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出版者:安徽美术出版社

作者:黄嘉

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2000-01

价格:28.00

装帧:平装

isbn号码:9787539807973

丛书系列:

图书标签:

• 时装画
• 四川美术学院
• 绘画
• 艺术设计
• 服装设计
• 美术教育
• 技法
• 素描
• 色彩
• 人体结构

摩登织物与空间叙事：当代服装设计前沿探索 图书名称：摩登织物与空间叙事：当代服装设计前沿探索 内容简介： 本书并非聚焦于特定院校的教学实践或某一地域的艺术风格，而是将目光投向全球当代服装设计的宏大图景及其背后的哲学思辨与技术革新。这是一部深入剖析二十一世纪以来，服装设计如何从平面剪裁的二维限制中解放出来，转而成为构建三维空间叙事、承载文化记忆与未来想象的复杂媒介的专业著作。全书分为五大部分，旨在系统梳理和前瞻性地探讨当前服装设计领域中最具活力和影响力的几个核心议题。 --- 第一部分：解构与重构——面料的革命与触觉美学 本部分着重探讨材料科学的进步如何颠覆了传统服装的物质基础。我们不再将面料视为被动的载体，而是视为主动的参与者。书中详细分析了智能纺织品、生物基材料（如菌丝体纤维、藻类纤维）在可持续设计中的应用潜力，并深入研究了“可穿戴技术”如何模糊了服装与电子设备的界限。 特别关注了“超感官体验”的设计理念。例如，面料的热响应性、湿度感知能力以及其在动态光照下的视觉表现，如何共同构建起观者与穿着者之间的多重感官对话。我们考察了那些将传统手工艺与高科技编织技术（如3D打印、激光切割）相结合的先驱案例，展示了织物纹理如何成为讲述复杂故事的“触觉语言”。这部分强调的重点是，面料的选择和处理方式本身即是一种具有颠覆性的设计决策。 --- 第二部分：身体的边界——空间、动态与雕塑性表达 服装的本质在于与身体的互动。本章超越了传统的版型和廓形研究，转而探讨服装在“动态空间”中的表现力。核心概念是“身体的延伸与屏障”。 书中收录了大量关于极端廓形设计的案例分析，这些设计如何利用空气动力学原理、内部结构支撑（如骨架、充气装置）来创造出超越人体自然形态的雕塑感。我们探讨了后人类主义（Posthumanism）思潮对服装设计的影响，例如，服装如何被设计成一种与环境进行能量交换或信息传递的“生物外骨骼”。 此外，本部分还引入了“时间性设计”的概念，即服装在穿着者移动、呼吸、甚至情绪变化时，其形态如何发生微妙或剧烈的转变，从而捕捉和记录“瞬间即逝的动态美学”。重点分析了那些挑战传统美学规范、探索身体与空间之间张力的解构主义作品。 --- 第三部分：文化符号的转译——历史的引用与身份的重构 当代服装设计是文化碰撞与身份政治的集中体现。本部分聚焦于设计师如何策略性地挪用、解构和转译历史、地域及亚文化符号。 书中详细分析了“全球语境下的本土性表达”。这不仅包括对非西方传统服饰元素的借鉴，更重要的是对这些元素背后文化含义的深入理解和批判性重构，避免流于表面的装饰主义。我们探讨了“中性化（Gender Fluidity）”设计趋势对传统性别符号的瓦解作用，以及服装如何成为个体或群体表达复杂、流动身份认同的有力工具。 一个关键的讨论点是“记忆的织物”：服装如何通过特定的工艺（如拼贴、残损处理、或对特定历史时期制服的再造）来唤起集体或私人的历史记忆，使服装成为移动的文化博物馆。 --- 第四部分：数字化浪潮——虚拟、增强与设计流程的革新 本部分是关于前沿技术对设计工具箱的彻底重塑。我们探讨了参数化设计（Parametric Design）如何应用于服装结构生成，实现传统手工难以企及的几何复杂性。 重点章节深入研究了“虚拟试穿与数字孪生”在设计决策中的作用，以及NFTs与数字时尚如何开辟了全新的商业模式和审美领域。书中对比了物理世界的“物质性”与数字世界的“无限可塑性”之间的张力。 我们还分析了设计师如何利用虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术来创造沉浸式的发布体验，使服装不再局限于T台或橱窗，而是成为可以被用户在不同虚拟环境中探索的对象。这部分旨在展示，数字化工具不仅提高了效率，更从根本上拓展了“一件衣服”可以承载的意义和体验。 --- 第五部分：可持续性与伦理边界——面向未来的设计责任 可持续发展不再是附加选项，而是核心设计命题。本部分从更宏观的伦理角度审视当代服装设计。我们超越了简单的“环保面料”范畴，探讨“循环经济”在服装生命周期中的深度整合。 书中详细分析了“按需生产”、“零浪费剪裁技术”以及“服装的二次生命周期设计”的创新实践。讨论的重点是设计师在供应链透明度和劳工伦理方面的责任，以及如何通过设计决策来对抗“快速时尚”的过度消费模式。 最后，本部分提出了一个发人深省的问题：在一个技术可以无限复制和迭代的世界里，“原创性”和“价值”的定义将如何改变？我们审视那些致力于创造“永恒单品”而非“潮流单品”的设计哲学，探讨服装设计如何成为一种负责任的、具有长期社会影响力的实践活动。 --- 总结： 《摩登织物与空间叙事》是一本为进阶设计师、理论研究者以及对当代视觉文化感兴趣的读者准备的深度指南。它不提供现成的模板，而是提供一套批判性的框架，用以理解和参与到服装设计——这一复杂、动态且不断自我革新的艺术与工程交汇点。本书旨在激发读者跳出传统界限，以更广阔的视野去构想和创造下一代服饰的形态、功能与意义。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为我的毕业设计寻找一些灵感方向，特别是关于廓形和结构的处理。这本书的排版风格非常独特，它没有采用那种密密麻麻的文字堆砌，而是大量留白，让每一张图都有足够的呼吸空间来展现其内在的张力。我发现它在处理一些经典元素的解构与重组上，提供了一种非常现代的视角，尤其是一些关于空间结构与人体动态结合的表达方式，对我现有的一些设计思维产生了不小的冲击。它似乎在无声地引导读者去思考，而不是直接给出答案。我花了好几个小时，只是单纯地翻阅和感受那些视觉语言的流动，那种感觉很奇妙，像是在和一位经验丰富却又极其低调的导师进行着心领神会的对话。对于那些渴望跳出传统框架，寻求设计语言突破的同行来说，这本书提供了一个绝佳的参考坐标系。

