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出版者:The University Press of Kentucky

作者:Rollins, Peter C. (EDT)/ O'Connor, John E. (EDT)

出品人:

页数:264

译者:

出版时间:2003-12-14

价格:USD 28.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780813190778

丛书系列:

图书标签:

• 好莱坞
• 美国原住民
• 电影史
• 文化研究
• 种族研究
• 代表性
• 刻板印象
• 媒体研究
• 历史
• 社会学

《沉默的星光：好莱坞的隐秘遗产》 导言：银幕之外的叙事 好莱坞，一个由光影构筑的梦工厂，它的辉煌与神话早已深入全球文化肌理。然而，在这光鲜亮丽的表象之下，潜藏着无数被边缘化、被遗忘的故事。本书《沉默的星光：好莱坞的隐秘遗产》旨在剥开那层镀金的表皮，深入探索那些长期处于聚光灯阴影中的群体、事件和艺术实践，它们共同构成了好莱坞更为复杂、更具人性的真实面貌。我们拒绝接受那种单一、线性的好莱坞发展史，转而聚焦于那些在主流叙事中被系统性抹去的声音、风格和群体。 本书的视野横跨二十世纪初的默片时代直至数字时代的全球化浪潮，核心关注点在于“缺席”与“在场”的辩证关系。我们相信，理解一部电影的意义，不仅要看它呈现了什么，更要看它刻意或无意地排斥了谁。 第一部分：熔炉中的裂痕——早期好莱坞的排斥机制 (1910s-1940s) 在二十世纪上半叶，电影工业从加州的农田上崛起，迅速成为一种强大的文化和经济力量。本部分详尽考察了早期制片厂制度如何通过明确的政策和不成文的行业规范，构建了一个排他性的精英圈层。 第一章：种族与形象的固化：东方主义的银幕再现 我们首先检视了“黄祸”叙事在默片和有声片早期的兴盛。电影制片厂如何利用化妆术、刻板印象和双重选角（即让白人演员扮演亚裔角色）来满足当时美国观众对“异域”的想象。特别关注了早期亚洲裔演员（如黄柳霜）在面临结构性限制时，如何在表演和幕后进行微妙的抗争与妥协。本章分析了从《蝴蝶夫人》到早期功夫片原型中，对亚洲文化符号的挪用与扭曲，它们如何服务于好莱坞对“他者”的定义。 第二章：拉丁美洲的“异域风情”与劳动力的工具化 好莱坞的镜头往往将墨西哥和拉丁美洲描绘成要么是浪漫、充满异国情调的背景，要么是充满暴力的混乱之地。我们研究了早期西班牙语片制作的短暂繁荣及其被英语主流市场吞并的过程。更重要的是，本章深入探讨了大量拉丁裔临时演员和技术工人如何在片场充当背景、充当不被点名的劳动者，他们的贡献被完全隐形化。 第三章：女性创作者的“影子制片厂” 尽管女性在电影史上常常被简化为“缪斯”或“女主角”，但本章发掘了那些在幕后，尤其是在编剧、剪辑和早期制片领域曾短暂占据重要位置的女性。我们通过档案挖掘，重构了那些在“海斯法典”收紧前，如何运用微妙的叙事技巧来规避审查、表达复杂女性主题的编剧们的工作。她们的作品往往在商业上取得成功，但其署名权和创意控制权却被轻易地转让给男性制片人。 