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出版者:陕西人美

作者:李放鸣 编

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2010-9

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787536824591

丛书系列:

图书标签:

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浩瀚书海中的瑰宝：品鉴历代碑帖，探寻笔墨精髓 一部聚焦于中国传统绘画艺术的深度探索之作 书名：丹青妙境：中国古代绘画流派与技法演变 引言： 当我们沉浸于中国艺术的宏伟画卷时，书法以其独特的线条魅力和人文精神独树一帜。然而，与书法并驾齐驱，在历史长河中留下浓墨重彩的另一艺术形式——绘画，同样承载着中华民族的审美情趣与哲学思考。本书《丹青妙境：中国古代绘画流派与技法演变》，并非对书法艺术的追溯与教程，而是将视角投向了那片绚烂的色彩与意境构筑的领域，旨在为读者提供一次系统、深入的中国古代绘画艺术之旅。我们不探讨笔法的结构与临摹的诀窍，而是专注于图像的叙事、风格的形成以及时代精神在绢帛与纸张上的物化过程。 第一部：开篇立意——绘画在中华文明中的地位与早期探索 本书的开篇，将着重阐述绘画艺术在中国哲学与文化体系中的独特地位。它不仅仅是技艺的展示，更是“格物致知”精神的体现，是文人寄托情怀、阐述“道”的载体。 第一章：史前与先秦的图腾与符号：图像的萌芽 本章将追溯中国绘画的源头，从岩画、陶器上的几何纹饰，过渡到长沙马王堆汉墓帛画中初具规模的宗教与神话叙事。我们将分析这些早期图像如何从纯粹的实用性符号，逐步向具有审美价值的造型艺术演变，重点阐述其在构建早期宇宙观中的作用。 第二章：魏晋风骨与士人画的雏形 魏晋时期，随着玄学的兴盛与个体精神的觉醒，绘画开始摆脱纯粹的宗教色彩，转向对人物精神气质的刻画。本章将重点解析顾恺之“传神写照”的理论精髓，探讨其在人物画领域建立的典范意义。我们关注的焦点是线条如何承载人物的内心世界，而非结构的书写规范。 第二部：高峰迭起——山水、花鸟画的独立与成熟 唐宋时期是中国古代绘画艺术体系真正成熟与完善的阶段。山水画和花鸟画从依附于人物画的背景或点缀，发展成为独立的艺术门类，拥有了各自的理论体系与表现高峰。 第三章：气韵生动——唐代山水画的磅礴气象 我们将深入研究李思训的青绿山水与王维的水墨山水在技法和意境上的分野。青绿山水如何运用矿物颜料展现盛唐的富丽堂皇，以及水墨山水如何通过“墨分五色”的微妙变化，探索自然本体的“气”的流动。本章不涉及书法中的墨法，而是侧重于水墨在铺陈、皴擦中形成的肌理与层次感。 第四章：胸中丘壑——宋代山水画的理性与写实 宋代山水画走向了对自然规律的深刻理解。本章细致剖析范宽的“雨点皴”如何刻画北方山势的雄浑厚重，李唐、刘松年等南宋院体的“界画”技法在表现建筑和精确空间上的成就。核心在于分析宋人如何将观察到的自然结构，转化为笔墨可及的画面秩序。 第五章：工写之辨——花鸟画的写实精神与象征意义 花鸟画的发展，是文人追求“托物言志”的绝佳载体。本章将对比黄休元的工笔重彩与徐熙的落墨无界，探讨工笔的细腻描摹如何服务于物象的真实再现，以及写意花鸟如何通过简练的笔触，表达高洁、隐逸等文人情怀。此处探讨的是用笔对物体形态的塑造，而非书写性。 第三部：意境的升华——元明清的流派纷呈与文人画的巅峰 元代之后，绘画的重心彻底转向“写意”，强调画家的学养、人品与笔墨情趣的融合。 第六章：元四家的笔墨情趣与师古创新 以黄公望、倪瓒为代表的元四家，将山水画推向了极高的人文境界。本章重点分析他们如何摒弃对客观景物的完全描摹，转而通过疏密有致的笔线、淡雅的墨色，表达对古人笔意的继承与个人情思的抒发。倪瓒的“折带皴”与“一笔画”的空灵感，是本章的重点剖析对象。 第七章：明清流派的地域性与个性表达 明代的浙派与吴门画派在风格上形成鲜明对比，浙派的雄健与吴门画派的秀雅，代表了不同地域的审美取向。清代，“四王”的集大成与石涛、八大的个性解放，构成了中国绘画史上最富戏剧性的阶段。我们将探讨“四王”如何通过对前代程式的精研来追求“合法”，以及石涛如何以“我自发抒”的理念，打破传统藩篱，为近现代绘画开启新的可能性。 结论：穿越时空的对话 本书的结语部分，将总结中国古代绘画如何在“形、神、意”三个层面不断深化，以及技法（如皴、点、染）如何始终是为“意境”服务的工具。它是一部关于视觉语言、哲学思考和审美变迁的通史，与书法学习的侧重点截然不同，旨在让读者领略中国艺术深邃的“丹青”之美。 本书特色： 侧重理论与流派分析： 深度解读历代绘画理论，如“随类赋彩”、“计白当黑”等。 技法侧重于造型与意境的达成： 详细分析不同画家在表现山石、树木、人物时的独特笔墨处理方式，而非书法运笔的细节。 配图丰富，注重风格比对： 通过大量原作高清图片，直观展示不同流派在构图、设色、用墨上的差异。 （全书无任何关于历代名家书法临摹、楷隶篆草等书体学习或笔法指导的内容。）

