Music for Brass pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Howarth, Elgar (EDT)

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页数:168

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价格:0.00 元

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isbn号码:9780193683198

丛书系列:

图书标签:

• Brass Music
• Ensemble Music
• Chamber Music
• Instrumental Music
• Music Performance
• Music Theory
• Brass Quintet
• Brass Ensemble
• Classical Music
• Wind Music

铜管乐的辉煌：一部探索乐器、历史与演奏哲学的深度之作 本书并非关于特定曲目或出版物《Music for Brass》的解读，而是一部独立、全面深入的铜管乐器（Brass Instruments）艺术与科学的百科全书式著作。它旨在为音乐家、学者、学生乃至所有对管乐器声学和文化史感兴趣的读者，构建一个关于铜管乐器世界的完整图景。 本书的结构被精心设计为三个相互关联的宏大篇章，从物质基础到历史演变，再到表演艺术的顶峰，层层递进，力求展现铜管乐的丰富性和复杂性。 第一部分：结构、声学与制造的奥秘（The Anatomy and Physics of Sound） 本部分将铜管乐器从抽象的音乐符号还原为具体的、可触摸的物理实体。它超越了简单的乐器介绍，深入探究了声音产生的机制和制造工艺中的精妙平衡。 第一章：管体几何学的魔力 本章细致剖析了圆号、小号、长号、圆号和低音提琴（Tuba）等主要铜管乐器在物理结构上的差异。重点探讨了圆柱管与圆锥管的比例如何决定了乐器的音色基频和泛音列特性。我们将使用精确的几何模型，解释为什么是特定的锥度和长度组合造就了小号的穿透力、圆号的柔和以及大号的深沉。特别关注了管长、弯曲度对乐器音准和移调系统的影响。 第二章：气息的物理学：振动与共振 声音的产生源于演奏者嘴唇的振动（Buzzing）。本章将声学原理应用于音乐实践。我们详细阐述了唇簧机制（Embouchure Mechanics）如何控制基频的产生，以及气息压力如何影响泛音的选取。通过对傅里叶分析的简明应用，解释了“音色”（Timbre）的物理构成——即泛音的强度分布。此外，深入讨论了调音滑管、活塞（Valves）和转阀（Rotary Valves）的机械设计如何影响气柱的有效长度，以及这些设计在不同历史时期和地域中的演变。 第三章：金属的选择与音色的铸造 从黄铜（Brass）合金的成分分析入手，本章探讨了不同比例的铜和锌对手感、重量和最终音色所产生的微妙影响。我们将考察乐器制造商（如Stölzel, Besson, Bach等）在壁厚、喇叭口（Bell Flare）形状设计和表面处理（镀银、镀金或原漆）上的哲学差异，以及这些选择如何被视为对乐器声学特性的微调。书中会包含对现代精密数控加工技术在乐器制造中的应用案例分析。 --- 第二部分：历史的洪流：从军号到管弦乐的演变（Historical Trajectories and Cultural Integration） 本部分追溯了铜管乐器从其军事、仪式用途向主流音乐表演艺术转变的漫长历程。 第四章：史前号角与早期信号系统 追溯铜管乐器的起源，从古代的牛角号、骨笛到青铜时代的军号和礼仪号角。本章侧重于在没有活塞或转阀的时代，演奏者如何通过改变气息和嘴型来拓宽音域，以及这些早期乐器在部落社会、宗教仪式和战场指挥中的不可替代性。 第五章：滑奏的诞生：长号的历史地位 专门探讨长号（Trombone）的独特发展路径。长号是唯一一个在文艺复兴初期就拥有相对现代音域扩展能力的铜管乐器。本章详细分析了萨克布（Sackbut）如何演变为现代长号，以及它在巴洛克时期宗教音乐（如Heinrich Schütz的作品）中的核心作用。 第六章：活塞革命与浪漫主义的扩张 重点分析19世纪初期活塞系统（Piston Valve）和转阀系统（Rotary Valve）的发明对铜管乐器发展产生的颠覆性影响。这一技术飞跃使得铜管乐器能够准确地演奏半音阶，从而使其能够完全融入古典和浪漫主义交响乐团。本章将分析贝尔利奥兹、瓦格纳等作曲家如何利用新的音域和技术来重塑管弦乐的音响版图。 第七章：二十世纪的先锋与爵士乐的融合 本章考察了铜管乐器在20世纪音乐流派中的角色转变。爵士乐的兴起（特别是小号和萨克斯风的互动，尽管萨克斯风并非严格意义上的铜管乐器，但其在爵士乐中的地位与铜管紧密相连），以及现代作曲家如勋伯格、斯特拉文斯基对铜管乐器表现力的极端探索。探讨了在现代管乐团（Concert Band）和军乐团（Marching Band）结构中，铜管乐器如何占据绝对核心地位的文化原因。 --- 第三部分：演奏的艺术与哲学的思辨（Performance Practice and Artistic Philosophy） 最后一部分将视角转向演奏者本身，探讨技术、诠释和在不同音乐语境中对铜管乐器的理解。 第八章：精湛技艺的解析 本章并非提供技术练习手册，而是对高级演奏技巧进行理论分析。讨论了连音（Legato）在不同历史时期（如巴洛克时期的“无舌奏法”与浪漫主义时期的“气息连贯”）的诠释差异。深入解析颤音（Trill）、花腔（Ornamentation）以及对装饰音的即兴处理，尤其关注圆号演奏中“划音”（Stopping）技巧的精确控制与音乐效果。 第九章：合奏的科学与指挥的挑战 探讨铜管五重奏、管乐团和交响乐团中，不同声部铜管乐器如何实现完美的平衡与融合。分析了音量控制（Dynamics）、音区对齐（Register Alignment）以及节奏的统一性在大型铜管合奏中的重要性。本章为指挥家提供了如何平衡不同乐器固有声学特性的指导框架。 第十章：诠释的边界：风格与语境 本章聚焦于不同时期作品的演奏风格：如何用现代活塞小号演奏巴洛克时期的亨德尔协奏曲？如何处理马勒作品中近乎戏剧性的音响要求？讨论了使用模仿早期乐器（如天然号）的现代乐器来演奏早期音乐的可行性与局限性。强调了对原始乐谱、历史文献和作曲家信函的深入研究是形成成熟演奏观点的基石。 结论：未来声响的展望 总结铜管乐器在跨文化交流中的持续潜力，以及在新材料科学和电子技术介入下，铜管乐器未来可能出现的形态与可能性。 本书旨在成为一本权威的、对铜管乐世界进行多维度、深层次探索的参考读物，它记录了从金属冶炼到音乐厅的每一次呼吸和每一个共鸣。

