具体描述
This important and original book affirms the significance of drawing as visual thinking in western art from the fifteenth century to the present through an examination of its practice: how and why it is made, how it relates to other forms of visual production and theories of art, and what artists themselves have written about it. The author herself is a practicing artist, and through scrutinizing a wide range of drawings in various media, she confirms a long historical commitment to the primal importance of sketching in generating ideas and problem solving, examines the production of autonomous drawings as gifts or for pleasure, and traces the importance of the life-class and theories of drawing in the training of artists until well into the twentieth century.In the final chapters she address the changing role of drawing in relation to contemporary practice, and its importance for conceptual artists working in a non-hierarchical manner with a multiplicity of practices, techniques and technologies.Quoting the writings of artists from Vasari to Reynolds, Delacroix to Ruskin, Klee and Kandinsky to Beuys, Petherbridge proposes that drawing constitutes a discrete, if engaged, discourse within visual practice, with its own internal economy, its own typologies, codes, systems, materials and strategies of making; its own markets and collectors, its own power relations and self-representations. As well as analyzing specific works by great draughtsmen such as Leonardo, Michelangelo, Rembrandt, Goya and Picasso, close attention is paid to those artists traditionally regarded as 'minor' because of their graphic elaboration or involvement with caricature and play, as well as to the important contribution of women artists in the twentieth and twenty-first centuries.The book is a response to the vibrant rediscovery of drawing as significant practice in studios, exhibitions and art schools, and proposes an ambitious and novel agenda for the study and enjoyment of drawing.
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用户评价
阅读这本书的过程，对我来说更像是一场深入的哲学思辨之旅，它并非提供即时的、可以直接套用的“秘籍”或“技巧清单”，而是通过一系列层层递进的论述，不断挑战和拓宽我对“创作本质”的理解。作者的叙事节奏舒缓而坚定，他很少使用那种激昂或夸张的语言，而是以一种近乎学者的严谨和一位老艺术家的洞察力，带领我们探索事物表象背后的结构和逻辑。我尤其欣赏他对“过程”的强调，那种对“从无到有”的混沌状态的细致描摹，让人意识到所有宏伟的成品都源于最原始、最不确定的开端。书中引用的那些历史案例和理论分析，并非生硬地堆砌知识点，而是巧妙地融入了论证的脉络之中，为抽象的概念提供了坚实的支撑。合上书本后，我发现自己看世界的角度似乎发生了一些细微但根本性的转变，那种惯有的急躁感被一种更具耐心和穿透力的观察取代了，仿佛开启了一扇通往更深层现实的门。
评分这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从拿到手的那一刻起，我就被它那种沉静而有力的气质所吸引。封面选用的纸张触感温润，带着微微的肌理感，让每一次翻阅都成为一种享受。装帧的工艺极其考究，书脊的处理既坚固又不失灵活性，即便是反复翻看，也丝毫没有松动或磨损的迹象。内页的排版更是体现了对细节的极致追求，留白恰到好处，字体的选择既清晰易读，又带有某种古典的韵味，与书的内容似乎形成了微妙的呼应。特别是那些彩色的插图和图表，色彩过渡自然，墨迹饱满，即便是高精度的复制品，也仿佛能感受到原作的笔触和光影变化。很多次我仅仅是捧着这本书，不翻阅内容，只是感受它的物理存在，那种厚重感和艺术性就足以让人心生敬意。这种对实体书制作的重视，在如今这个快速数字化的时代显得尤为珍贵，它让阅读不再仅仅是信息的获取，而成为了一种完整、多维度的感官体验。可以说，这本书的物理形态本身，就已经达到了艺术品的标准，极大地提升了阅读的仪式感和收藏价值。
评分这本书的行文风格有一种令人着迷的穿梭感，它在宏大的历史叙事和微观的个人体验之间自由切换，毫不费力地将读者从某个遥远时代的艺术工作室拉回到自己当下的工作台前。作者的语言充满了一种内敛的激情，那种激情不是外露的呐喊，而是深植于对技艺和人类创造力本身的深刻理解之中。有几处的描述，我甚至能清晰地想象出作者描述的那个场景的温度、光线以及空气中漂浮的细微尘埃——这种极强的画面感，得益于他精准且富有诗意的词汇选择。但最让我感到耳目一新的是，书中对“失败”和“修正”的论述。它没有将这些视为创作过程中的污点，反而将其提升到了核心地位，将每一次的偏离和错误都解读为一种必要的导航信号。这种对不完美性的拥抱，极大地解放了我的思维定势，让我敢于在自己的实践中去尝试那些看似“危险”或“不正统”的路径，因为你知道，这条路本身就蕴含着未被发现的真理。
评分这本书给我最大的启发，在于它对“本质”的持续追问，这种追问超越了任何单一的媒介或流派的界限。它成功地构建了一个跨越时空的对话场域，让读者能够清晰地看到，无论技术如何变迁，创作的底层驱动力和美学的基本原则是如何保持恒定的。在内容中，作者似乎在无形中搭建了一个知识的“骨架”，所有关于技术、历史、美学理论的讨论，都紧密地附着在这个骨架之上，使得信息不再是孤立的点，而是一个有机的整体。这种宏观视野的构建，让人在面对具体创作难题时，不再感到迷茫无措，因为你已经拥有了一张导航图，知道你的每一步行动在整个创作生态系统中的位置和意义。这本书不是教你如何“画得像”，而是教你如何“看透”，如何理解“存在”与“再现”之间的微妙张力。它最终引导人回归到一种更纯粹的、基于理解和构建的创作状态，这无疑是一份沉甸甸的馈赠。
评分坦白说，这本书的阅读体验并非一帆风顺，它要求读者付出与之匹配的专注度和思考深度。它不是那种可以抱着消遣心态随便翻阅的读物，它更像是一场智力上的马拉松。书中涉及的许多概念，尤其是那些关于结构、空间关系以及媒介本质的探讨，初读时需要反复琢磨，甚至需要停下来做大量的外部研究和笔记来辅助理解。这并非批评，反而是它价值的体现——真正有深度的作品，必然会激发读者主动求知的欲望，迫使你走出舒适区。我发现自己经常会读完一章后，会放下书本，沉默地盯着眼前的空白墙壁或桌上的工具，试图将书中的理论框架投射到我自己的经验世界中进行检验和校准。这种“主动重构”的过程虽然耗费心神，但正是这种艰辛的投入，才使得知识真正内化为洞察力，而不是仅仅停留在表面的记忆层面。对于那些寻求真正挑战的读者而言，这种“不妥协的严肃性”恰恰是其最吸引人的地方。
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