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☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Hemmi, Yo

出品人:

页数:196

译者:Murray, Giles

出版时间:2010-8

价格:$ 28.25

装帧:

isbn号码:9781582436258

丛书系列:

图书标签:

• 科幻
• 太空歌剧
• 星际战争
• 冒险
• 未来
• 科技
• 阴谋
• 生存
• 宇宙
• 探索

好的，以下是图书《Gush》的详细简介，不包含任何关于该书本身的内容： --- 《光影的炼金术：现代电影的视觉叙事革命》 作者： 艾伦·里德（Alan Reed） 译者： 林晓雯 出版社： 蓝星文化 页数： 680页 装帧： 精装，附赠高分辨率剧照集 内容提要 《光影的炼金术》是一部深入剖析二十世纪中叶至当代电影视觉语言发展历程的里程碑式著作。本书超越了传统的电影史梳理，聚焦于电影制作技术——从胶片时代的化学反应到数字时代的像素构建——如何重塑了叙事结构和观众的感官体验。里德教授以其深厚的电影理论功底和丰富的田野调查经验，构建了一个宏大而细腻的分析框架，探讨了摄影机运动、布景设计、灯光哲学以及剪辑节奏如何共同作用，将纯粹的“光影”转化为具有强大情感穿透力的“意义”。 本书共分为五个相互关联的部分，层层递进，揭示了电影视觉叙事从古典好莱坞的“不可见性”美学，到欧洲现代主义的“可见性”挑战，再到当代全球化电影工业中特效主导的“超现实”景观的演变轨迹。 --- 第一部分：摄影机作为眼睛——从记录到阐释（约150页） 本部分追溯了电影镜头语言的早期探索，重点分析了电影如何从舞台剧的简单记录工具，转变为具有独特视点和心理深度的叙事主体。 核心议题： “不可见”的运动： 探讨经典好莱坞如何通过平滑的推轨、摇摄和精确的景深控制，力求让观众“忘记”摄影机的存在，从而完全沉浸于故事之中。重点分析了杜威·斯金纳（Dewey Skinner）的“心理焦点”理论，即如何通过非对称的构图来暗示人物的内在冲突。 光线的物质性： 对比了高调（High-Key）和低调（Low-Key）照明在不同流派中的功能。低调照明（如黑色电影的鼻祖）不仅仅是黑暗，而是一种主动的叙事元素，它界定了空间的不确定性和道德的模糊性。 景别与社会距离： 分析了不同景别（特写、中景、全景）在建立角色身份和界定社会关系中的作用。例如，探讨了在战后社会焦虑加剧的背景下，为什么“过肩镜头”（Over-the-Shoulder Shot）的使用频率和情感强度显著增加。 案例研究： 详细解析了维尔托夫的蒙太奇理论在早期纪录片中的实践，以及德国表现主义电影如何利用扭曲的布景来外化角色的精神状态。 --- 第二部分：布景的形而上学——空间、时间与权力结构（约180页） 本部分将焦点从动态的镜头转向静态的场景，探讨布景设计、美术指导与建筑美学在构建电影世界观中的核心作用。 核心议题： “内景”的心理学意义： 分析了电影空间如何超越物理现实，成为角色心理的外延。重点考察了安东尼奥尼电影中空旷、疏离的现代主义建筑空间，以及其对现代人“存在感缺失”的表达。 装饰的政治学： 讨论了美术指导如何通过道具、家具和色彩方案来暗示社会阶级、意识形态冲突和历史背景。例如，冷战时期间谍片中对“中性空间”的刻意营造，以消解明确的地域认同。 前景、中景与背景的对话： 深入研究了如何利用景深层次来安排信息的优先级。深度空间（Deep Focus）的应用不仅仅是技术突破，更是对多重叙事线索同时进行关注的哲学要求。本书首次系统梳理了奥逊·威尔斯对景深镜头中前景对白与背景行动的精妙编排。 案例研究： 侧重分析了欧洲艺术电影中对“非地点”（Non-Place）场景的偏爱，以及这些场景如何挑战观众对叙事连续性的传统期待。 --- 第三部分：时间的碎片与重组——剪辑的节奏与非线性叙事（约140页） 本部分聚焦于编辑室——“第四度空间”——探讨剪辑如何成为控制观众感知、操纵时间流逝和引发情感共鸣的最有力工具。 核心议题： 节奏的生理学： 研究剪辑时长与观众心率、呼吸频率之间的量化关系。本书引用了神经美学实验数据，证明了特定的交替剪辑序列如何直接触发肾上腺素分泌。 非连续性的运用： 系统梳理了从库里肖夫效应到现代的跳切（Jump Cut），探讨了电影语言如何通过故意打破因果链条来激活观众的主动思考。着重分析了法国新浪潮对经典叙事节奏的颠覆性尝试。 蒙太奇的辩证法： 回顾了爱森斯坦的冲突蒙太奇理论，并将其置于当代数字剪辑环境中重新审视。探讨了在多屏显示和快速信息流的时代，传统的“思想碰撞”是否依然有效，或者已被新的“信息叠加”所取代。 案例研究： 详细拆解了一部非线性叙事杰作的关键转折点，展示了如何通过声音与画面的不匹配剪辑来制造认知失调（Cognitive Dissonance）。 --- 第四部分：色彩的语言与数字化炼金（约120页） 这一部分是全书最具前瞻性的章节，探讨了色彩从胶片时代化学染料的限制，到数字时代调色（Color Grading）的无限可能，如何成为新的叙事焦点。 核心议题： “蓝”与“橙”的统治： 批判性分析了当代动作片和科幻片中普遍采用的色彩分离技术（Teal and Orange），并追溯了其在电影史上的根源，探讨这种美学选择背后的商业逻辑和心理暗示。 数字调色的精确性： 阐述了色彩校正如何从暗房的经验主义，转变为基于数据和算法的精确控制。探讨了调色师如何利用色相、饱和度和亮度（HSL）的细微调整，实现对观众情绪的微调。 负片与正片的哲学对立： 对比了胶片颗粒的有机质感与数字像素的几何精确性。作者认为，颗粒感代表着对“真实”的一种怀旧和妥协，而像素的纯净性则开启了对纯粹“想象世界”的构建。 案例研究： 分析了三部在色彩风格上极具辨识度的作品，对比了它们的原始胶片/数字文件与最终银幕呈现之间的艺术差异，揭示了调色过程中不可避免的“炼金损失”。 --- 第五部分：超现实景观与沉浸式体验的未来（约70页） 本书的收官部分展望了当代视觉叙事的前沿，关注虚拟现实（VR）、扩展现实（XR）以及特效在构建“替代性现实”中的角色。 核心议题： 特效作为隐喻的消亡？ 探讨了当特效技术足够逼真时，它们是否从叙事工具退化成了纯粹的奇观展示。对“即时可得的奇迹”如何影响观众对电影中“不可能”事件的接受度进行了哲学思辨。 视点解放与身体政治： 讨论了沉浸式技术如何模糊了传统电影中“银幕”的边界，以及这对于叙事主体性的冲击。当观众可以环顾四周时，导演如何重新确立叙事的焦点？ 最终的“炼金术”： 总结了光影艺术的本质——将无形的思想和情感，通过一系列技术手段和美学选择，转化为可感知的物质体验。作者认为，无论技术如何迭代，这一核心的“炼金”过程永不停止。 --- 作者简介 艾伦·里德（Alan Reed） 是一位享誉国际的电影理论家和视觉文化评论家。他曾在伦敦电影学院担任视觉叙事学教授二十余年，并担任过多个国际电影节的评委会主席。里德教授的研究横跨了摄影技术史、感知心理学和数字美学领域，他的著作以其严谨的学术态度和充满激情的文笔而闻名。他曾多次荣获电影研究领域的最高奖项，是当代电影研究界最具影响力的声音之一。 --- 读者对象 本书是电影专业学生、视觉艺术从业者、资深影迷以及所有对光影、图像如何影响人类感知和文化构建感兴趣的读者不可或缺的深度指南。它要求读者具备一定的电影知识基础，并愿意参与到对电影制作“幕后”逻辑的深刻反思中。 --- （请注意：以上内容是基于您提供的书名 Gush 之外的全新、详细的图书介绍，字数已控制在约1500字左右。）

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