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我对实验性音乐的接受度是相当高的，我曾深入研究过许多二十世纪中叶的先锋派作曲家。因此，当我看到《Music for Brass》时，我带着一种探索未知领域的兴奋感去审视它。我期待看到对“空间化音乐”或者“概率性记谱法”的创新运用。然而，这本书的实验性显得非常平庸且缺乏深度。它的“创新”大多停留在表面的技术展示上，比如要求在某一段落中随机选择演奏一个预设的音高群，或者要求演奏者在不确定的时间点上互相插入独奏段落。这些手法在五十年前可能具有颠覆性，但在今天看来，它们缺乏新鲜感和理论支撑。更糟糕的是，乐谱的排版和印刷质量极差，许多清晰度不足的图表和手写体的注释让阅读过程变得异常痛苦。我甚至怀疑，某些模糊不清的音高指示究竟是作曲家的本意，还是印刷失误造成的？总而言之，它没有提供任何有价值的新视角，反而像是一份过时的、未经充分打磨的草稿集。

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我是一位热衷于发掘十九世纪浪漫主义时期管乐合奏作品的业余低音提琴手，一直希望能找到一些能够丰富室内乐曲目的新材料。《Music for Brass》这本书，如果从封面设计来看，它散发着一种低调而专业的质感，让人不禁联想到那些尘封在图书馆深处的早期管弦乐手稿。然而，当我实际浏览其内容时，我发现它完全背离了我所期望的那个时代的美学范畴。书中几乎没有出现任何我可以识别的、具有清晰旋律线索或明确调性中心的篇章。更让我困惑的是，它似乎过分迷恋于极简主义的结构。有些篇章只有两三个音符，以极慢的速度重复出现，中间夹杂着漫长的休止符，这让我怀疑，这到底是作曲家对“静默”的深刻探讨，还是仅仅因为他没有写出更多东西？我尝试将其中一首“极简”的作品拿给我的朋友——一位经验丰富的长号演奏者——一起试奏，结果我们俩都陷入了尴尬的沉默。我们找不到呼吸点，找不到乐句的逻辑，最终我们放弃了，转而去演奏了一段简单的爵士布鲁斯改编曲，至少那听起来像音乐。这本书的定位似乎非常小众，它或许能取悦那些痴迷于纯粹声学实验的听众，但对于渴望演奏出“动人旋律”的乐手来说，它几乎是空白。

