复调音乐写作基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:陈铭志

出品人:

页数:316

译者:

出版时间:2011-1

价格:28.00元

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isbn号码:9787103035290

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音乐创作的深度探索：复调音乐写作基础教程（内容概述） 本书旨在为所有对音乐创作怀有热情，并渴望深入理解音乐结构与织体精妙之处的读者提供一份详尽的入门指南。我们不只是教授枯燥的理论规则，更致力于引导您逐步掌握构建丰富、和谐且富有表现力的音乐语汇。本教程将从最基本的多声部概念出发，循序渐进地引导您走向复调音乐写作的奇妙世界。 第一章：多声部的曙光——基础概念与和声的对话 本章将为您揭开多声部音乐的神秘面纱。我们将从最简单的双声部织体入手，理解不同声部如何独立发展，又如何巧妙地交织在一起，形成更饱满的听觉体验。您将学习到： 什么是多声部音乐： 区分单音音乐、主调音乐与复调音乐，理解多声部音乐的独特魅力。 声部进行的基本原则： 学习平行、相背、横向、斜向等几种基本的声部进行方式，理解它们对音乐情绪和走向的影响。 音程与和弦的基础： 回顾音程的概念，了解三度、四度、五度等基本音程的构建，并在此基础上认识三和弦，如大三、小三、增三、减三和弦。我们将探讨和弦的构成音、根音、三音、五音，以及它们在声部中的具体位置。 和声的功能与连接： 理解和弦在音乐中的功能性，如主和弦、属和弦、下属和弦等，并学习它们之间自然的连接方式，为接下来的复调写作奠定坚实的基础。我们将重点关注解决和弦时声部如何进行，以及避免出现不和谐的音程。 初步的对位练习： 通过简单的对位练习，让您开始尝试独立编写两个声部，体会声部间的独立性与协调性。我们将从最简单的“第一类对位”（两个声部同时起止，进行相同节奏）开始，逐步过渡到节奏更自由的练习。 第二章：复调织体的骨骼——基本对位技巧与声部独立性 本章将深入探讨复调音乐的核心——对位。我们将详细介绍几种基础的对位技法，让您理解如何在保证声部独立性的同时，创造出和谐动听的多声部音乐。 第一类对位（值对位）： 细致讲解两个声部在节奏上完全一致时的对位规则。我们将分析主调与副调（或称为“低音”与“旋律”）的关系，以及如何处理各种音程组合。 第二类对位（附点对位）： 学习在一个声部是四分音符时，另一个声部出现附点四分音符或八分音符的情况。理解在这种情况下，声部间的律动如何产生变化，以及如何处理由此产生的更丰富的音程关系。 第三类对位（变化对位）： 探索当两个声部节奏出现更多变化时，如何保持对位的美感。我们将介绍花音、经过音、辅助音等装饰音的运用，它们如何丰富旋律线条，同时不破坏整体的和声与对位关系。 第四类对位（反向对位）： 这是复调写作中的一个重要技巧，即一个旋律可以在上方，也可以在下方，并且在上下颠倒后依然保持和谐。我们将学习反向对位的基本原理，以及如何创作和分析反向对位作品。 声部交叉与固定音型： 了解在某些情况下，声部可以相互交叉，以及如何利用固定音型来构建稳定的复调织体。我们将分析一些经典作品中声部交叉的例子，理解其艺术效果。 第三章：和声与对位的融合——三声部与四声部写作初探 在掌握了基本的对位技巧后，本章将带领您进入更复杂的音乐织体——三声部和四声部。我们将学习如何在更多的声部中处理和声与对位关系。 三声部音乐的构建： 学习如何在两个已有的声部基础上，添加第三个声部。我们将分析不同声部组合的可能性，以及如何处理增加声部后带来的和声色彩变化。 四声部音乐的织体： 深入理解四声部音乐的写作，尤其是教堂唱诗班的四部和声。我们将详细分析各声部的功能，如高音（soprano）、中音（alto）、次中音（tenor）和低音（bass）的典型进行方式。 和弦的转位： 学习三和弦的一转位（六和弦）和二转位（六四和弦），理解它们在声部进行中的作用，以及如何使用它们来丰富和声的进行。 