中国民族音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:伍国栋

出品人:

页数:347

译者:

出版时间:1970-1

价格:49.00元

装帧:

isbn号码:9787811019766

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• 音樂人類學
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《丝竹雅韵：中国古典器乐漫游》 本书并非一部民族音乐的学术研究报告，更不是一部枯燥的音乐史纲。它是一场跨越时空的音乐旅行，一次与中国古典器乐的深度对话。从古老的宫廷雅乐，到市井街头的丝竹小调，我们试图用文字勾勒出那些流传千年的旋律，描绘出隐藏在音符背后的文化意蕴与生活情趣。 第一章：回响在历史长河中的古韵——宫廷雅乐的遗风 乐，始于天地，谐于人伦。在中国古代，音乐不仅仅是娱乐，更是礼乐制度的重要组成部分。宫廷雅乐，作为最尊贵的音乐形式，承载着国家庆典、祭祀宗庙、朝会宴饮的庄重使命。本章将带领读者穿越时光的迷雾，探寻那些已渐行渐远的宫廷雅乐。 我们将从“大乐”的概念说起。孔子曰：“乐，乐也。”《礼记》中对“乐”的阐述更是将其提升到“天地之大德曰生，乾坤之大行也。”的高度。雅乐并非简单的歌唱或演奏，它融合了音乐、舞蹈、仪式，是一种全方位的审美体验，旨在“协和万国”，维系社会秩序，传达宇宙人生的哲理。 雅乐的乐器： 想象一下，在庄严肃穆的太庙，钟鼓齐鸣，磬声悠扬。编钟，作为礼乐重器，其浑厚洪亮的声音，仿佛能唤醒沉睡的灵魂，传递着天子的威严与文化的传承。编磬，以其清越婉转的音色，与钟声相辅相成，营造出肃穆而又祥和的氛围。 琴瑟： 谈到宫廷雅乐，怎能不提琴瑟？古琴，作为“文人三绝”之首，其音色沉静内敛，意境深远，是君子修身养性的重要伴侣。从伯牙子期的“高山流水”，到蔡文姬的“胡笳十八拍”，琴音中蕴含着无尽的情感与哲学思考。而瑟，其轻盈流丽，常与琴并称，象征着和谐与美好。 箫与笛： 箫，深沉悠远，如幽谷中的清泉，能涤荡心灵的尘埃。笛，清亮悠扬，如风拂杨柳，能传递喜悦与活力。在宫廷之中，箫笛的合奏，或独奏，都能营造出或庄重、或闲适的意境，是雅乐不可或缺的组成部分。 雅乐的意义： 本章不仅介绍乐器，更试图解析雅乐的本质。它是一种道德教化的工具，通过音乐来规范人的行为，陶冶人的情操。它是一种政治象征，宣告着统治者的合法性与仁德。它更是一种宇宙观的体现，通过音律的和谐来模拟天地的运行，追求人与自然的统一。虽然现代社会已鲜少听到完整的雅乐演奏，但其精神内核，却深深地影响着后来的中国音乐发展，为后世的器乐创作留下了宝贵的基因。 第二章：流淌在民间的水墨丹青——文人音乐的雅致与写意 如果说宫廷雅乐是庙堂之上的庄重，那么文人音乐便是士林之间的清雅。文人，作为古代社会的精英阶层，他们不仅是政治家、思想家，更是艺术家。音乐，是他们表达情怀、抒发志向、寄托情感的重要载体。本书将聚焦于文人音乐，探寻其独特的美学追求与艺术魅力。 古琴的别样风采： 古琴在文人手中，不再仅仅是雅乐的组成部分，而是被赋予了更为个人化的情感与哲学内涵。文人弹琴，更多的是一种“知音”的契合，是一种精神的交流。他们追求的不仅是音色的完美，更是琴声中透露出的“静、深、远”的意境。我们将品味那些描写山水、寄托相思、表达节操的古琴名曲，如《广陵散》的慷慨激慨，《梅花三弄》的孤高傲骨。 诗与乐的交融： 文人多善诗，而诗与乐，自古便是密不可分的。诗歌的韵律与节奏，往往与音乐的旋律与拍点相契合。许多文人音乐作品，本身就带有强烈的诗意。例如，根据唐宋诗词谱写的琴曲，或者以乐器模仿诗歌的意境。本章将探讨诗歌如何为器乐创作提供灵感，以及音乐如何提升诗歌的感染力，呈现出一种“诗中有画，画中有诗，诗中有乐，乐中有诗”的审美境界。 士大夫的闲情逸致： 在紧张的仕途之余，文人也需要释放压力，寻求解脱。音乐，尤其是那些描绘山水田园、抒发隐逸情怀的作品，成为他们心灵的港湾。本书将介绍一些描绘自然景物、表达隐逸情趣的器乐作品，例如表现竹林七贤的萧瑟之意，或者描绘江南水乡的温婉柔情。这些作品，不仅仅是音符的组合，更是文人心灵写照的艺术表达。 笔墨意趣与音乐意境： 中国画讲究“写意”，而文人音乐也同样追求“意”。艺术家们试图用音乐来捕捉自然万物无形之美，表达不可言说的哲理。例如，如何用几个简单的音符勾勒出月光的清辉，如何用急促的旋律表现雨点的落下，如何用舒缓的节奏描绘流水潺潺。