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页数:410

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出版时间:2011-1

价格:270.00元

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isbn号码:9787303113538

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《文脉千秋：中华视觉文明的流变》 本书并非一部传统意义上的中国美术史，它更像是一次穿越时空的文化溯源之旅，旨在探寻塑造了中华民族精神气质与审美情趣的视觉文明基因。我们不以朝代更迭为叙事主线，而是聚焦于那些贯穿古今、影响深远的美学观念、创作技法以及它们在社会生活、哲学思想、宗教信仰等多元维度中的投射与演变。 我们将从遥远的史前时代出发，追溯先民们在岩壁上刻画出的生命密码，那些质朴而充满力量的纹饰，不仅是早期的艺术表达，更是人类对宇宙、对生命的早期认知。我们会审视那些隐藏在青铜器上的神秘纹样，它们如何承载了权力、祭祀与秩序，如何展现了先民们对神灵的敬畏与对自然的理解。玉器，作为中国古代最重要的礼器之一，我们将深入探究其材质的温润、工艺的精湛以及其所蕴含的道德象征意义，它不仅仅是物质的珍宝，更是精神寄托的载体。 进入秦汉时期，我们看到的不仅仅是兵马俑的雄浑气势，更是那个时代统一的疆域、勃发的帝国精神如何在视觉艺术中得到体现。壁画、画像石的出现，为我们打开了了解当时社会生活、历史事件、神话传说的一扇窗。我们关注的是这些艺术形式如何服务于统治者的意识形态，如何记录普通人的喜怒哀乐，以及它们如何与佛教传入带来的新观念发生碰撞与融合。 魏晋南北朝，这是一个充满动荡与变革的时代，也是艺术思想极为活跃的时期。我们将深入探讨“以形写神”的美学理念是如何在书画领域扎根生长的，士人阶层如何在艺术中寻求精神的解放与个性的表达。佛教艺术的兴盛，如敦煌莫高窟的壁画与雕塑，它们如何将异域的宗教元素与本土的审美情趣巧妙结合，创造出独具中国特色的佛教艺术体系，这是我们重点关注的。 隋唐时期，盛世气象如何反映在视觉艺术中？我们不局限于宫廷绘画的华丽，更将目光投向了那个时代开放包容的社会风貌，胡风汉韵的交融如何体现在服饰、器物、绘画的风格之中。人物画的写实性、山水画的初步发展，以及书法艺术的自觉，都体现了中国艺术在这一时期的成熟与辉煌。 宋代，我们并非只强调其“文人画”的崛起，而是将其视为一种更加内敛、更加注重精神体验的审美转向。从山水画的皴法变化看自然之道的体悟，从花鸟画的细腻描绘中感受生命的真谛，从宋瓷的温润内敛中品味精致的生活美学。我们还会关注宋代城市生活的繁荣如何催生出风俗画的发展，市民阶层如何成为艺术消费的重要力量。 元代，民族融合与文化交流的痕迹如何在艺术中显现？我们探讨蒙古族统治者对中国艺术的影响，以及汉族艺术家如何在新的政治格局下继续他们的创作，其中文人画的进一步发展，尤其是在水墨写意方面的突破，是不可忽视的篇章。 明清时期，艺术的商品化与世俗化趋势愈加明显。我们关注江南地区涌现的各种绘画流派，它们如何反映了当时的社会经济状况和市民的审美趣味。版画、瓷器、家具等工艺美术的繁荣，展现了艺术如何渗透到日常生活的方方面面。同时，我们也会审视这一时期艺术创作中涌现出的反思与批判精神，以及对传统文化的继承与创新。 贯穿全书的，是我们对“意境”二字的反复追问。什么是中国人所追求的“意”与“境”的融合？它如何在山水之间、笔墨之间、器物之间得到体现？我们试图通过对中国视觉艺术不同侧面的观察，揭示这种深植于民族文化土壤中的审美心理和哲学思考。本书不提供一个封闭的结论，而是邀请读者一同走进中华视觉文明的浩瀚星河，去感受那些历经千年而不衰的生命力，去理解那些跨越时空而依旧闪耀的智慧光芒。这是一次对中国美学精神的深度挖掘，是对中华民族视觉记忆的深情回溯。

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说实话，起初我拿到这本《中国美术史》时，心里还有点打鼓，毕竟“美术史”三个字听起来就有些枯燥和学术化，我担心会读得昏昏欲睡。然而，事实证明我的顾虑完全是多余的！作者的文笔极其生动有趣，简直就像在讲故事一样，将那些遥远的历史画面活灵活现地呈现在我的眼前。他善于运用形象的比喻和贴切的类比，让我这个非专业读者也能轻松理解那些复杂的艺术概念。比如，在讲解中国古代建筑时，作者将斗拱结构比作一串精巧的积木，将屋顶的飞檐翘角比作展翅欲飞的凤凰，一下子就让我对这些宏伟建筑的结构和美感有了直观的认识。更让我惊喜的是，书中穿插了大量精美的插图，每一幅都经过精心挑选，与文字相得益彰，让我仿佛置身于那个艺术创作的时代。我尤其喜欢书中关于陶瓷艺术的部分，从新石器时代的彩陶，到宋代的汝窑、官窑、哥窑，再到明清的青花瓷、粉彩瓷，每一件瓷器都仿佛在诉说着一段历史，展现着不同时代的审美情趣和工艺水平。作者对釉色、器形、纹饰的细致描述，让我对这些“碗碟盘”有了全新的敬畏之情。这本书真的打破了我对美术史的刻板印象，让我觉得它既有深度，又不失趣味性，是一本值得反复品读的佳作。