第二部分：冷战阴影下的内部清洗与风格流放 (1950s-1970s) 麦卡锡主义的幽灵不仅席卷了华盛顿，也无情地重塑了好莱坞的艺术生态。这一时期，审查制度转为自我审查，对异见的压制更为隐蔽，却也更为致命。 第四章：黑名单的艺术遗嘱：被截断的电影语言 黑名单不仅仅是数百名专业人士的职业生涯中断，它更是一次对美国电影叙事潜力的集体“阉割”。本章聚焦于那些被禁的剧作家和导演，他们流亡海外或转入地下，他们的激进思想和先锋叙事手法未能融入主流的“黄金时代”晚期。通过分析他们流亡作品中的主题回声，我们可以重建“如果……会怎样”的好莱坞历史。 第五章：独立精神的萌芽与商业吞噬 新好莱坞的出现是制片厂制度衰落的标志，但本章指出，这种“反叛”往往是被商业系统有效吸收和驯化的。我们分析了独立制作公司（如新线影业的早期阶段）如何试图利用边缘化的题材吸引特定观众，但最终也难逃被大型企业收购和风格标准化的命运。探讨了那些拒绝被主流叙事同化的独立电影人如何挣扎于资金和发行的双重困境。 第六章：类型片的“替代性现实”：科幻、西部与社会评论的张力 在主流政治宣传的压力下，社会评论不得不退隐到类型片的外壳之中。本章细致考察了冷战背景下，科幻片中的“外星人入侵”如何成为对内部异见或外部威胁的隐喻。同时，对西部片中道德模糊性的探索，也被视为对美国“例外论”的一种微妙质疑，尽管这些质疑通常以一个清晰的、符合体制的道德判决而告终。 第三部分：全球化与身份的重塑——边缘群体的能见度危机 (1980s-当代) 随着全球市场的开放和身份政治的兴起，好莱坞开始“拥抱”多元化，但这种拥抱往往伴随着新的简化和商品化陷阱。 第七章：刻板印象的“升级换代”：从负面到“无害化”的风险 数字时代加速了文化挪用和符号消费的速度。本章探讨了少数族裔身份是如何在好莱坞的商业逻辑下被“提炼”成可消费的“文化元素”。例如，将复杂的身份认同简化为单一的“励志故事”或“受害者叙事”，从而服务于好莱坞的道德自洽，而非真正的文化理解。 第八章：技术革命下的劳工生态：特效、外包与创作控制权的转移 特效的崛起极大地改变了电影制作的权力结构。本章关注的是，这些日益复杂的后期制作流程如何将创意和劳动密集型的工作外包至全球，以及这种全球化的供应链如何进一步稀释了原初创作者的影响力。我们审视了数字技术如何成为一种双刃剑：既能赋权给低成本制作人，也使得大型制片厂对最终视觉效果的控制达到了前所未有的程度。 第九章：自我反思的悖论：当代好莱坞的“道歉式”叙事 近年来，好莱坞在公众压力下越来越多地制作关于自身历史错误的影片，例如关于黑人平权运动或性别平等的传记片。本章批判性地分析了这些“自我纠正”叙事，探讨它们是否真正实现了和解，还是仅仅将过去的创伤转化为当下的票房收益，用一种结构化的、可控的方式来“处理”历史的复杂性。 结语：解构神话，重写历史 《沉默的星光》不是一部抱怨好莱坞失败的历史，而是一部发掘其未被充分利用潜能的指南。通过对那些被忽视的角落进行深入的考古发掘，本书旨在提供一个更具韧性、更少教条主义的好莱坞历史版本，一个承认冲突、重视沉默的文化遗产的叙事。最终，我们邀请读者不再将好莱坞视为一个不可撼动的神殿，而是一个充满张力、不断被争夺的文化战场。