本章将引导读者，尝试去“听”到画面的意境，去“看”到音乐的姿态，理解文人音乐中那份超然物外、返璞归真的哲学追求。 第三章：街巷里的烟火人间——民间器乐的生机与活力 与宫廷雅乐的庄重、文人音乐的雅致不同，民间器乐更加贴近普通人的生活，充满了鲜活的生命力与浓郁的地域特色。它们是劳动人民在劳作之余的歌唱，是节日庆典中的点缀，更是情感宣泄的出口。本章将深入民间，感受那些充满烟火气的动人旋律。 丝竹之乐： “丝竹”一词，泛指弦乐与管乐。在江南水乡，丝竹合奏尤为盛行。细腻婉转的二胡，清脆悦耳的笛子，悠扬的古筝，再加上铿锵的打击乐，共同编织出如诗如画的江南风情。本章将介绍一些经典的江南丝竹小调，描绘其音乐特点，并尝试探寻这些小调背后的故事和情感。 吹打乐的喜庆与热烈： 在北方的乡野，吹打乐则更加粗犷豪放，充满了喜庆与热闹的气息。锣鼓喧天，唢呐高亢，铜号嘹亮，这些乐器在节日庆典、婚丧嫁娶等场合演奏，烘托气氛，表达人们的喜怒哀乐。我们将了解不同地区吹打乐的特色，以及它们在民间生活中的重要作用。 戏曲伴奏的魅力： 中国戏曲，是综合性的舞台艺术，而器乐则是其不可或缺的组成部分。京剧的鼓点，昆曲的箫鼓，越剧的弦乐，无不与唱腔、表演完美融合，共同塑造了鲜活的舞台形象。本章将探讨戏曲器乐如何为人物塑形、烘托剧情、表达情感，以及其独特的音乐语汇。 各地风情，百花齐放： 中国地域辽阔，民族众多，孕育了丰富多彩的民间器乐。从西部的唢呐，到东北的二人转音乐，从西南的芦笙，到东南的南音，每一种音乐都凝聚着当地的风土人情和文化传统。本书将挑选一些具有代表性的民间器乐形式，对其音乐特点、演奏形式、以及在当地社会生活中的地位进行简要介绍，展现中国民间器乐的丰富多样与勃勃生机。 第四章：跨越边界的共鸣——古今器乐的传承与演变 音乐是流动的，它在历史的长河中不断演变，汲取养分，又滋养着新的生命。本书的最后一章，将目光投向当下，探讨中国古典器乐如何在现代社会中焕发生机，以及它与世界音乐的对话与融合。 传统乐器的现代化演绎： 许多古老的乐器，如古琴、二胡、古筝等，在现代音乐家的手中，被赋予了新的生命。他们尝试用创新的演奏技法，改编经典作品，甚至创作出全新的现代作品，让古老的乐器奏响属于这个时代的旋律。本章将介绍一些杰出的现代音乐家及其作品，展现传统乐器在当代音乐舞台上的魅力。 新时代的新创作： 随着社会的发展，新的音乐创作也在不断涌现。这些作品可能借鉴了古典音乐的元素，也可能融入了现代的作曲手法，甚至大胆地将中国音乐与西方音乐相结合。我们将探讨这些新创作的特点，以及它们如何回应时代的需求和文化的发展。 器乐的教育与传播： 如今，越来越多的年轻人开始学习中国古典器乐。学校、培训机构、网络平台，都为器乐的教育与传播提供了新的渠道。本章将探讨这些教育模式的特点，以及它们在传承和推广中国器乐方面所扮演的角色。 走向世界： 中国古典器乐也正以更加开放的姿态走向世界。音乐家们在国际舞台上表演，将中国音乐的魅力展现给全世界。同时，中国音乐也受到了世界音乐的影响，不断吸收新的元素，发展出更具包容性和创造性的音乐风格。 结语： 《丝竹雅韵：中国古典器乐漫游》并非一本包罗万象的百科全书，它更像是一扇窗，让我们得以窥见中国古典器乐的丰富世界。我们希望通过本书，能激发读者对中国古典器乐的兴趣，引导他们去倾听那些流淌在历史长河中的美妙旋律，去感受那些隐藏在音符背后的深厚文化底蕴。音乐，是民族的灵魂，也是人类共通的情感语言。愿这些古老的旋律，能在现代社会中继续奏响，传递智慧，温暖人心。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那深沉的墨绿色封面上，烫金的纹饰仿若古老的图腾，散发着一种沉静而厚重的历史感。翻开内页，纸张的质地温润，墨色的印刷清晰有力，每一个章节的标题都经过精心排版，既有古典的韵味，又不失现代阅读的舒适度。我尤其欣赏作者在绪论部分所下的功夫，他没有急于抛出宏大的理论框架，而是用一种近乎散文诗的笔触，娓娓道来对“民族音乐”这一概念的初期探索和心路历程。那文字里流淌出的，是对传统文化深沉的热爱与敬畏，让人在尚未进入具体内容之前，就已经被一种强烈的文化氛围所感染和吸引。比如，他对某一特定地域声音场景的描摹，简直如同身临其境，那种清晨薄雾中传来的悠扬笛声，或是黄昏篝火旁低沉的吟唱，被他捕捉得细腻入微，仿佛时间都为之凝固。这种对“现场感”的极致追求，使得整本书从拿在手中的那一刻起，就不仅仅是一部学术著作，更像是一次精心策划的文化朝圣之旅的邀请函。装帧上的用心，无疑为这部作品增添了极高的收藏价值。

