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页数:494

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出版时间:2011-1

价格:326.00元

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isbn号码:9787303113521

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沉浮千年：一部视觉史诗 这并非一本讲述中国美术“史”的枯燥编年，而是一次穿越时空的视觉漫游，一次对中华民族灵魂深处的回响。它追溯的不是冰冷的年代更迭，而是艺术形式的脉动，是精神图腾的演变，是文明肌理的交织。在这里，我们不聚焦于“谁是谁的老师”，也不沉溺于“什么风格取代了什么”，而是试图触摸那些在泥土、青铜、丝帛、纸张上留下的温度，感受那些跨越千年的目光。 本书从远古的洪荒之歌开始，那些在岩壁上跳跃的粗犷线条，在陶器上旋转的神秘纹样，无不诉说着人类对自然最原始的敬畏与理解。我们探寻那些隐藏在石器时代的石刻与壁画中，关于生命、繁衍与宇宙认知的朦胧印记，它们是人类最早的“语言”，也是我们文明基因的萌芽。 当青铜的洪流席卷而来，我们看见了权力与神性的交融。那些鼎尊上狞厉的饕餮纹，那些钟磬上精细的兽面纹，它们并非简单的装饰，而是礼制、信仰与社会结构在物质形态上的极致体现。本书将深入解读这些青铜器所承载的丰富信息，从器物的形制、纹饰的寓意，到其在祭祀、宴享等重要社会活动中的角色，还原一个充满神秘色彩的早期中国。 秦汉的恢弘气度，在兵马俑的严整队列中，在画像石的生动叙事中，在帛画的奇诡想象中，得以淋漓尽致地展现。我们不仅会看到那些栩栩如生的人物形象，更会理解它们背后所蕴含的政治理想、生活场景以及对死后世界的理解。从墓葬壁画的连续叙事，到单幅帛画的意境营造，我们看到了一种从集体记忆走向个体情感的微妙转移。 魏晋南北朝，是一个文化碰撞与融合的时代，也是佛教艺术在中国大地蓬勃发展的关键时期。石窟寺中的佛像，从犍陀罗风格的传入，到中国本土化审美的探索，其造像风格的演变，本身就是一部关于文化吸收与创新的生动教材。本书将细致描绘莫高窟、龙门石窟等地的经典造像，分析其造型特征、表情刻画以及背后所体现的宗教思想。同时，我们也关注那个时代士人阶层的精神世界，书法、绘画中流露出的“魏晋风度”，那种超脱世俗、寄情山水的风雅，将通过对顾恺之、王羲之等艺术家的作品进行解读，呈现出来。 隋唐，是一个开放自信、气象万千的时代。长安城里的万国来朝，也映射在艺术的包容与多元之上。仕女画的丰腴典雅，山水画的初具规模，佛教艺术的辉煌成就，以及外来艺术风格的广泛影响，共同谱写了盛世的华丽乐章。我们将一同领略阎立本的“古今人物”的精准描摹，张萱、周昉笔下“回眸一笑百媚生”的宫廷生活，以及吴道子“吴带当风”的神韵。 宋代，是中国艺术发展史上的一个高峰。文人画的兴起，哲学思辨的渗透，以及对自然景物的精微观察，共同塑造了宋代艺术独特的审美取向。从范宽的“山峦绝壁”，到马远的“一角山水”，再到宋徽宗的“瘦金体”与花鸟画，我们看到的不仅是笔墨的精湛，更是艺术家对宇宙人生哲理的体悟与表达。本书将深入探讨宋代文人雅士的艺术生活，他们如何将诗、书、画融为一体，如何通过绘画来寄托情怀、颐养性情。 元代，艺术风格的转变，既是对前代传统的继承，也融入了北方民族粗犷豪放的气质。水墨写意的发展，以及文人画的进一步深化，在赵孟頫、黄公望等艺术家的作品中得到了集中体现。我们看到的不仅是笔墨的挥洒自如，更是艺术家在动荡时代背景下，对民族身份与艺术走向的深刻思考。 明清，是中国艺术走向集大成与世俗化的时期。绘画领域，出现了“吴门画派”、“浙派”等不同风格的流派，山水、花鸟、人物等题材不断创新。陶瓷工艺的精进，尤其是青花瓷的繁荣，更是中国制造的代表。从仇英的工笔仕女，到徐渭的狂放写意，再到八大山人的孤寂冥思，以及扬州八怪的奇崛不俗，本书将勾勒出这个时期丰富多彩的艺术图景，并分析其中蕴含的社会经济因素与文化思潮。 本书旨在为读者提供一种全新的视角，去审视那些流传至今的艺术珍品。我们不被固化的“史”所束缚，而是力求还原艺术创作的生命力，理解那些隐藏在笔墨、色彩、线条背后的时代精神与人文关怀。这是一次属于我们自己的视觉探险，一次与古往今来伟大灵魂的对话。在这场跨越千年的视觉旅程中，你将看到的是一个民族如何在艺术的长河中，不断塑造自我，也定义着世界。