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这本书的结构设计简直是鬼斧神工，完全跳脱了传统传记或历史著作的窠臼。我一直觉得，要真正捕捉到“好莱坞”这种文化现象的精髓，线性叙事是远远不够的，必须用碎片化、多声部的方式才能展现其全貌。这本书完美地做到了这一点，它像一个精密的万花筒，每一次转动都呈现出截然不同的图案，但所有的图案又共同指向一个宏大的中心。作者巧妙地穿插了大量的第一手访谈片段、私信摘录以及当时的行业备忘录，这些原始材料的运用简直是教科书级别的——它们不是用来简单佐证观点，而是作为独立的叙事力量存在，让历史仿佛在读者眼前重演。不同年代、不同背景下的声音交织在一起，形成了一种复调的效果，丰富了叙事层次。我读到某些段落时，那种信息量之大，需要我反复回读，以确保我完全捕捉到了作者想要建立的那种复杂的关联性。这本书对那些热衷于解构文化符号的读者来说，简直是一座富矿。

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从纯粹的阅读体验上来说，这本书的“可读性”高得惊人，尽管它涉及的主题相当严肃和宏大。作者的文字功力极其深厚，他仿佛是一位高超的指挥家，控制着情绪的起伏和故事的张力。有些章节的描写，充满了戏剧性的张力，像是莎士比亚悲剧的现代回响，那些关于权力巅峰的傲慢与必然的衰落，读来令人唏嘘不已。但同时，书中又不乏那种精准的、近乎幽默的讽刺，那些对行业潜规则的刻画，让人在会心一笑之余，又感到一丝凉意。这本书成功地避开了把历史写成枯燥教科书的陷阱，它把每一个历史人物都写成了有血有肉的个体，他们所做的选择，无论多么荒谬或伟大，都源于他们所处的那个特定时空背景下的生存逻辑。它让我们看到，那些被神化的“造梦者”们，其实和我们一样，在面对生存压力和内心欲望时，挣扎、妥协、偶尔也会迸发出惊人的创造力。这本书读起来，酣畅淋漓，是一种智力上的享受。

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这本书的叙事手法实在太让人耳目一新了！作者似乎有一种魔力，能将那些光怪陆离的幕后故事，用一种既贴近又疏离的视角娓娓道来。读起来感觉就像是坐在一个极其私密的包厢里，偷听着那些关于梦想、背叛和浮华的耳语。它没有采取那种传统的好莱坞编年史的写法，而是像解剖一部老电影的胶片一样，从一些极其细微的、看似不经意的场景切入，然后层层剥开，直到露出那个时代特有的那种既迷人又病态的内核。我尤其欣赏作者对人物心理描摹的细腻程度，那些光环下的角色，他们的焦虑、他们的野心，都刻画得入木三分，让人不禁思考，在聚光灯熄灭之后，他们究竟是如何面对自己的。这本书的节奏掌握得极好，时而如同好莱坞黄金时代的慢镜头，充满了怀旧的诗意；时而又像一场快节奏的追逐戏，让人喘不过气来，仿佛能闻到片场特有的灰尘和香水味。它不仅仅是在记录历史，更像是在重塑一种氛围，一种早已逝去的、充满着巨大能量的时代精神。对于任何一个对电影制作背后的复杂人性感兴趣的人来说，这绝对是一本值得反复品味的佳作。

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我必须承认，这本书彻底颠覆了我对某些经典电影场景的理解。作者在处理“光影”与“权力”的关系时，展现出了一种极其深刻的洞察力。他不是简单地罗列事件，而是将历史事件置于一个更宏大的社会文化变迁的背景下进行审视，仿佛是把镜头拉远，审视整个好莱坞这架庞大机器的运转逻辑。书中关于媒体审查制度如何影响艺术表达的分析，尤其让我印象深刻。那种潜移默化的影响，如何通过微妙的镜头语言、剧本修改甚至是选角策略来体现，作者将其梳理得脉络清晰，逻辑严密，令人不得不佩服其研究的深度和广度。这本书的语言风格是高度凝练且充满画面感的，即使是描述商业谈判或法律纠纷的段落，也写得引人入胜，充满了视觉冲击力。它像一面棱镜，折射出那个时代复杂的光谱，让我对“好莱坞”这个词汇背后的真正含义，有了全新的认识和更复杂的感情。这本书绝对是严肃研究和大众阅读的完美结合体。

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读完后，我脑子里挥之不去的是那种强烈的对比感，那种关于“真实”与“表演”边界模糊的哲学思辨。作者似乎对好莱坞的“神话制造机器”有着近乎偏执的迷恋，但他的笔触却是冷峻而精准的，如同外科手术刀一般，精确地切开那些华丽外衣下的结构性问题。这本书的论证逻辑非常扎实，它不像是一本泛泛而谈的行业回顾录，更像是一份深度田野调查报告，充满了令人信服的轶事和深入骨髓的洞察。我能感受到作者在梳理海量资料时的那种艰辛与投入，但最终呈现出来的文字却是如此的流畅自然，毫无堆砌之感。它探讨的很多议题，比如资本运作如何重塑艺术表达，或者身份认同在镜头前如何被挪用和消费，都极具现实意义，即使是当下也依然适用。这本书的价值在于，它迫使我们重新审视那些我们习以为常的银幕形象，去质疑那些被不断重复和美化的叙事。它不是在批判，而是在深刻地理解这个行业的运作机制，这种深度和广度，实在难能可贵。

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