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出版者:

作者:《工作过程导向新理念丛书》编委会 编

出品人:

页数:230

译者:

出版时间:2010-12

价格:23.00元

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isbn号码:9787302238430

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《数字艺术创作与实践：从概念到呈现》 序言：捕捉灵感，塑造表达 在这个信息爆炸、视觉冲击力至关重要的时代，如何将脑海中奔涌的创意转化为引人入胜的作品，是无数创作者孜孜不倦追寻的目标。我们生活在一个由图像、声音和故事构建的数字宇宙中，从社交媒体上的短视频到史诗级的电影长片，从沉浸式的游戏体验到互动式的艺术装置，每一次成功的数字艺术呈现，都凝聚着创作者对媒介的深刻理解、对技术的不懈探索以及对艺术语言的独到运用。《数字艺术创作与实践：从概念到呈现》并非一本教你如何剪辑视频或处理音频的技术手册，它是一次深入数字艺术创作核心的探索之旅，旨在揭示从最初的灵感到最终作品的每一个关键环节，引导读者构建一种全面的、融汇贯通的创作思维。 本书的核心在于“创作”二字，它强调的是“从无到有”的过程，是思想的萌发、构思的成熟，以及最终将抽象概念具象化的艺术实践。我们关注的不是软件的操作技巧，而是驱动这些技巧背后的美学原则、叙事逻辑以及情感传达。它面向所有渴望在数字领域留下自己独特印记的艺术家、设计师、导演、独立创作者，以及对数字艺术充满好奇的学习者。无论你是想讲述一个动人的故事，还是想构建一个震撼的视觉世界，亦或是想设计一个具有感染力的交互体验，本书都将是你不可或缺的思想伙伴。 第一章：创意的火花与孕育：从灵感到主题的升华 艺术的起点永远是灵感。然而，灵感并非凭空而来，它需要我们敏锐地观察世界，深刻地理解人性，并对所处的时代保持一种批判性的思考。本章将引导你如何系统地捕捉和筛选灵感。我们将探讨多种灵感来源，包括但不限于： 生活体验与情感共鸣： 那些触动你内心的瞬间、经历过的情感波澜，往往是创作最真挚的源泉。我们将学习如何挖掘个人经历中的普适性主题，以及如何将个体的情感转化为能与观众产生共鸣的艺术表达。 社会观察与文化反思： 关注当下社会现象，思考文化变迁的脉络，从历史的长河中汲取智慧，都能为你的创作提供丰富的营养。我们将学习如何从宏观视角解读信息，并将其转化为具有深度和广度的艺术主题。 跨学科的激发： 艺术从来不是孤立的。科学、哲学、文学、音乐、历史，甚至日常生活中的点滴，都可能成为激发新创意的催化剂。我们将探索如何从其他领域借鉴思路，打破艺术形式的壁垒，创造出意想不到的融合。 主题的确立与聚焦： 灵感如繁星，但成功的作品需要一个清晰、聚焦的主题。本章将帮助你学习如何将零散的灵感汇聚成一个核心概念，并围绕这个核心概念进行深入的挖掘和发展，确保作品的内涵足够丰满，指向明确。我们将探讨不同类型作品（如叙事短片、概念艺术、互动装置）在主题确立上的差异，以及如何为主题选择最合适的表达方式。 第二章：叙事的力量与构建：故事的骨骼与血肉 无论作品的形式如何，强大的叙事能力都是连接创作者与观众的桥梁。故事不仅仅是情节的堆砌，更是情感的传递、思想的交流和体验的引导。本章将深入探讨叙事的本质，以及如何在数字艺术创作中构建引人入胜的故事： 故事的构成要素： 从人物塑造、情节发展、冲突设置到主题揭示，我们将解构故事的核心要素。学习如何创造有血有肉、令人信服的角色，如何设计具有张力的情节冲突，以及如何让故事的结局富有深意。 