具体描述
音乐理论与实践探索（共2册），ISBN：9787811128000，作者：陈发刚，陈勇 编
好的，以下是一份针对《音乐理论与实践探索（共2册）》之外其他图书的详细内容简介。 --- 《和声的结构与演变：从巴洛克到浪漫主义》 本书深入剖析了西方音乐和声体系在近四个世纪中的发展脉络与内在逻辑。全书共分为上下两卷，旨在为音乐学习者、作曲家及研究人员提供一个全面且深入的和声学视角。 第一卷：古典与浪漫的基石 第一卷聚焦于18世纪中叶至19世纪末的音乐实践，这是西方功能和声体系最为成熟和规范的时期。 第一章：调性基础与功能和声的构建 本章从最基本的音级关系和音程概念入手，系统阐述了三和弦、七和弦的构成原理及其在调性体系中的功能划分（主、属、下属）。重点解析了卡农调性框架下，和弦进行的基本规则、终止式的类型与应用，以及如何通过和弦的转位和外加音来丰富和声色彩。探讨了“和声动力学”的概念，即和声如何通过张力与解决来推动音乐的进行。 第二章：拓展和弦与半音和声的引入 随着音乐语言的日益复杂，本章详细介绍了经过增六度和九和弦等典型的拓展和弦。通过对莫扎特、海顿作品的实例分析，展示了如何利用这些和弦在保持调性框架的同时，增加和声的色彩性和戏剧性。半音和声的处理，特别是经过和弦与副属和弦的运用，被视为连接古典风格与浪漫主义风格的关键桥梁。 第三章：浪漫主义的色彩与模糊性 浪漫主义时期，和声的色彩性和情感表达被提升到前所未有的高度。本章重点研究了李斯特、瓦格纳等作曲家的创新实践。分析了如“幻影和弦”（如弗里吉亚和弦）、变音和弦在远关系调转移中的作用。特别关注了瓦格纳歌剧中对不协和音的极端使用，以及如何通过模糊终止和持续的半终止来削弱传统的功能性，营造出无尽的“和声流动感”。 第四章：管弦配器中的和声实现 和声的听觉效果不仅取决于其结构本身，更依赖于其在乐队中的具体实现。本章探讨了18、19世纪管弦乐队编制的演变如何影响和声的织体和音色。分析了弦乐组、木管组与铜管组在和声支持中的各自角色，以及特定音色组合对和声功能感知的微妙影响。 第二卷：现代的突破与后调性探索 第二卷将视角转向19世纪末至20世纪初，音乐语言开始经历剧烈的变革，传统的功能和声体系受到挑战，新的组织原则应运而生。 第五章：印象主义与音响的解放 德彪西、拉威尔等作曲家试图摆脱传统调性的束缚，追求更纯粹的“音响”和“色彩”。本章详细解析了全音阶、五声音阶以及增三和弦的使用。重点分析了和弦的并置（平行和声）如何取代传统的和弦连接逻辑，以及“悬浮和声”的构建方法，即和弦不再具有明确的功能指向性，而是作为独立的音响单元存在。 第六章：表现主义与无调性实验 20世纪初的维也纳学派，特别是勋伯格，进行了激进的音乐语言革命。本章深入探讨了无调性音乐的诞生背景和理论基础。详细介绍了十二音体系（Dodecaphony）的序列操作规则，包括音型的各种变换（逆行、倒影、逆行倒影）及其在作品中的应用。通过对贝尔格、韦伯恩早期作品的分析，展示了如何用严格的数学逻辑重构音乐的组织性。 第七章：新古典主义与对传统的回归与重构 作为对浪漫主义晚期过度主观化和无调性实验的一种回应，新古典主义兴起。本章研究了斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫等作曲家如何借鉴巴洛克和古典时期的音乐形式（如赋格、奏鸣曲式），但同时注入了现代的和声语言。分析了新古典主义中常见的“混合调性”和“多调性”的技法，即两个或多个调性同时并存在一个和声织体中，创造出一种既清晰又充满张力的听觉效果。 第八章：节奏、织体与和声的相互作用 和声的创新往往与节奏和织体的变化紧密相关。本章探讨了节奏的复杂化（如复节奏、不对称节拍）如何反作用于和声的感知。在后调性音乐中，常常出现“和声的平面化”现象，即和声不再是驱动音乐前进的主要动力，而是与节奏和织体共同构建一个立体的音响空间。通过对巴托克民族风格音乐的分析，展示了民歌素材如何启发了对传统和声理论的颠覆。 结论：和声理论的未来展望 总结了从功能和声到后调性音乐的发展历程，探讨了当代作曲家在微音程、音高集合理论（Pitch Class Set Theory）等前沿领域中对和声概念的进一步拓展。