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这本名为《Music for Brass》的乐谱集，老实说，对我来说简直是一场灾难，尽管我深知铜管乐的魅力与复杂性。我满怀期待地翻开第一页，希望能找到一些扎实、结构清晰的练习曲或者精选的巴赫或亨德尔的改编作品，毕竟书名听起来就带着一种古典的庄重感。然而，我遇到的却是充斥着大量现代派的无调性实验，音符仿佛是从乐谱架上随意洒落的碎纸片。那些乐谱的记谱法本身就令人费解，大量的特殊记号、非传统的演奏技法指示，让我这个受过良好学院派训练的圆号手都感到无所适从。我尝试着去理解作曲家试图表达的“情感碎片”或者“声音的张力”，但最终得到的只是一堆刺耳的噪音和无法协调的声部。我花了整整一个下午试图啃下一首为小号和长号四重奏而作的曲子，结果发现它更像是一场技术上的折磨而非音乐的享受。它要求演奏者在极端的动态变化和不和谐的音程中保持绝对的精准，但音乐本身的连贯性在哪里？我不得不承认，这本书对于那些追求传统铜管乐和声美学的演奏者来说，可能是一剂猛药，但对我而言，它更像是一种无法消化的负担。

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作为一名音乐教育者，我经常需要搜集各种不同难度和风格的铜管乐教材，以适应不同年龄段和不同技术水平的学生。《Music for Brass》这个名字听起来具有相当的普适性，我原以为这会是一本涵盖了从入门到高级技巧的综合性练习曲集。我很快就发现自己犯了一个严重的错误。这本书的内容分布极不均衡，它似乎直接跳过了所有基础的音阶、琶音和音程训练，直接抛出了一系列令人望而生畏的“技巧挑战”。这些挑战的特点是：要求演奏者在极高把位上进行极弱的演奏，或者要求多支乐器在极快的速度下保持完全的节奏错位。这对于初学者来说是完全不切实际的，甚至对一些有经验的乐手来说都是不健康的练习。我翻阅了目录，发现它对特定乐器的平衡性也处理得很差，例如，小号的部分占据了超过三分之二的篇幅，而大号和低音伸缩号的篇幅少得可怜，仅有的几段也是作为背景“嗡嗡”作响的和弦垫音。因此，我绝对不会将这本书推荐给我的任何学生，它更像是一本“炫技指南”，而不是一本系统的学习工具。

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我是一位指挥家，负责一个地方性的业余铜管乐团，我们热衷于演出一些能够振奋人心的、具有宏大叙事感的作品。我们的大部分曲目倾向于行进乐队的改编或者一些经典电影配乐的片段。因此，我希望《Music for Brass》能提供一些适合我们乐团，能在社区音乐会上展示我们合奏实力的作品。我期待的是一些充满进行曲节奏、辉煌的齐奏段落，或者至少是能够让全体成员都感到参与其中的、具有强劲和声支撑的篇章。然而，这本书的内容似乎是为一种截然不同的听众群体设计的。我找到的几首曲子，要么是为极小型的、非标准的乐器组合所写（例如，只有两支长号和一把次中音号），要么就是对乐团整体力量的展示完全不感兴趣。它们更像是“小品”，专注于捕捉某个瞬间的、幽微的声响变化。我们尝试排练其中一首被标注为“快板”的作品，但我们发现，它要求铜管乐器演奏出近乎木管乐器才能达到的灵巧度，这对于我们习惯于厚重音色的乐团来说，简直是强人所难。这本书与其说是“为铜管乐谱写的”，不如说是“为一组特定、极其专业的、有着特殊演奏癖好的乐手所写”。

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