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这本书的出现，简直就是一场学术盛宴，让我大开眼界。一直以来，我对中国古代艺术的那份敬畏与好奇，总在翻阅零散资料时被浇灭。但《中国美术史》的出现，就像点亮了一盏明灯，系统地梳理了从史前到近代的漫长艺术长河。它不只是罗列作品和年代，而是深入挖掘了每个时期的社会背景、哲学思想、审美取向，以及这些因素如何巧妙地交织，最终塑造了那一时期独特的艺术风格。比如，当我读到关于汉代画像石的内容时，作者不仅细致地描绘了石刻的线条、构图，更让我惊叹于汉代人对生死、神话、历史的想象力，那些粗犷而充满生命力的图像，仿佛穿越时空与我对话。再比如，对唐代佛教艺术的阐述，不仅仅是介绍壁画和雕塑，更是将佛教传入中国后的本土化过程，以及它如何影响了绘画、建筑等各个层面，都描绘得淋漓尽致。我特别欣赏作者在梳理各个流派时，那种条理清晰的逻辑，以及对不同艺术形式之间内在联系的洞察。它让我不再是碎片化的认识，而是建立起了一个完整而立体的艺术认知体系。这本书不仅仅是关于“美”的，更是关于“人”的，关于那些在历史长河中，用他们的双手和心灵创造出不朽杰作的先辈们。

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总的来说，这本书为我打开了一扇认识中国艺术的奇妙之门。我之前对中国画的印象，可能更多停留在水墨丹青的写意层面，但通过这本书，我才了解到中国艺术的多样性，包括那些线条遒劲的青铜器、色彩绚丽的壁画、精巧绝伦的玉器，甚至是那些承载着民间生活气息的剪纸和年画。书中对不同时期、不同地域艺术风格的对比分析，让我看到了中国艺术在漫长发展过程中，既有统一的文化脉络，又充满了地方特色和创新活力。我特别喜欢书中对唐代佛教造像的描写，那些庄严而又充满慈悲的佛像，不仅仅是宗教的象征，更是那个时代社会风貌和审美观念的集中体现。作者通过对细节的捕捉，比如佛像的面部表情、衣褶的处理，让我仿佛能感受到那个辉煌时代的繁荣与虔诚。书中的插图质量也非常高，清晰地展现了作品的精美细节，让我能够更直观地去欣赏和理解。这本书让我深刻地认识到，中国艺术不仅仅是“技艺”，更是“精神”的载体，是中华民族智慧和情感的结晶。

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这本书让我第一次真正理解了“意境”二字在中国艺术中的分量。作者在解析中国画时，不仅仅停留在对构图、色彩的分析，而是深入挖掘了“气韵生动”、“骨法用笔”等传统审美原则，以及它们是如何融入到艺术家的创作过程中的。读到关于明代山水画大家沈周的作品时，作者描述了沈周如何将他对家乡的深厚情感，以及他对自然的观察与思考，巧妙地通过笔墨表现出来，那种“写胸中逸气”的创作理念，让我深受启发。书中还探讨了诗、书、画、印在中国艺术中的融合，以及哲学思想对艺术创作的影响，例如“天人合一”的思想如何体现在山水画的构图中，儒家、道家、佛家思想如何塑造了不同的艺术品格。这种跨学科的视角，让我对中国艺术有了更全面、更深刻的理解。这本书不只是一本艺术史的梳理，更是一本关于中国传统文化和哲学思想的科普读物。它让我认识到，艺术不仅仅是视觉的享受，更是思想的交流和精神的传承。

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这本书的深度和广度，确实令人印象深刻。它不仅仅是一本介绍中国美术史的入门读物，更是一部能够引导读者进行深度思考的学术专著。作者在处理一些复杂的艺术史问题时，展现出了极高的学术素养和批判性思维。例如，在讨论不同艺术史研究流派的争论时，作者能够清晰地呈现各家观点，并提出自己的独到见解，而不是简单地照搬前人的结论。我尤其欣赏书中关于“移情”和“象征”在艺术表现中的作用的论述，这让我对许多古代艺术作品有了全新的认识。比如，对于一些看似朴拙的山水画，作者通过分析其中的点苔、留白等细节，揭示出画家对自然精神的体悟和对宇宙哲理的思考。此外，书中对于一些被忽视的艺术门类，如早期青铜器上的纹饰、民间绘画等，也给予了充分的关注，打破了过去艺术史研究的“精英化”倾向，展现了中国艺术更加多元和丰富的面貌。这本书的参考文献和导读部分也做得非常扎实，对于想要进一步深入研究的读者来说，无疑提供了宝贵的资源。

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这本书读起来，不像某些学术著作那样枯燥，反而充满了故事性和人文关怀。作者像是你的老朋友，用一种娓娓道来的方式，带你走进中国艺术的殿堂。我记得有一章讲到宋代文人画，作者没有简单地介绍几位画家和他们的代表作，而是花了大量的篇幅去描绘那个时代文人的生活状态、精神追求，以及他们如何将这种情怀融入到笔墨之中。当我读到范宽的《溪山行旅图》时，作者不仅仅描述了山峦的巍峨、云雾的缥缈，更让我感受到了一种“搜尽奇峰打草稿”的艺术精神，以及范宽寄情山水的孤傲与超然。这种将艺术作品置于时代背景和个人境遇中去解读的方式，让我觉得无比亲切，也更能体会到作品背后的深层含义。同样，书中对于明清时期家具、陶瓷等工艺美术的介绍，也同样精彩。作者没有停留在器物的形态上，而是深入探讨了它们在社会生活中的功能、象征意义，以及背后所蕴含的精湛技艺和审美趣味。读完这一部分，我仿佛能闻到老宅子里沉香的气息，看到古人优雅的生活场景。这本书的语言流畅自然，即使是对艺术不太了解的读者，也能轻松地阅读，并且从中获得知识和乐趣。

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