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我一直认为，真正优秀的书法教程，应该能够激发学习者的创作灵感，而《历代名家书法经典教程》在这方面做得尤为出色。它并没有局限于死板的临摹，而是通过对历代名家作品风格的梳理和分析，引导读者去理解不同时代、不同书家所展现出的独特艺术魅力。我特别喜欢书中关于行书部分的内容，比如对苏轼《寒食帖》的讲解，它不仅分析了苏轼跌宕起伏的情感如何在笔墨间得到宣泄，更重要的是，它揭示了行书的“意”在笔先的创作理念。书中的范例字帖，细节处理得极其到位，让我能够清晰地看到那些飞扬跳脱的笔画，以及它们之间如何形成一种内在的联系。读完这部分，我不再满足于机械的模仿，而是开始尝试在临习的过程中，融入自己的理解和感受，书写出来的作品也逐渐有了自己的“味道”，这对我来说是莫大的鼓舞。

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坦白说，我购买《历代名家书法经典教程》的初衷，是希望能够找到一些能够提升我临帖效率的方法。在这本书里，我找到了远超预期的答案。它不仅仅是简单的临帖指导，更是一种对书法艺术的深度解读。书中选取了诸如颜真卿的《颜勤礼碑》、柳公权的《玄秘塔碑》等楷书大家的作品，详细讲解了其用笔的特点，比如颜体字的雄浑厚重，柳体字的筋骨遒劲，以及它们在结构上的处理方式，是如何做到既有变化又不失法度的。更让我感到惊叹的是，它还将这些经典作品与当下的一些常见书写误区进行对比，指出了问题所在，并给出了切实可行的纠正方法。我以前在练习楷书时，总觉得笔画之间不够呼应，结构也显得有些松散，《历代名家书法经典教程》通过对这些大师作品的剖析，让我明白了“顾盼呼应”和“收放得当”的道理，让我的楷书练习有了明确的方向和目标。

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对于想要深入了解中国书法艺术精髓的爱好者来说，《历代名家书法经典教程》无疑是一本不可多得的宝藏。它所呈现的不仅仅是历代大师的书法作品，更是一种对书法精神的传承和发扬。我尤其被书中对草书部分的讲解所吸引。作者并没有简单地罗列草书字帖，而是深入浅出地分析了张旭《古诗四帖》和怀素《自叙帖》等作品中，那种狂放不羁、一气呵成的艺术风格是如何形成的。它详细解读了草书的用笔变化，如何通过连绵的笔画和抽象的形体，来传达书写者的情感和精神状态。我发现，原来草书的“连”并非简单的“粘”在一起，而是有着内在的逻辑和章法。通过这本书，我不仅学会了欣赏草书的艺术之美，更开始尝试去理解草书背后的哲学思想，它让我看到了书法作为一种艺术形式，是如何承载和表达中国人的文化精神的。

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这本《历代名家书法经典教程》真是让我爱不释手，翻开它，就像打开了一扇通往历史长河的窗户。我一直对书法有着浓厚的兴趣，但总觉得入门门槛有点高，看着那些大师的作品，总感觉遥不可及。这本书恰好解决了我的困惑。它没有一开始就灌输晦涩难懂的理论，而是从最基础的执笔、坐姿讲起，每一个细节都讲解得非常到位。我尤其喜欢它对笔画结构的拆解，把看似复杂的横、竖、撇、捺，用非常形象的比喻和清晰的图示展示出来，让我瞬间就明白了其中的奥妙。而且，书中所选的都是各个朝代的经典碑帖，从篆书到行草，涵盖了各个时期最具有代表性的作品。我印象最深的是对王羲之《兰亭序》的讲解，作者不仅仅是展示了字帖，更是深入分析了每个字的结体、笔势，以及它们之间如何相互呼应，构成一气呵成的韵味。通过这本书，我第一次真正理解了“骨法用笔，结构自然”的含义，感觉自己的书法之路瞬间变得明朗起来，充满信心。

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要说这本《历代名家书法经典教程》最让我惊喜的地方，莫过于它那份严谨又不失生动的讲解方式。作为一个多年来断断续续练习书法的人，我接触过不少教材，但很多要么过于理论化，让人望而却步，要么过于浅显，缺乏深度。这本书却像一位循循善诱的老师，它不仅仅展示了历代名家的作品，更重要的是，它教会了我如何去“看懂”这些作品。它详细剖析了不同书体的特点，比如篆书的古朴庄重，隶书的蚕头燕尾，楷书的端正严谨，行书的流畅飘逸，草书的龙飞凤舞，每一种都解释得鞭辟入里。我特别喜欢它对赵孟頫《临黄庭经》的解读，不仅仅是临摹，更是分析了赵体书法如何在继承晋唐传统的基础上，融入了自己的时代特点，形成了一种温润妍秀的风格。书中的拓片清晰，放大局部更是细腻入微，让我能够仔细观察每一笔的起承转合，甚至连墨迹的浓淡枯涩都能体会到。这种细致入微的讲解，让我不再是盲目地模仿，而是带着理解去练习，书法技艺也随之有了质的飞跃。

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