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这本书的结构布局，体现出一种对时间流逝的深刻体悟。它并非按照地理区域或民族划分来组织材料，而是以一种“主题”串联起不同的声音片段，这种组织方式极富创造力。比如，其中有一个章节专门探讨“水的意象”在不同民族音乐中的声音呈现，这使得原本分散在各地的音乐样本，因为共同的情感和自然意象而被巧妙地联系在一起。从江南水乡的丝竹之韵，到西北高原牧民的饮马长歌，声音的差异巨大，但作者通过对“流动性”、“循环性”以及“净化性”这三个音乐哲理维度的提炼，成功地勾勒出一种共通的人类精神景观。这种非线性的、主题式的编排，使得阅读过程充满了惊喜，你永远不知道下一页等待你的是来自哪个角落的古老旋律，但你确信，它将以某种意想不到的方式，与你正在思考的主题产生共鸣。这是一种非常高级的编辑智慧，它要求读者不仅要关注音乐本身，更要关注音乐与自然、与人类生活经验之间的复杂关系网。

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我必须承认，这本书的内容深度极高，它对音乐结构的解析，绝非皮毛。其中关于“复调性”在特定乐种中的体现一章，可以说是全书的精华所在。作者没有固守西方音乐理论的框架去套用，而是构建了一套独特的分析工具，来解读那些看似自由散漫，实则内在逻辑严密的民族合唱或对唱形式。他细致地描摹了不同声部之间如何互相呼应、互相拉扯，如何在看似“不和谐”的音高并置中，达成一种超越性的大和谐。尤其是对于复杂节奏的剖析，简直是大师级的示范。他运用了极其精确的符号系统，将那些转瞬即逝、难以捕捉的节拍变化，以图形化的方式呈现出来，让人在视觉上就能感受到那种错综复杂却又富有生命力的律动。对于一个音乐爱好者而言，这部分内容是极具启发性的，它打破了我们对音乐结构既有的认知壁垒，展示了人类在声波组织上的无限可能性。读完这一章，我感觉自己对音乐的“听觉”都提高了不止一个层次，仿佛打开了一扇全新的听觉之门。

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阅读这本书的过程，更像是一场与时间赛跑的智力探险，它没有提供那种教科书式的、面面俱到的民族音乐分类导览，相反，它采取了一种高度聚焦和穿透性的视角，直插某些特定音乐现象的核心肌理。比如，关于某一古老乐器的口述史部分，作者并未简单罗列其演变史，而是通过对几位健在的老艺人田野调查的片段进行交叉比对和深度挖掘，揭示了在现代化的冲击下，非物质文化遗产是如何在口耳相传中被“重塑”和“坚守”的。那些对话的原文引用，真实得带着呼吸声和口音的痕迹，让人不得不去思考，音乐的“正统性”究竟存在于乐谱上，还是存在于指尖与喉咙之间那一代代人模糊而坚定的记忆里。这种研究方法，充满了人类学的田野精神，拒绝了宏大叙事，转而关注个体命运与文化载体的紧密缠绕。读到某段关于仪式音乐的论述时，我甚至能想象出作者在那些偏远村落，顶着烈日或冒着风雨，等待一个转瞬即逝的音乐片段被记录下来的艰辛。这种对过程的尊重，使得全书的结论也显得格外扎实，不浮夸，不武断。

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这本书的行文风格非常独特，它似乎故意避开了学院派论文中常见的冗长和刻板，转而采用了一种富有个人色彩的、近乎哲思的语调进行探讨。读起来，你会感觉像是在听一位博学的老者，在温暖的壁炉旁，向你讲述他毕生对音符与灵魂关系的理解。他很少直接给出明确的“是什么”，更多的是抛出“为什么是这样”的深刻疑问。例如，在探讨某个少数民族的挽歌时，作者用了大段篇幅去分析“哀伤”这种情感在他们文化语境中的功能性，而非仅仅停留在旋律的五声音阶分析上。他巧妙地引入了地域性的神话传说和宇宙观，将音乐视为一种沟通天地人三界的媒介，而不是简单的娱乐方式。这种跨学科的视野，使得原本可能枯燥的音乐学分析，立刻变得生动且富有张力。有时候，我会不得不停下来，合上书本，去窗外听听风声、车声，试图从日常的噪音中寻找他所描述的那种“超越性”的音响结构。这种引导读者进行二次感知的叙述手法，是这本书最迷人的地方之一。

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呵呵我们学校出版的

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