不同叙事模式的应用： 线性叙事、非线性叙事、多视角叙事、碎片化叙事……每种叙事模式都有其独特的魅力和适用的场景。本章将分析不同叙事模式的特点，以及如何在数字艺术创作中灵活运用，以达到最佳的表达效果。 情感曲线的设计： 故事的生命力在于情感。我们将学习如何通过情节的起伏、人物的遭遇以及视觉元素的配合，引导观众的情绪，让他们在观赏过程中产生共鸣、紧张、喜悦或沉思。 视觉化叙事： 数字艺术的优势在于其强大的视觉表现力。本章将探讨如何将抽象的情感和理念通过视觉语言得以呈现，例如运用色彩、构图、光影、节奏等元素来增强叙事的感染力，让画面本身就“会说话”。 第三章：视觉语言的魅力：构图、色彩与风格的塑造 视觉是数字艺术最直观的沟通方式。一个强大的视觉风格能够 instantly 抓住观众的眼球，并在潜移默化中传递信息和情感。本章将深入探索视觉语言的奥秘，以及如何塑造独具特色的视觉风格： 构图的艺术： 从黄金分割、三分法到对称、失衡，构图是决定画面美感和信息传递效率的关键。我们将学习各种构图原则，以及如何根据叙事需求和情感表达来选择和运用构图。 色彩的心理学与情感表达： 色彩不仅仅是颜色的组合，更是情感的载体。本章将探讨色彩的心理学效应，以及如何在创作中通过色彩搭配来营造特定的氛围，传达人物的情绪，或突出作品的主题。 光影的雕塑作用： 光影是塑造空间感、体积感和戏剧性氛围的利器。我们将学习如何运用光影来引导观众的视线，突出主体，增强画面的层次感，并营造出丰富的视觉戏剧性。 风格的探索与统一： 从写实到抽象，从极简到繁复，每种风格都蕴含着创作者的态度和理念。本章将引导你探索不同的视觉风格，并学习如何在作品中保持风格的统一性，形成自己独特的艺术辨识度。 动态视觉的节奏感： 在数字艺术中，画面并非静止。我们将探讨如何通过元素的运动、转场的设计以及整体的视觉节奏，来增强作品的吸引力和信息传达的效率，让视觉元素随着叙事流动起来。 第四章：概念性设计与世界构建 对于许多数字艺术项目，尤其是游戏、虚拟现实体验或复杂的故事动画，构建一个令人信服的“世界”至关重要。本章将聚焦于概念性设计，以及如何创造一个连贯、有吸引力的虚拟或现实的创作环境： 世界观的设定： 一个好的世界观是故事发生的基础，它包含了历史、地理、文化、科技、社会规则等方方面面。我们将学习如何构建一个自洽且富有想象力的世界观。 角色设计与造型： 从外形、服装到表情、动作，角色设计是连接观众与故事的重要纽带。本章将探讨如何通过设计来赋予角色鲜明的个性和生命力。 环境设计与氛围营造： 场景的每一个细节都承载着信息和情感。我们将学习如何通过环境设计来塑造作品的整体氛围，传达故事背景，并增强观众的沉浸感。 道具与符号的设计： 那些看似不起眼的道具，往往蕴含着重要的信息和象征意义。本章将探讨如何通过道具设计来丰富故事的层次，并运用符号学原理来增强作品的解读性。 设计的统一性与逻辑性： 在一个复杂的设计项目中，保持所有元素在风格、色调、材料等方面的统一性至关重要。我们将学习如何确保概念设计的逻辑自洽，并服务于整体的艺术表达。 第五章：互动与体验的设计：连接观众，创造参与 数字艺术的独特之处在于其潜能的互动性。从简单的点击到复杂的全身动作捕捉，互动能够将观众从被动接收者转变为积极参与者，极大地提升作品的吸引力和影响力。本章将探讨如何设计引人入胜的互动体验： 用户体验（UX）原则在艺术中的应用： 即使是纯粹的艺术作品，也需要考虑观众的“使用”感受。我们将学习如何运用用户体验设计的核心原则，来优化观众的导航、理解和情感投入。 交互逻辑的设计： 什么样的互动能够引发观众的好奇？什么样的反馈能够增强他们的参与感？