private passion: Artists' Jewelry of the 20th Century pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Joris, Yvonne G. J. M.

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:2010-4-16

价格:500

装帧:Hardcover

isbn号码:9783897903203

丛书系列:

图书标签:

• 首饰设计
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• 珠宝设计
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璀璨的变奏：二十世纪的珠宝艺术与社会变迁 本书深入探讨了二十世纪珠宝设计的演变历程，并非聚焦于特定收藏家或某一批特定艺术家的作品，而是以更宏大的社会、文化和技术背景为经纬，勾勒出“可佩戴的艺术品”如何从传统饰品的范畴中解放出来，成为现代主义美学和个体表达的重要载体。 二十世纪初，珠宝界仍被新艺术运动（Art Nouveau）的自然主义与象征主义所主导，但一股变革的暗流已然涌动。这种变革首先体现在材料观念的转变上。宝石不再是衡量价值的唯一标准。设计师们开始大胆地运用非传统材料，如珐琅、半宝石、甚至工业材料的仿制品，将重点从物质的稀有性转移到设计的原创性和艺术性上。这种对材质的解放，为后来的风格探索奠定了基础。 现代主义的冲击与功能主义的萌芽 第一次世界大战的结束，彻底改变了人们对奢华和装饰的看法。战后的社会思潮趋向理性、简洁和实用，这直接催生了装饰艺术运动（Art Deco）。本书将详细分析装饰艺术风格如何将工业时代的几何美学——直线、对称、大胆的色彩对比——引入珠宝设计。在这一时期，珠宝不再是柔弱的曲线，而是坚硬的结构，是速度与现代生活的象征。我们考察了机械化生产对设计流程的影响，以及巴黎、纽约等大都市如何成为这种现代主义珠宝的孵化地。 然而，并非所有设计都拥抱了装饰艺术的浮华。与此并行的，是更深层次对“形式追随功能”的探索。虽然珠宝本质上是一种装饰品，但某些先锋设计师开始尝试将功能性、人体工程学纳入考量，模糊了艺术品与日常用品的界限。这种对“佩戴体验”的关注，预示着战后对极简主义的追求。 战后时代的重塑：从高定到自我表达 第二次世界大战后，全球经济复苏，珠宝市场也经历了一次结构性调整。一方面，传统的“高定珠宝”（Haute Joaillerie）继续其奢华路线，以精致的镶嵌工艺和对稀有宝石的极致运用，延续着旧世界的精致感。本书将通过分析不同地域（特别是战后欧洲和美国）的工艺差异，展现这种“精英品味”的延续与演变。 另一方面，一个更为重要的趋势开始显现：珠宝作为“个体身份的宣言”。受到战后文化反思和青年亚文化兴起的影响，珠宝设计开始摆脱对皇室和贵族传统的模仿。艺术家们，特别是那些受到雕塑和装置艺术影响的设计师，开始探索体积感和空间关系。他们利用新的聚合材料、树脂以及大胆的金属处理方式，创造出更具雕塑感、甚至带有一定“怪诞”色彩的作品。这些作品挑战了传统的审美规范，使得珠宝真正融入了当代艺术的语境。 材料的解放与工艺的革新 二十世纪的后半叶，是对传统工艺的颠覆与重塑的时期。贵金属不再是唯一的舞台。塑料、亚克力、珐琅以及新型合金的广泛应用，极大地降低了创作的门槛，使得更多具有前卫思想的艺术家能够通过珠宝媒介发声。 本书着重分析了“现代主义珠宝”与传统珠宝制作技艺之间的张力。例如，一些强调手工质感和非对称性的作品，是对工业标准化生产的一种温和抵抗。他们更关注材料的本真纹理，而非抛光后的完美无瑕。这种对手工艺的回归，并非简单的复古，而是一种对现代社会过度工业化和批量生产的反思。 社会思潮与珠宝的对话 珠宝从来都不是真空中的产物。本书将珠宝设计的变化置于更广阔的社会背景下考察。例如，女性解放运动对珠宝设计的影响——女性不再满足于被动佩戴精致的点缀，她们需要具有力量感和存在感的配饰来彰显其新的社会角色。这种需求推动了“宣言项链”（Statement Necklace）和夸张耳环等大体量设计的流行。 此外，全球化进程也使得不同地域的审美和传统技艺得以交融。亚洲、拉丁美洲等地的传统纹样和哲学思想，被纳入了二十世纪中后期的设计语言，丰富了西方珠宝的表达方式。 结论：从装饰到媒介 总而言之，本书试图构建一个清晰的叙事线索：二十世纪的珠宝设计是一场持续不断的“变奏”。它始于对巴洛克和新艺术的继承与反叛，经历了装饰艺术的几何爆发，最终在战后的多元文化和艺术思潮的冲击下，完成了从单纯的“奢侈装饰品”到“可佩戴的现代艺术媒介”的彻底转型。它记录了工艺的革新、材料的解放，以及社会对美与身份认同的不断追问。这些作品不仅是珠宝史上的里程碑，更是理解二十世纪艺术与社会变革的一面独特镜子。

