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出版者:香港藝術發展局

作者:劉仲嚴

出品人:

页数:250

译者:

出版时间:2004

价格:0

装帧:平装

isbn号码:9789889814410

丛书系列:

图书标签:

• 艺术教育
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• 教育学
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• 课程设计
• 教学方法
• 审美教育
• 文化研究
• 高等教育
• 教育创新
• 艺术史

藝術教育：跨越傳統與未來的視角 （本書不包含《藝術教育學新論》的內容） --- 導言：呼喚新的教育視野 在二十一世紀的全球化與數位化浪潮中，教育的面貌正經歷著深刻的轉型。傳統上，藝術教育常被置於輔助或「美化」的地位，其核心價值往往被學術界與政策制定者低估。然而，隨著認知科學、心理學以及社會學研究的深入，我們愈發清晰地認識到，藝術不僅是審美能力的培養，更是人類思考、溝通和情感建構的基石。 本書旨在提供一個宏觀且紮實的框架，用以審視當代藝術教育的現況、挑戰與未來方向。我們將聚焦於藝術教育在培養創造性思維、批判性分析能力以及跨文化理解方面的不可替代性，並探討如何將藝術實踐有效地融入到不同教育階段與學科領域之中。 --- 第一部：藝術教育的哲學根基與歷史脈絡 第一章：從古典到當代的教育哲學對話 本章深入探討西方與東方哲學對藝術本質的不同解讀，及其如何形塑了近代的藝術教育理念。我們將考察柏拉圖的摹仿論、亞里斯多德的淨化（Catharsis）概念，與康德的審美判斷的普遍性要求。接著，轉向杜威（John Dewey）的實用主義美學，闡述「經驗」在藝術學習中的中心地位，以及他如何主張藝術教育應與生活實踐相結合。同時，我們也將簡要對比中國傳統藝術教育中「格物致知」與「陶冶性情」的內涵，探究這些古老智慧在當代情境中的再詮釋。 第二章：現代藝術教育思潮的興衰 本章追溯自工業革命以來，藝術教育在公共教育體系中定位的變遷。從十九世紀末的素描與手工藝訓練，到二十世紀中葉現代主義對「形式自主性」的強調，藝術教育的焦點不斷轉移。我們將詳細分析「藝術為藝術而教」（Art for Art’s Sake）思潮如何影響了課程設計，以及隨後出現的「藝術作為文化遺產傳承」的保守立場。更重要的是，本章將探討二戰後「視覺素養」（Visual Literacy）概念的興起，這標誌著藝術教育開始超越單純的技能傳授，邁向對圖像符號的解讀能力培養。 --- 第二部：當代藝術教育的核心實踐與方法論 第三章：創造力、問題解決與設計思維 創造力不再是少數天才的專利，而是未來人才的核心競爭力。本章著重探討如何設計教學活動，以系統性地激發和訓練學生的發散性思維與聚合性思維。我們將闡述「設計思維」（Design Thinking）模型在藝術教學中的應用，包括同理心建立、定義問題、發想、原型製作與測試的完整循環。本章強調，成功的藝術教育應將失敗視為學習過程的一部分，鼓勵學生在不斷的迭代中深化對材料、結構與意義的理解。 第四章：藝術史、藝術批評與藝術鑑賞的整合 藝術教育不僅是「做」（Making），更是「看」（Looking）與「說」（Talking）。本章探討如何將藝術史的知識融會貫通於當代實踐中，避免知識的碎片化。我們將介紹幾種成熟的藝術批評模式，如「形式分析法」、「情境分析法」和「社會學批判法」，並說明教師如何引導學生運用這些工具，對不同時代、不同媒介的藝術作品進行有理有據的論述。此部分將特別關注如何培養學生在面對當代藝術的挑戰性作品時，保持開放的心態與批判的距離。 第五章：媒介轉向：數位藝術與跨域實踐 隨著新媒體技術的普及，藝術的疆界已被極大地拓寬。本章聚焦於數位工具在藝術教育中的整合，包括數位繪畫、影像編輯、互動裝置和虛擬實境（VR）的應用。我們將探討如何平衡對傳統媒材（如油畫、雕塑）的尊重與對新媒介的探索。更重要的是，本章強調「跨域學習」（Interdisciplinary Learning），討論藝術如何作為橋樑，連接科學、技術、工程與數學（STEAM），促進學生在不同知識體系間建立聯繫。 --- 第三部：藝術教育的社會脈絡與未來挑戰 第六章：公平性、多元文化與身份認同 成功的藝術教育必須是包容和公平的。本章深入探討在多元文化社會中，藝術課程如何反映和尊重不同的文化背景、性別認同和社會經濟地位。我們將討論「去殖民化」的藝術課程設計，即如何審視現有藝術史敘事中可能存在的文化偏見，並引入邊緣群體藝術家的視角。本章強調藝術作為一種強大的身份建構工具，如何幫助學習者找到自己的聲音並理解他人的經驗。 第七章：藝術教育與社區連結：行動中的學習 藝術教育不應僅限於教室的四壁之內。本章闡述如何將學校的藝術項目延伸至更廣闊的社區場域。我們將分析社區藝術項目、公共藝術策劃以及藝術治療的初步概念，說明藝術實踐如何促進公民參與和社會變革。重點案例研究將展示藝術在城市更新、弱勢群體賦權以及促進社會對話中的實際效能。 第八章：評量、標準與政策的困境與出路 在高度標準化考試的壓力下，藝術教育的價值常被量化指標所壓縮。本章審視現行藝術教育的評量體系，質疑傳統的紙筆測驗是否能真正捕捉到創造性與情感體驗的複雜性。我們將探討基於作品集（Portfolio Assessment）、表演性評量（Performance Assessment）和自我反思報告等更為質性、更貼近藝術實踐的評量方法。最後，本章將對未來的藝術教育政策提出建議，倡導將藝術視為核心素質的不可或缺部分，而非邊緣選項。 --- 結論：藝術教育作為人類發展的催化劑 總而言之，本書描繪了一幅當代藝術教育的複雜藍圖。它不僅是關於如何繪畫或雕塑的技術指南，更是關於如何培養完整、具備同理心與創新精神的個體，以應對二十一世紀的複雜挑戰。藝術教育的未來，在於其能否持續地證明自身在形塑人類心靈、推動社會進步中的核心驅動作用。