本书力求提供一个既有历史厚度又有理论深度的和声学研究范本。 --- 《西方音乐史：从古代至20世纪中期》 这部鸿篇巨制跨越了近三千年的西方音乐发展历程，旨在提供一个宏大而精细的历史图景，将音乐的演变置于其特定的社会、文化和哲学背景之中进行考察。全书结构清晰，兼顾了理论深度与广泛的曲目覆盖。 第一部分：古代、中世纪与早期文艺复兴 (约公元前600年 – 1500年) 第一章：古代音乐的遗存与理论萌芽 探讨古希腊的音乐理论（如毕达哥拉斯音程划分）和音乐在宗教、戏剧中的作用。简要介绍古罗马音乐的传承。 第二章：中世纪的声乐主导地位 (500–1400) 深入分析格里高利圣咏的形成、记谱法（纽姆谱）的发展。重点阐述了复调音乐的诞生与早期形式，如奥尔加农（Organum）和经文歌（Motet）的早期发展，以及法国“新艺术”（Ars Nova）中对节奏复杂性的探索。 第三章：文艺复兴的“人文主义”之声 (1400–1600) 考察复调音乐的成熟期，以弗兰德斯乐派（如雅各布斯·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）为核心，解析模仿复调的技巧。深入分析弥撒曲与经文歌的结构，并首次探讨了世俗音乐如香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）在表达情感上的突破。 第二部分：巴洛克与古典时期 (1600 – 1820) 第四章：巴洛克：激情、对比与制度的建立 (1600–1750) 本章详述了歌剧在意大利的诞生及其早期发展（蒙特威尔第）。重点剖析了巴洛克时期和声体系的定型，以及“固定低音”概念的核心地位。详细分析了器乐曲式的发展，包括托卡塔、赋格、组曲以及协奏曲（如维瓦尔第的快慢快结构）。对巴赫与亨德尔的艺术成就进行深度评述。 第五章：古典主义：清晰、平衡与形式的完善 (1750–1820) 聚焦于维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）。详细解释了奏鸣曲式的结构原理——呈示部、发展部与再现部的内在逻辑。分析了交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏等大型体裁的规范化过程，以及对节奏和动态的精细控制。 第三部分：浪漫主义的个体表达 (1820 – 1900) 第六章：早期浪漫主义的英雄与幻想 分析了舒伯特、肖邦、舒曼的作品，探讨了艺术歌曲（Lied）如何成为表达诗人灵魂的载体。重点关注了钢琴作为核心乐器的发展，以及小型浪漫曲（如夜曲、即兴曲）的兴盛。 第七章：宏大叙事与民族主义的崛起 本章关注19世纪中后期的歌剧巨匠（威尔第、瓦格纳）和交响诗的兴起（柏辽兹、李斯特）。分析了瓦格纳的“主导动机”理论与“无限旋律”对后世的巨大影响。同时，探讨了俄罗斯五人组、德沃夏克等作曲家如何将民间音乐元素融入到宏大的古典体裁中。 第八章：晚期浪漫主义的张力与极限 研究勃拉姆斯对古典传统的坚守与革新，以及马勒和理查·施特劳斯在交响曲中对人和宇宙命题的探索。分析了和声语言如何趋向饱和与模糊，为20世纪的变革埋下伏笔。 第四部分：20世纪的断裂与多元探索 (1900 – 1950) 第九章：现代主义的开端：印象、象征与原始主义 考察德彪西对音色的极致追求，以及斯特拉文斯基《春之祭》中对原始节奏和和声冲突的运用，分析了音乐语言如何从“美”的追求转向“真”的表达。 第十章：序列主义与声音的重构 深入介绍勋伯格的无调性阶段及其十二音体系的建立，分析其作为一种全新组织原则的意义。探讨了继承者贝尔格和韦伯恩在不同维度上对这一体系的深化与实践。 第十一章：民族风格与特定领域的创新 总结了20世纪上半叶不同地域作曲家的探索，包括巴托克在民族音乐学基础上的和声重构，以及拉赫玛尼诺夫等人在坚持调性框架下的晚期浪漫风格的延续。 全书最后以对战后音乐（如序列主义的扩展与随机音乐的萌芽）的简要概述收尾，旨在引导读者理解20世纪音乐的复杂性和多样性。
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