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说实话，我购买这本书是抱着一种尝试的心态的，毕竟市面上同类书籍太多，真正能让人眼前一亮的实在凤毛麟角。然而，这本书在细节处理上的考究程度，远远超出了我的预期。我注意到书中有一些章节，似乎侧重于探讨材料与人体线条之间的互动关系，这种探讨非常深入，不再停留在表面的“好看”，而是挖掘到了“为什么好看”的深层逻辑。比如，它如何通过不同肌理的并置来营造视觉上的层次感，或者如何利用光影的细微变化来增强服装的雕塑感，这些都是平时在快速翻阅的资料中难以捕捉到的精髓。这本书的价值，并不在于它展示了多少张“成品”，而在于它如何将设计过程中的那些“思考的痕迹”巧妙地融入了最终的呈现中，让读者能够真切地感受到创作者的心路历程。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种低调的奢华感，仿佛能从指尖感受到设计师的匠心独运。内页的纸张质感也处理得非常到位，厚实而又不失细腻，即使用钢笔书写也不会有墨水洇开的担忧。我尤其欣赏封面上的那抹主色调，它不像传统的艺术类书籍那样追求过于张扬的色彩，而是选择了一种沉稳的莫兰迪色系，这种选择本身就透露出一种高阶的审美趣味。光是捧着这本书，都能感觉到一股安静而强大的艺术气息扑面而来。当然，作为一本视觉导向的读物，印刷的清晰度和色彩还原度自然是重中之重。我仔细对比了几张图片，无论是线条的锐利度还是色彩的过渡，都达到了专业水准，这对于任何一个对美有苛刻要求的读者来说，都是极大的加分项。整体来看，这本书在物理层面的呈现，已经超越了一般教材或画册的范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，值得收藏。

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这本书的阅读体验，就像是走进了一个安静且光线柔和的专业工作室。我不是科班出身，对专业术语的理解可能没有那么深入，但这本书的叙事方式非常友好，它似乎懂得如何用最直观的视觉语言来弥合理论与实践之间的鸿沟。我发现自己不再需要频繁地去查阅辅助资料，因为很多复杂的概念，已经被巧妙地通过图示和局部的放大解析所取代。这对于我这样的自学者来说，简直是福音。它不仅仅是一本工具书，更像是一本能激发好奇心的读物。每一次翻阅，都能在不经意间发现一些之前忽略的微妙之处，比如一个微小的褶皱处理，或者一条意想不到的分割线，这些细节的积累，最终构成了强大的视觉冲击力。

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我最欣赏这本书的地方在于它的“克制美学”。在信息爆炸的时代，太多设计书籍恨不得把所有的知识点都塞给你，恨不得每页都用最醒目的颜色来吸引眼球。但这本书却反其道而行之，它懂得留白的力量，懂得让画面自己说话。这种处理方式，恰恰体现了极高的专业素养——只有对自己的内容足够自信，才敢于如此沉静地展示。它没有过分强调任何单一的流行趋势，而是立足于更长远的审美基础，去探讨服装造型的永恒魅力。翻阅过程中，我能感受到一种对经典的尊重，以及对未来可能性的探索，这种平衡拿捏得极为精准，让这本书的生命力得以超越短暂的季节性潮流，成为一本可以反复品味的佳作。

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