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我非常喜欢这本书中那种近乎诗意的表达方式，它不像很多教育学著作那样干巴巴、冷冰冰，而是充满了对“美”本身的热爱和敬畏。作者将艺术教育视为一场关于“意义的追寻之旅”，侧重于探讨学生如何通过艺术活动来建构个人意义和文化身份。书中穿插的个人反思和田野观察，为冰冷的理论框架注入了温暖的人性色彩，使得复杂的议题变得可亲近。我尤其关注到其关于“地方性艺术实践”的探讨，提倡将社区文化和本土资源融入艺术课程，增强学生的归属感和文化自信。这本书的论述充满了乐观主义，但这种乐观并非盲目，而是建立在对教育困境深刻洞察基础上的积极建构。它让人读完后，胸中充满了一种强烈的责任感：去捍卫并实践那种真正滋养心灵、塑造独立人格的艺术教育。它是一份对未来教育的深情呼唤。

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这本关于教育哲学的著作，给我带来了许多关于审美培养的新视角。作者深入探讨了艺术在个体认知发展中的核心地位，尤其是在构建批判性思维和情感共鸣方面的潜力。他没有仅仅停留在传统的艺术技能传授层面，而是将艺术活动提升到了哲学思辨的高度。我特别欣赏其中关于“观看的伦理”这一章节的论述，它迫使我重新审视我们如何感知和解释周遭的世界，以及这种感知如何被主流的教育范式所塑造或扭曲。书中穿插了一些对西方美学史的精妙梳理，将康德、杜威等人的观点进行了富有洞察力的比较，展现了艺术教育在不同历史语境下的演变轨迹。全书的语言风格是那种深沉而富有学理性的，阅读过程需要高度的专注力，但每一次深入都能带来知识上的满足感。对于那些希望超越应试教育框架，真正理解艺术在塑造完整人格中作用的教育者或学者来说，这本书无疑是一部极具启发性的参考书。它不是一本操作手册，而更像是一面镜子，映照出我们当前教育体系中对人文精神培育的缺失与挑战。

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这是一部结构极为精巧的学术作品，其最大的魅力在于对“过程”的极度重视。作者似乎认为，艺术教育的价值不在于最终作品的完美度，而在于学习者在创作和鉴赏过程中所经历的认知冲突、情感波动与自我重构。书中详述了几个历史案例，分析了教育者如何通过精心设计的“情境诱发”来激发学生的内在创造力，这部分内容写得极其生动且富有细节，让人仿佛置身于那些充满活力的工作室中。特别值得称赞的是，作者对技术媒介在当代艺术教育中的角色进行了平衡的探讨，既肯定了数字工具带来的可能性，也警惕了过度依赖屏幕可能导致的“去触感化”风险。尽管全书的论证逻辑严密，但偶尔在引证其他领域（如神经科学或社会人类学）的发现时，显得有些断裂，如果能更流畅地衔接这些跨学科的洞见，整体的阅读体验会更加圆融无碍。总而言之，这是一本鼓励深度思考，而非浮光掠影的教育读物。

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我抱着极大的好奇心翻开了这本新近出版的教育理论书籍，期待能从中找到一些关于当代艺术教育实践的创新思路。这本书的叙事节奏非常缓慢而审慎，作者似乎并不急于给出明确的“解决方案”，而是倾向于铺陈一个宏大的理论图景。其中关于“身体在学习中的能动性”的讨论，颇为新颖，它挑战了长期以来将学习等同于纯粹认知加工的传统观念，强调了感官经验和动手实践在艺术学习中的不可替代性。不过，我也觉得书中某些论述显得有些过于晦涩和抽象，比如对现象学方法的频繁运用，使得一些核心概念的落地性稍显不足，让渴望即刻应用到课堂实践中的一线教师可能会感到有些吃力。尽管如此，它提供的理论深度是毋庸置疑的，它成功地将艺术教育从学科的边缘地位，重新拉回到了教育学核心的辩论场域。这本书更适合在沉静的午后，伴随着一杯浓茶，进行反复的、结构性的阅读和笔记整理。

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坦白说，初读时我被其深厚的学院派气息略微震慑住了，文字密度非常高，充斥着专业术语，需要时常查阅词典来跟上作者的思维步伐。然而，一旦适应了这种高强度的智力对话模式，我便被它深刻的批判精神深深吸引。这本书旗帜鲜明地反对将艺术教育工具化，反对一切以量化指标来衡量创造力的行为。作者用犀利的笔触剖析了标准化考试对艺术精神的扼杀，论证了真正的艺术教育必须是反功利主义的、以解放个体为最终目标的。尤其在谈及教师专业发展时，书中强调了教师自身审美体验的持续更新是教育质量的根本保障，这一点极其深刻，因为它直指当前许多在职教师专业发展中存在的“形式大于内容”的问题。对于希望重塑艺术教育目标，摆脱短期绩效压力的政策制定者和研究者而言，这本书提供了坚实的理论武器和道德勇气。

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