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出版者:Taschen

作者:Adam Lindemann

出品人:

页数:300

译者:

出版时间:2010-11-1

价格:USD 39.99

装帧:Hardcover

isbn号码:9783836519939

丛书系列:

图书标签:

• design
• arty
• furniture
• 设计
• 收藏
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Collecting Design 是一本专注于探索、理解和欣赏设计收藏领域的权威指南。它并非一本简单的物品罗列，而是深入剖析了设计收藏背后的文化、历史和艺术价值，为收藏家、爱好者以及对设计史感兴趣的读者提供了一个全面而深入的视角。 本书的核心在于“收藏”这一行为本身所蕴含的意义。它将收藏不仅仅局限于物质层面，更强调了其作为一种知识积累、品味塑造和情感投射的过程。从早期工业革命时期的功能性设计，到20世纪的现代主义浪潮，再到当代多元化的设计理念，Collecting Design 追溯了设计发展的脉络，揭示了不同时代背景下，设计如何反映和引领社会思潮、技术进步以及生活方式的变迁。 在内容上，本书系统地介绍了不同类型的设计收藏品，并提供了详实的分析。这包括但不限于： 家具设计： 从经典包豪斯椅到意大利设计黄金时期的标志性作品，本书深入探讨了每一件家具的创作背景、设计师理念、材料工艺以及其在设计史上的地位。它不仅仅是关于“拥有”一件家具，更是关于理解其背后所承载的工艺精神、美学追求以及时代印记。 照明设计： 灯具作为空间的重要组成部分，其设计往往蕴含着科技与艺术的完美结合。本书将带领读者领略从 Art Deco 时期的华丽吊灯到 Scandinavian 风格的极简落地灯，探讨不同时期灯具的设计美学、光影效果以及它们如何塑造居住环境的氛围。 陶瓷与玻璃器皿： 这些日常用品在设计大师的手中，常常升华为具有收藏价值的艺术品。本书将详细介绍不同地域、不同流派的陶瓷和玻璃器皿设计，分析其独特的釉色、造型、纹饰以及它们所代表的文化符号。 织物与纺织品设计： 从精美的挂毯到富有创意的地毯，织物设计承载着丰富的图案、色彩和质感。本书将探讨不同文化背景下的织物纹样、编织技法以及它们在室内设计和服饰设计中的应用和演变。 平面设计与海报艺术： 作为信息传播和视觉文化的载体，平面设计和海报艺术在收藏界也占有重要地位。本书将回顾各个时期的经典海报作品，分析其排版、色彩、构图以及它们所传递的政治、社会和商业信息。 小型收藏品与生活物件： 除了大型家具和装饰品，许多微小而精致的设计物件，如文具、玩具、首饰等，同样具有极高的收藏价值。本书将引导读者关注这些容易被忽视的设计细节，发掘其背后的故事和精湛工艺。 Collecting Design 不仅关注“是什么”，更着力于“为什么”。本书的叙述方式清晰而引人入胜，它通过深入的案例分析，展现了著名设计师的设计哲学、创作过程以及他们的作品如何成为时代的标志。同时，它也探讨了收藏家如何形成自己的收藏体系，如何在浩瀚的设计海洋中找到属于自己的独特视野。 在实际操作层面，本书还为有意踏入设计收藏领域的读者提供了宝贵的建议。这包括： 市场分析与价值评估： 如何辨别一件作品的真伪，了解其市场行情，以及影响收藏品价值的关键因素，如设计师声誉、稀有度、保存状况、 provenance (出处) 等。 收藏策略与风险管理： 如何制定合理的收藏计划，平衡预算与目标，以及如何规避潜在的收藏风险。 保存与维护： 了解不同材质的收藏品所需的专业保存方法，如何延长其使用寿命，并保持其最佳状态。 研究与学习： 推荐相关的研究资源，如设计史书籍、博物馆展览、艺术品拍卖会信息等，帮助读者不断深化对设计领域的理解。 Collecting Design 旨在激发读者对设计的无限热情，并提供一个坚实的研究平台。它鼓励读者以一种更具批判性和鉴赏性的眼光去审视周遭的设计，去发掘那些隐藏在日常物件中的非凡之作。无论是初涉收藏的小白，还是经验丰富的行家，都能在这本书中找到启发，将收藏设计转化为一场充满乐趣和知识的探索之旅。本书不仅仅是一本关于“拥有”的书，更是一本关于“理解”和“品味”的书，它邀请您一同走进设计收藏的迷人世界。