属七和弦及其解决： 深入学习属七和弦的构成与解决。我们将详细讲解大小属七和弦，以及它们的各种转位，并重点分析属七和弦在解决到主和弦时，各声部应遵循的规则，避免出现平行五度、平行八度等禁忌。 导音的运用与解决： 了解导音在旋律与和声中的重要性，以及其解决的必要性。我们将分析导音如何增强音乐的导向性，以及在不同和弦中导音的解决方式。 第四章：模仿与卡农——让旋律“对话”的艺术 模仿是复调音乐中最具活力的表现手法之一。本章将带您领略模仿的魅力，并学习如何创作迷人的卡农。 模仿的定义与类型： 理解什么是模仿，以及模仿的几种基本类型，如严格模仿、自由模仿、同度模仿、不同度模仿等。 模仿在赋格中的作用： 介绍模仿在赋格曲中的重要地位，以及赋格的结构与发展。 卡农的构成原理： 详细讲解卡农的定义、结构和写作方法。我们将从最简单的二声部卡农开始，逐步理解如何创作节奏、音高或两者皆不同的卡农。 卡农的变体与技巧： 学习卡农中的各种变体，如逆行卡农、蟹行卡农、变形卡农等，并理解这些技巧如何增加卡农的趣味性和复杂性。 实例分析： 通过分析经典复调作品中的模仿与卡农片段，让您直观地感受这些技法的运用效果。 第五章：赋格的奥秘——多声部音乐的巅峰艺术 赋格是复调音乐中最复杂、最精妙的曲式之一。本章将为您揭示赋格的创作奥秘，让您能够逐步理解和创作赋格。 赋格的起源与发展： 简要介绍赋格的历史演变，以及它在不同音乐时期扮演的角色。 赋格的基本要素： 讲解赋格的主题（subject）、应答（answer）、对题（countersubject）、插入句（episode）等核心概念。 赋格的声部处理： 详细阐述在赋格曲中，如何处理各声部的进入，以及主题与应答之间的关系。 赋格的结构： 分析赋格的不同结构，如呈示部、发展部、再现部等，以及各部分的功能。 创作赋格的步骤与练习： 提供一套清晰的赋格创作步骤，并配以相应的练习，引导您逐步完成一首简单的赋格。我们将从创作一个清晰且富有个性的赋格主题开始，并逐步引导您完成其他部分的写作。 对位技法的综合运用： 强调在赋格创作中，前面学到的各种对位技法是如何被综合运用，达到完美的艺术效果。 第六章：其他复调技法与风格探索 本章将拓展您的视野，介绍一些其他重要的复调技法，并探讨不同时期复调音乐的风格特点。 赋格体的变体： 介绍某些特殊的赋格体，如三重赋格、四重赋格等。 对位在不同曲式中的运用： 探讨赋格体、康塔塔、弥撒曲等不同曲式中对位技法的运用。 巴洛克时期的复调音乐： 重点分析巴赫等大师的复调作品，理解其严谨的结构和深刻的情感表达。 古典与浪漫时期复调元素的再现： 探讨在主调音乐盛行的时期，复调音乐元素如何以不同的形式出现，以及其在整体音乐风格中的作用。 现代复调音乐的探索： 简要介绍现代作曲家在复调领域的创新与发展。 第七章：实践与创作——将理论付诸实践 本章是全书的总结与升华。我们将回归实践，鼓励您将所学知识融会贯通，创作出属于自己的复调音乐作品。 系统性的写作练习： 提供一系列难度递增的写作练习，涵盖双声部、三声部、四声部，以及不同风格的对位练习。 作品分析与临摹： 鼓励您通过分析和临摹经典复调作品，学习大师的创作手法，并从中汲取灵感。 创作个人作品的指导： 提供创作过程中的实用建议，包括如何构思音乐主题、如何发展动机、如何处理音乐的起承转合等。 对音乐作品的鉴赏能力的提升： 通过对复调音乐的深入理解，您的音乐鉴赏能力将得到显著提升，能够更深刻地理解和欣赏复调音乐的精妙之处。 鼓励创新与个性表达： 在掌握了基本规则的基础上，鼓励您进行大胆的尝试和创新，形成自己独特的复调写作风格。 本书的编写力求严谨而生动，理论讲解清晰易懂，并通过大量的实例分析与练习，帮助读者在实践中逐步掌握复调音乐的写作技巧。无论您是音乐专业的学生，还是业余爱好者，只要您对音乐的内在结构充满好奇，本书都将是您通往复调音乐世界的一条坚实路径。通过本书的学习，您将能够更深入地理解音乐的逻辑，更自由地表达音乐的情感，并最终创作出令人动容的复调音乐作品。