本章将探讨如何设计直观、有趣且富有意义的交互逻辑。 反馈机制的设计： 观众的每一个操作都应该得到清晰、及时的反馈。我们将学习如何设计视觉、听觉或触觉的反馈，以强化用户的操作感知和情感连接。 沉浸式体验的构建： 虚拟现实（VR）、增强现实（AR）等技术为沉浸式体验提供了新的可能。本章将探讨如何利用这些技术，结合空间设计、声音设计和交互设计，来创造令人难忘的沉浸式艺术环境。 叙事与互动的融合： 互动不应是脱离叙事的存在。我们将学习如何将故事情节与用户的互动巧妙地结合起来，让用户的选择和行为能够影响故事的走向，从而获得更加个性化的体验。 第六章：多媒体元素的整合与表达：声音、音乐与动态的协奏 数字艺术的魅力在于其整合不同媒介形式的能力。声音、音乐、动态元素与视觉元素协同工作，能够极大地丰富作品的层次和感染力。本章将探讨如何有效地整合这些多媒体元素，以达到最佳的表达效果： 声音设计在艺术中的作用： 从环境音效、角色语音到特殊的音效设计，声音是构建真实感、营造氛围、传递情感的重要工具。我们将学习如何审慎地运用声音来增强观众的听觉体验，并与视觉画面形成呼应。 音乐的叙事功能： 音乐能够直接触动观众的情感，引导情绪的流动，并为故事增添深度。本章将探讨不同类型的音乐如何应用于不同的艺术场景，以及如何利用音乐来推动叙事、塑造人物。 动态元素的意义： 动画、运动图形、转场等动态元素，不仅能增强视觉的吸引力，更能传递信息、引导视线、制造节奏。我们将学习如何根据叙事需求，设计富有表现力的动态元素。 多媒体元素的协调与统一： 成功的数字艺术作品，其视觉、听觉和动态元素是浑然一体的，相互支撑，共同服务于作品的整体表达。本章将强调如何平衡和整合这些元素，避免顾此失彼，确保作品的和谐统一。 节奏感与时间线的掌控： 作品的节奏决定了观众的观看体验。我们将学习如何通过对剪辑、动画、音乐等元素的整体把控，来营造出恰当的节奏感，让作品既引人入胜又不至于疲惫。 第七章：技术作为工具，而非束缚：创作流程与跨平台思考 在数字艺术创作中，技术是实现创意的基础。然而，技术本身不应成为限制创意的桎梏，而应是辅助我们实现更宏大设想的有力工具。本章将从一个更宏观的角度来看待技术在创作流程中的作用： 理解数字创作的流程： 从概念到原型，从迭代到最终呈现，了解整个创作流程有助于更好地规划和执行。本章将提供一个通用的创作流程框架，并强调不同环节之间的联系。 工具的选择与运用： 尽管本书不侧重于具体软件的操作，但我们将探讨如何根据项目需求，理性地选择和学习适合的数字创作工具。重点在于理解不同工具的优势和局限性。 跨平台与多终端的适应性： 现代数字艺术作品往往需要在不同的平台和终端上呈现（如电脑、手机、VR设备、投影墙等）。本章将探讨如何在设计初期就考虑到作品的跨平台适应性，以及如何在不同媒介上优化呈现效果。 原型设计与迭代的重要性： 创意并非一蹴而就，通过快速原型设计和持续迭代，能够不断打磨和优化作品，规避潜在的问题。本章将强调原型设计在激发和验证创意过程中的价值。 协作与沟通： 许多数字艺术项目都需要团队协作完成。我们将探讨有效的沟通和协作方式，以及如何利用技术工具来促进团队成员之间的信息共享和工作协同。 结语：持续探索，不断超越 数字艺术的世界是广阔而不断变化的，技术的进步和艺术的探索永无止境。本书提供了一个框架，一种思维方式，旨在帮助你建立起坚实的创作基础，并激发你持续探索和创新的热情。《数字艺术创作与实践：从概念到呈现》希望成为你创作道路上的启明星，指引你穿越迷雾，抵达艺术的彼岸。最重要的是，它鼓励你拥抱实验精神，勇于挑战自我，用你的独特视角和不懈努力，在这个日新月异的数字时代，创造出属于你的、令人难忘的艺术作品。