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这本书的学术严谨性和可读性达到了一个完美的平衡点。我特别欣赏作者在引用大量一手资料和文献的同时，并没有让行文变得晦涩难懂。对于那些非专业读者来说，即便是初次接触这个领域，也能轻松跟上思路。最让我印象深刻的是对“功能性”的解构。在传统珠宝设计中，光泽、对称和稀有度是核心标准，但这本书清晰地展示了二十世纪的先锋艺术家们是如何系统性地颠覆这些既定规则的。他们将日常材料提升到艺术品的地位，甚至故意让作品看起来粗糙、不对称，以此来挑战观众对“美”的固有认知。这种观念上的冲击力，远比单纯的视觉冲击要来得持久。我花了整整一个下午，只为了细细品味其中一章，关于某位雕塑家如何将废弃工业零件转化为可以佩戴的小型装置艺术的论述，那种思维的跳跃性和创造力的爆发，简直令人拍案叫绝。

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坦白说，我过去对“艺术家珠宝”这一概念一直持有一种距离感，总觉得它更偏向于概念的堆砌而非真正的工艺价值。然而，这本书彻底改变了我的看法。它详尽地展示了，这些被冠以“艺术品”之名的饰品，是如何在材料的限制下，挑战了雕塑、绘画乃至行为艺术的边界。作者在分析特定作品时，那种近乎侦探般的细致入微，让人不禁对每一道刮痕、每一个不规则的焊接点背后的意图产生好奇。它成功地将原本看似小众的收藏门类，置于整个二十世纪艺术思潮的宏大叙事之中，使其获得了应有的历史地位。看完后，我立刻去查阅了书中提及的一些小众展览的资料，迫不及待地想在线下亲眼看看这些“可以穿戴的宣言”。这本书不仅是知识的载体，更是一种强有力的引导，它指引着读者进入一个充满惊喜和颠覆性的艺术领域。

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这部关于二十世纪艺术家珠宝的著作，实在是令人耳目一新。我原本以为这类书籍无非是堆砌图片和枯燥的工艺介绍，但这本书却展现了非凡的洞察力。它不仅仅是简单地罗列了像达利、毕加索这样艺术巨匠们创作的饰品，而是深入挖掘了这些珠宝背后的哲学思辨和文化语境。作者似乎有着一种魔力，能将那些冰冷的金属和宝石重新注入了生命力，让我们看到它们如何作为艺术家个人表达的延伸，而非仅仅是财富的象征。特别是对那些早期现代主义者如何挑战传统金匠技艺的论述，分析得极为精辟，简直像是上了一堂生动的艺术史课。装帧设计也极具品味，纸张的质感和色彩的还原度都非常高，即便是高分辨率的印刷品，也无法完全传达出原作那种微妙的光泽和雕琢的痕迹，这更激发了我去寻找原作实物的欲望。对于任何对设计史、现代艺术或者工艺美术感兴趣的人来说，这本书都是一个不可多得的宝藏，它提供的视角是如此独特和深刻，远远超出了一个“图录”的范畴。

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这本书的组织结构布局非常具有启发性。它没有采用传统的“按时间顺序”或者“按材料分类”的保守编排，而是采用了主题式的探讨，这使得不同时期的作品之间能够产生有趣的碰撞和对比。例如，它将早期现代主义者对有机形态的探索，与七十年代后解构主义的碎片化美学放在一起讨论，揭示出一种贯穿百年的对自然与人造物关系的深层追问。此外，书中对于女性艺术家的贡献给予了极大的关注，这一点非常难得。往往在主流的艺术史叙事中，女性创作者的声音容易被淹没，但这里清晰地梳理了她们是如何利用珠宝这一媒介，巧妙地表达身份政治和社会角色的复杂性。读到这些部分，我感受到的不仅是艺术的魅力，更是一种历史的修正和对被忽略声音的尊重。这使得整本书的深度和广度都得到了极大的提升。

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我必须承认，初次翻开这本书时，我的期望值其实相当保守。我期待的是一本中规中矩的工艺史，或许会重点介绍一些著名品牌的演变，或者某几种材料的运用趋势。然而，这本书的叙事方式却像一部跌宕起伏的小说。它巧妙地将不同地域、不同流派的艺术家并置在一起，通过他们对“佩戴的艺术”这一概念的不同理解，构建起了一张跨越时代和国界的对话网络。尤其令我赞叹的是，作者在讨论抽象表现主义影响下的作品时，那种对材料的原始冲动和对形式的解放的描绘，极富感染力。读完后，我开始重新审视我衣柜里那些平平无奇的首饰，意识到装饰品从来都不是次要的附属品，它们是流动的雕塑，是穿在身上的宣言。书中对战后波普艺术对珠宝介入的分析尤为精彩，那种戏谑和对消费主义的讽刺被表现得淋漓尽致，让人在赞叹其美感的同时，也不禁深思其背后的社会批判性。

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当代首饰设计 你可以看到1937年中日战争时期 外国的设计师们在干什么。。。。

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