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这本书的排版设计本身就是一种关于“阅读体验”的实验。我注意到，在某些关键的章节，为了强调某件作品的孤立性和重要性，页面采用了极为大胆的留白处理，甚至在某些双跨页中，只放置了一张极小的图片和寥寥数语的文字。这种“少即是多”的视觉语言，成功地制造出一种戏剧性的停顿感，迫使读者必须放慢速度，去品味每一个元素之间的空间关系。而在另一些需要密集信息传递的地方，文字则紧密排列，但行距和字偶的设置又保证了眼睛在长久阅读后不会感到疲惫。这种对阅读节奏的精妙控制，体现了编者对阅读心理学的深刻理解，它不只是展示设计，它本身就在用设计的方式“被阅读”。

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说实话，这本书的重量和厚度让我一开始有些望而生畏，我原以为里面会充斥着大量晦涩的、专属于行业内部的术语和理论模型，读起来会非常吃力。但出乎意料的是，它成功地在深度和广度之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有回避那些复杂的设计哲学议题，但处理方式极为巧妙，总是通过具体的、可触摸的实例来锚定抽象的概念。例如，它对某个特定时期材料限制下所产生的创新解决方案的剖析，让我对“限制如何催生灵感”有了全新的认识。我发现自己开始下意识地用书中的视角去审视我周围的一切——桌角的弧度、灯具投射的光斑、甚至是咖啡杯的把手，都似乎被赋予了新的意义和更深层次的故事。这本书极大地拓展了我对日常环境的敏感度。

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我花了整整一个下午沉浸在其中，发现这本书的叙事节奏非常独特，它不像传统的设计史那样线性推进，而是采取了一种更像是策展人视角的回溯和并置。它探讨的那些设计物件，跨越了不同的年代和地域，但作者总能找到一条微妙的、几乎是看不见的线索将它们串联起来。比如，书中对某几款特定时期椅子腿部线条的对比分析，那种细微到毫米级的观察，真的让人忍不住想立刻起身去寻找现实中的原型进行比对。作者在论述中大量使用了非技术性的语言，使得那些原本可能显得高深莫测的设计理论变得非常平易近人，就像是听一位资深收藏家在壁炉边，用一种非常私密且充满热情的口吻，讲述他与这些设计品之间的“私语”。这种阅读体验，更接近于一次深入的、有引导性的私人导览，而不是冷冰冰的学术报告。

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这本书最令我惊喜的是，它不只是聚焦于那些耳熟能详的“大师级”作品，反而花了不少笔墨去探讨那些在历史洪流中几乎被遗忘的、却在当时具有突破性意义的小物件或工业化初期的尝试。这种“小中见大”的选材策略，使得整本书的视野非常开阔，充满了对设计史的重新梳理和致敬。它不仅仅是关于“什么设计是美的”，更深层次地探讨了“设计是如何影响和重塑我们的生活方式的”。通过这些被重新发掘的案例，我看到了一种坚韧不拔的、为解决实际问题而生的设计精神，这种精神比单纯追求形式上的完美更具感染力。读完之后，我感觉自己对“经典”这个词的理解也被重新校准了。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，封面那种低调的哑光质感，拿在手里沉甸甸的，那种触感仿佛预示着里面内容的分量。我特别喜欢它那种整体的克制感，没有用那种浮夸的亮色或者复杂的图案来吸引眼球，而是通过精妙的字体排版和留白来营造出一种高级的静默美学。内页的纸张选择也非常考究，墨色的渲染非常均匀，即便是那些高对比度的黑白照片，细节过渡也处理得极其细腻。每次翻阅，都像是在进行一场安静的沉思，那种对“物”本身的尊重感，从纸张的纤维到油墨的气味，都扑面而来。它不仅仅是一本书，更像是一件被精心打磨过的设计物件本身，完美地诠释了“形式追随功能”之外的另一种哲学——“形式即是体验”。我已经把它放在客厅最显眼的书架上，它本身就成了空间里一个无需多言的焦点。

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