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**评价三** 这本书的文字风格非常具有感染力，读起来一点都不枯燥，更像是一位经验丰富的前辈在耳边手把手地指导你。我特别喜欢作者在阐述理论时穿插的那些行业轶事和案例分析，这些真实的“坑”和“成功经验”比单纯的理论知识要管用得多。例如，书中对于“慢动作”的运用时机和情感表达的细微差别分析得极其到位，让我明白了看似简单的技术背后蕴含的巨大潜力。这本书的逻辑结构设计得非常巧妙，层层递进，让你在不知不觉中就掌握了复杂的知识体系。如果你正在寻找一本能激发你创作热情，同时又能提供坚实技术支撑的书籍，那么绝对不能错过它。

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**评价二** 说实话，我一开始对这本书抱有怀疑态度，因为市面上同类书籍太多了，大多都是泛泛而谈。但这本书完全打破了我的预期。它最让我印象深刻的是对“流程化管理”的强调。作者用一套非常高效的工作流程，串联起了从前期规划到后期交付的全过程。特别是关于项目文件的组织和备份策略那一部分，简直是救星！我以前总是为找不到素材和版本混乱而头疼，这本书给出的解决方案专业且易于实施。另外，书中对各种特效插件的介绍和实际应用场景的分析非常到位，不是简单的罗列功能，而是告诉你“什么时候用什么效果最好”。这本书的深度和广度兼备，既有基础知识的巩固，也有高阶技巧的展示，是值得反复研读的工具书。

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**评价五** 这本书给我的最大感受是“赋能”。它不仅仅是教会你如何按下按钮，更是引导你去思考“为什么要这样剪辑”。作者对叙事节奏的把握和对观众心理的洞察，是这本书最宝贵的财富。它详细剖析了不同类型影片（比如纪录片与广告片）在剪辑思路上存在的根本差异，这帮助我跳出了单一的思维定式。我曾尝试用书中的“情感曲线绘制法”来规划我的下一个短片，结果成品的情感起伏比以往任何一次都要自然和打动人。这本书无疑是技术与艺术完美结合的典范，它让冰冷的操作流程拥有了温度和灵魂。

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**评价四** 我是一个对技术细节有极高要求的从业者，这本书在技术层面的严谨性令我非常满意。它没有回避那些令人头疼的专业术语和技术瓶颈，而是用清晰的图表和精确的数学原理（适当地）来解释它们。我尤其欣赏它对硬件配置与软件性能优化之间关系的探讨，这对于保障大型项目的流畅运行至关重要。书中对于高帧率视频的处理、RAW格式文件的调色流程以及多机位同步的讲解，都达到了专业标准，很多内容是我在其他培训课程中都未曾深入了解的。这本书更像是一部技术参考大全，我准备把它放在工作台旁边，随时查阅那些关键参数和最佳实践。

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**评价一** 这本书简直是为我量身定做的，我找了很久这种系统介绍剪辑软件操作和后期制作理念的书籍。它不是那种冷冰冰的软件手册，而是充满了实用的技巧和创新的思路。作者对色彩管理和音频混音的讲解深入浅出，尤其是在讲解如何利用后期处理来提升叙事感方面，提供了很多独到的见解。我记得有一章专门讲到了如何用蒙太奇手法来营造情绪张力，读完之后我立刻去实践了，效果立竿见影。这本书的排版也很舒服，图文并茂，很多复杂的步骤都有详细的截图说明，让人上手很快。对于我这种想从初学者过渡到能独立完成高质量作品的人来说，这本书无疑是最好的导师。它覆盖的范围很广，从素材的初步整理到最终的导出优化，每一个环节的细节都考虑到了，读起来让人觉得非常踏实和过瘾。

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