在场感”是极其震撼的，它迫使我放下预设的评判标准，去体验艺术创作过程中的那种原始冲动与逻辑断裂。但这种高强度的代入感也带来了一个问题：在某些篇章的结尾，我常常感到一种智力上的疲惫，仿佛刚参加完一场高水平的辩论赛，需要时间来消化那些被剧烈摇晃的既有认知。

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这部名为《现代艺术》的书，初翻之下，便被其封面那充满张力的色彩与抽象的线条深深吸引，仿佛一扇通往未知美学世界的门户轰然开启。然而，当我沉浸其中，试图寻找那种教科书式的、清晰的艺术史脉络梳理时，却感到了一丝意料之外的迷失。它并非传统意义上那种按时间线索，详尽罗列从印象派到后现代各个流派的理论基石和代表人物的著作。相反，它更像是一系列精心挑选的、互不关联的艺术事件和观念的碎片化拼贴，每一篇章都像一个独立的小型展览，充满了对既有视觉经验的挑战。我尤其欣赏作者在探讨某位极简主义雕塑家时，那种近乎冥想式的语言，他没有过多渲染雕塑材料的物理属性，而是着力于描述作品与观者在特定空间中产生的“虚空”感，这种对“不在场”的强调，着实让人耳目一新。不过，对于初学者而言，这种跳跃式的叙述方式无疑增加了理解的难度，许多关键的艺术哲学背景需要读者自行去补白和关联，这让阅读过程更像是一场需要高度主动性的智力探险，而非轻松的知识汲取之旅。

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从结构上看，这本书更像是一部以“问题”而非“答案”为驱动力的作品集。每一章似乎都在抛出一个核心的哲学难题，比如“身体在图像中的消解”、“观众参与的伦理边界”、“艺术品作为资本的悖论”等等，然后围绕这些问题，作者邀请了几位不同领域的思想家或艺术家进行了一场跨学科的“对话”。这种对话体的叙事结构，让阅读体验变得异常的动态和富于思辨性。我尤其喜欢其中关于“物性”的探讨，作者引入了现象学和后人类主义的观点，来重新审视那些被我们视为“惰性”的艺术材料，赋予其新的能动性。这种处理方式避免了将艺术创作简单地简化为艺术家个人意志的投射，而是将其置于一个复杂的、相互作用的物质与观念场域之中。总而言之，这是一本需要反复阅读、并随时准备接受挑战的作品，它不仅展示了现代艺术的面貌，更重要的是，它教会了读者如何去质疑我们眼睛所见的一切。

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这本书最让我感到惊喜，也最让我感到困惑的地方，在于它对艺术史中那些“被遗忘的声音”的挖掘与重塑。它不仅仅是关注那些被写进主流教科书的巨匠，而是花费了大量的篇幅去探讨那些在特定地域或特定时期昙花一现、但其观念却极具前瞻性的艺术家群体。作者似乎在进行一场考古学式的挖掘，试图将这些散落在历史角落的珍珠重新串联起来。他通过这些边缘化的个案，巧妙地解构了“现代性”这一宏大叙事的单一性与霸权。例如，他对比分析了两组在不同大洲、几乎同时期却发展出相似反传统艺术语言的群体，这种跨文化的并置与对照，极大地拓宽了我对艺术全球化进程的理解。唯一的遗憾是，由于这些艺术家相对“小众”，书中提供的背景资料往往比较零散，使得读者在尝试深入研究某一特定个案时，会发现后续的拓展资料相对匮乏，这本书更像是一个引人入胜的导览，而非详尽的学术参考手册。

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我注意到，本书在视觉呈现上采取了一种非常克制的态度，与它所探讨的那些色彩斑斓、充满冲击力的现代艺术作品形成了有趣的对比。插图的选择极其考究，且排版上留白极多，这使得每一幅作品的图像都拥有了极大的呼吸空间，仿佛被赋予了孤立而神圣的地位。这种“留白”的策略，似乎在暗示着：作品本身即是全部，任何过多的文字解读都可能是一种赘余的干扰。有趣的是，作者在分析某些特定媒介（比如录像艺术或行为艺术）时，选择用大量的文字去描述其“时间性”和“事件性”，而非试图用静态的图片去捕捉其精髓。这种对媒介特性的敏锐捕捉，展现了作者深厚的理论功底。然而，对于那些习惯于通过大量高清图例来快速建立视觉印象的读者来说，这种相对稀疏的图文配合可能会让人感到有些“信息饥渴”，需要读者具备很强的想象力去弥补视觉信息的不足。

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