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我对这本书的参考价值给予最高的评价，它完全可以成为一本工具书级别的参考手册。在我看来，任何优秀的教程不应该仅仅服务于课程本身，更应该具备长久的参考生命力。这本书在这方面做得非常出色。它在书的末尾附录的部分，建立了一个非常详尽的术语索引和概念交叉引用系统，如果你在阅读后面的高级章节时，对前面某个基础概念（比如“借用和弦在转调中的作用”）感到模糊，可以通过索引快速定位到最原始、最清晰的解释，而无需从头翻阅。此外，它对不同历史时期复调写作的风格演变进行了高度凝练的梳理，并辅以精确的曲目列表建议，为想要深入研究特定风格的读者提供了清晰的进阶路线图，这使得这本书的实用性和学术深度得到了完美的统一。

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这本书的装帧设计实在令人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的封面，初拿到手就有一种对知识的敬畏感。我尤其欣赏它在纸张选择上的用心，内页的质感非常适合长时间阅读和批注，墨水的扩散控制得恰到好处，即便是钢笔书写也不会有明显的洇墨现象。排版布局上，作者似乎深谙视觉舒适度之道，字号与行距的比例拿捏得极为精准，使得复杂的乐理概念在视觉上得以舒展，不至于让人在面对大量理论术语时感到压迫。更值得称赞的是，书中许多关键概念的图示或示例的插画质量极高，线条流畅，结构清晰，完全不是那种应付了事的简单示意图，而是真正花心思去美学化和逻辑化的呈现。翻阅时，能感受到出版方在细节之处的匠心独运，这无疑极大地提升了阅读体验，让人愿意将它摆在书架显眼的位置，时不时拿出来翻阅。

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作为一本技术性的教程，本书在提供理论的同时，对“实践性反馈”的重视程度是超乎我预期的。我特别欣赏它在每个章节后面设置的那些看似简单实则极富挑战性的“写作任务”。这些任务并非简单的“请写一个二声部对位”，而是融合了特定的情感表达要求、特定的调式倾向，甚至指定了模仿某位作曲家的特定动机处理方式。这迫使学习者必须跳出机械模仿的怪圈，真正去理解复调写作背后的“意图”。更重要的是，书中的范例不仅展示了“正确答案”，还常常会附带几组“不成功的尝试”及原因分析，这种“错误学习法”极为有效，它比单纯指出正确案例更能帮助我们理解规则被打破的临界点在哪里，以及如何在遵循原则的同时保持个体的声音。

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这本书的语言风格和讲解深度，可以说是将学术的严谨性与大众的可及性做到了一个精妙的平衡。我发现，作者在解释一些高度抽象的和声与旋律原则时，很少使用那种故作高深的术语堆砌，而是大量运用了贴近生活的比喻或者巧妙的类比。比如，在阐述两条旋律线如何互相支撑与制衡时，作者将它们比作两位舞者之间的交错步伐，这种具象化的描述立刻让原本抽象的“横向关系”变得生动可感。同时，当涉及到需要精确描述的规范时，作者的用词又极其精准，没有一丝模糊地带，确保了学习者不会因为讲解的“过于口语化”而对关键技术点产生误解。这种叙述的弹性，使得初学者不会感到被排斥，而有一定基础的读者也能从中挖掘出更深层的学术洞察，读起来有一种被尊重和被理解的愉悦感。

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我对这本书的章节逻辑安排给予高度肯定，它不像许多同类教材那样生硬地堆砌规则，而是采取了一种循序渐进、螺旋上升的学习路径。开篇的引入部分极其精彩，它没有直接跳入晦涩的对位法定义，而是巧妙地通过对巴洛克时期和浪漫主义时期作品的片段分析，直观地展示了“复调”作为一种声音织体在不同历史语境下的功能差异，这种“问题导向”的学习方法极大地激发了我的好奇心。随后进入具体技巧的学习时，作者的组织方式也体现了深厚的教学功底。例如，对严格对位和自由对位处理的过渡衔接处理得非常自然，前者的严谨性被巧妙地用作理解后者在打破规则时的合理性的基石。每完成一个小节的学习，都会有一个小结性的“思考与应用”环节，引导读者将学到的技巧立刻代入到一个更高维度的音乐语境中去思考，这种设计让知识点不再孤立，而是形成了一个有机的知识网络。

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缺失关于赋格的部分

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这老头就是一地道中国老辈音乐家。里面全他妈都是民族调式的作业，擦！

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例子很开眼

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例子很开眼

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例子很开眼