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这本书简直是为我量身定做的！作为一个对中国传统文化充满好奇，却又苦于缺乏系统知识的普通读者，我一直在寻找一本能够清晰、全面地介绍中国艺术的书籍。而这本《中国美术史》，恰恰满足了我的所有期望。它的结构非常清晰，从远古文明的萌芽，到近现代艺术的探索，每一个时期都划分得非常明确，让我能够有条不紊地进行阅读。作者的叙述语言平实易懂，避免了大量晦涩的专业术语，让我这个“门外汉”也能轻松跟随他的思路。我尤其喜欢书中对中国园林艺术的描述，那些曲径通幽、移步换景的设计，以及背后蕴含的“天人合一”的哲学思想，都让我深深着迷。作者通过对山石、水系、建筑、植物等元素的巧妙组合，展现了中国人对自然的热爱和对和谐之美的追求，让我仿佛置身于江南水乡的古典园林之中，感受那份宁静与雅致。这本书不仅增长了我的见识，更点燃了我对中国传统文化的热情，让我迫不及待地想要去实地探访那些书中提到的艺术瑰宝。

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我必须承认，这本书带给我了一种前所未有的震撼。它不仅仅是关于中国艺术的知识罗列，更是一种对中华文明精神内核的深度挖掘。作者在梳理各个朝代的艺术脉络时，总是能敏锐地捕捉到隐藏在艺术品背后的社会思潮、哲学观念和伦理道德。我特别对书中关于宗教艺术的论述印象深刻，例如，佛教传入中国后，是如何与本土文化融合，逐渐演变出具有中国特色的佛教造像艺术，如敦煌莫高窟的壁画和彩塑，它们既保留了佛教的庄严，又融入了中国人的审美和情感。作者在分析这些艺术品时，并非简单地描述其形制，而是深入探讨了造像背后的信仰力量，以及它如何影响了当时的社会生活。此外，书中关于书法和绘画的章节，更是将这种精神层面的解读推向了极致。作者将中国书法视为一种“写意”的艺术，认为它不仅仅是文字的表达，更是书写者心性、学养和情感的流露。那些行云流水的笔触，背后蕴含的是怎样的胸怀和境界？读完这些章节，我对汉字本身，对“笔墨”二字，都有了更为深刻的理解。这本书让我认识到，中国艺术，尤其是书法和绘画，是中华民族精神世界最直接、最生动的体现。

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我一直对中国古代的器物艺术情有独钟，而这本书恰恰满足了我对这方面的强烈求知欲。作者对中国历代器物艺术的梳理，堪称详尽而精妙。从新石器时代的陶器、玉器，到青铜时代的礼器、兵器，再到后来的瓷器、漆器、金银器等等，每一个门类的介绍都深入浅出，既有对器物形制、工艺的细致描述，更有对其背后文化意义的深刻剖析。我尤其喜欢书中关于青铜器的章节，那些精美绝伦的纹饰，神秘莫测的铭文，无不诉说着那个遥远而辉煌的时代。作者不仅展示了青铜器的实用功能，更将其提升到了礼制、权力、信仰的层面，让我对那个时代的社会结构和精神世界有了更为立体的认识。而对于中国瓷器的论述，更是让我大开眼界。从唐代的唐三彩，到宋代的五大名窑，再到明清的掐丝珐琅、景泰蓝，每一个时期的瓷器都展现了不同的工艺特色和审美风格。作者对釉色、胎质、造型、纹样的细致描述，让我仿佛看到了匠人们在一炉炉烈火中，创造出无数传世佳品。这本书就像一个精美的宝箱，里面装满了中国古代器物艺术的璀璨明珠，每一次翻阅，都能发现新的惊喜。

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这本《中国美术史》绝对是我近期阅读过的最令我心潮澎湃的书籍之一！从第一页开始，我就被作者那宏大的叙事和精妙的细节所深深吸引。它不仅仅是一部简单的史书，更像是一幅徐徐展开的中国艺术画卷，将我们带入了从史前时期的岩画、陶器艺术，到殷商青铜器的神秘诡谲，再到汉唐盛世的恢弘大气，直至宋元明清的婉约与激越，每一个时期的艺术风格、思想内涵都得到了淋漓尽致的展现。我特别欣赏作者对于不同时期艺术品的解读，那些看似朴拙的文字，却能触及到艺术品背后沉淀的文化基因和时代精神。例如，在描述唐代绘画时，作者不仅仅列举了壁画、卷轴画的代表作，更深入地分析了佛教东传对绘画技法的影响，以及社会风气如何催生了“仕女图”这类题材的繁荣。读到这里，我仿佛能听到长安城熙熙攘攘的市井之声，看到仕女们优游的姿态。而对于宋代山水画的论述，更是让我对“文人画”有了全新的认识，作者层层剥茧，解释了山水画如何从单纯的写景，升华为一种寄托情怀、表达哲思的艺术形式，那些留白之处，蕴含着多少画家的胸臆和对宇宙人生的感悟！这本书就像一位博学的导游，引领我穿越时空的隧道，亲身感受中国古代艺术的魅力。

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