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出版者:MJS Music & Entertainment LLC

作者:Mark John Sternal

出品人:

页数:1

译者:

出版时间:2005-2-9

价格:USD 14.95

装帧:Audio CD

isbn号码:9780976291732

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 耳训
• 乐理
• 技巧
• 自学
• 流行
• 民谣
• 和弦
• 音阶
• 练习

好的，这是一份为您量身定制的、关于一本名为《Complete Guitar By Ear》的乐谱/教程书籍的详细简介，内容完全围绕该书可能包含的、但不涉及“听音”或“扒谱”技巧的方面进行构建。 --- 《即兴演奏的根基：吉他指板布局与和声色彩解析》 （A Foundational Guide to Fretboard Navigation and Harmonic Coloration for Guitarists） 导言：超越指板的限制 《即兴演奏的根基：吉他指板布局与和声色彩解析》是一本专为希望深入理解吉他作为乐器本质，构建稳固音乐理论框架的进阶吉他手所设计的参考手册。本书摒弃了侧重听觉训练的传统方法，将焦点完全集中于视觉化、结构化和逻辑化的吉他指板知识体系之上。我们相信，对乐器物理布局的彻底掌握，是任何高效音乐表达的基石。 本书旨在解答这样一个核心问题：如何系统地、无缝地在六根琴弦上定位和应用任何音符、和弦或音阶，而无需依赖对特定旋律的记忆或听辨。这是一场关于几何学、空间感知和理论映射的指板革命。 第一部分：指板的几何学——音符的绝对定位 本部分是全书的基石，旨在帮助学习者彻底“内化”吉他指板的物理结构，将其视为一个可预测的二维坐标系。 第一章：基础音程与全音阶的形态识别 超越C大调： 我们将分析自然音阶（大调、小调）在指板上所有把位上的形态学。重点在于识别音程关系（全音、半音）在不同弦上的视觉模式，而非其听觉效果。 横向与纵向的联系： 详细解析相邻品格之间的音符关系，以及跨弦时音高和音程的转换规律。教授如何通过固定一个音符，快速定位其下方或上方的任何目标音符，无论调性如何。 八度与五度的框架构建： 系统演示如何在指板上迅速画出所有八度关系（同音）和五度关系（构成基础和弦骨架的关键音程）的连接路径。这是实现指板“视野”的关键第一步。 第二章：实用调式（Modes）的指板映射 本章完全侧重于音符的排列，而非调式听感。 七种调式的指板模板： 分别以根音为锚点，清晰地展示七种经典调式（如伊奥尼亚、多利亚、弗里吉亚等）的音符排列结构。每个调式都被视为一个独特的“指板图案”。 调式间的指板转换： 教授如何通过一个音符（例如C音）开始，在保持相同指型的情况下，通过移动或微调一个或两个音符的位置，来瞬间转换到另一个调式。这纯粹是手型的肌肉记忆和指板位置的视觉切换。 全音阶的扩展： 引入全音音阶（Whole Tone）和减音阶（Diminished）的指板图案，解析其对称性如何简化记忆，并展示这些图案如何在指板上进行平移和镜像复制。 第二部分：和声的蓝图——和弦结构的指板可视化 本部分将吉他从一个旋律乐器提升为一个和声构建机器，关注和弦的内部结构和指型，而非其在歌曲中的功能。 第三章：基础和弦的指型矩阵 三和弦的通用指型： 系统介绍大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦的基础“五种”指型（如CAGED体系中的根音位置变体），强调指型在指板上的可移植性。 根音定位的绝对标准： 教授如何仅凭根音的绝对位置（例如，G音在第3品E弦上），瞬间推导出所有六根弦上可能的标准三和弦指型。 四和弦的骨架与延伸： 专注于七和弦（Maj7, Dom7, Min7, m7b5）的核心音（Root, 3rd, 5th, 7th）的指板布局。如何仅用四根手指覆盖一个复杂和弦的核心张力。 第四章：和声色彩的指板拓扑学 本章深入探讨如何通过指板上的微小移动来改变和弦的“色彩”（Tension）。 和弦延伸音（9ths, 11ths, 13ths）的布局： 侧重于如何系统地在现有和弦指型上“堆叠”延伸音。例如，在D7和弦上，如何最有效率地找到9音或13音的位置，而无需计算其音级。 和弦转位与指型替换： 详细分析和弦转位（Inversions）在指板上的视觉表现。教授如何通过“垂直移动”指型来平滑地进行和弦转换，以保持指尖在指板上的相对位置不变。 琶音与和弦形态的统一： 展示如何将和弦的结构形态直接转化为琶音的演奏路径。和弦指型即是琶音路径——这是实现指板上流畅Solo的关键视觉桥梁。 第三部分：指板的效率与记忆系统 本部分关注如何将上述理论知识转化为高效的肌肉记忆和即时反应能力，完全通过视觉和空间训练来实现。 第五章：五度圈的指板化 五度圈的物理路径： 将传统的五度圈理论转化为吉他指板上的可追踪路径。例如，从A弦5品（D音）开始，向上移动一品和向外移动两弦，即到达下一个五度关系。 和声进行的空间应用： 利用五度圈的路径，在指板上快速定位II-V-I进行中所有和弦的根音位置，实现和声的“路径导航”。 第六章：指板的模块化训练法 “方格”记忆法： 将指板划分为若干个固定的“音块”或“记忆区域”（例如，每三个品格为一个模块）。训练者只需记住每个模块内的音符分布和核心指型。 无根音演奏训练： 专注于在指板上任何随机位置，仅通过识别音程关系（例如，找到一个三度音程上方的一个小七度音），来即兴生成一个功能和声片段。 总结：结构化的演奏思维 《即兴演奏的根基：吉他指板布局与和声色彩解析》是一本技术手册，它不讨论“听起来如何”，而是聚焦于“如何构建”。通过本书的学习，吉他手将建立起一个坚不可摧的指板地图，能够即时、精确地在任何把位上定位任何音符、任何和弦结构，从而将理论知识转化为纯粹的、不受听觉限制的空间演奏能力。掌握了指板的几何学，您便掌握了吉他演奏的硬件逻辑。

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这本书的整体结构和设计理念，透露着一种对音乐本质的尊重，而不是迎合市场短平快需求的浮躁态度。它不是一本让你快速学会几首流行歌曲的速成指南，而是一张通往更深层次音乐世界的地图。我欣赏作者在处理“内化”过程时的耐心和坚持。比如，书中有一部分的练习是关于“音程的视觉化想象”，要求读者在听到一个特定音程时，脑海中必须浮现出一个固定的图形或空间感，这种跨模态的训练方式，极大地巩固了听觉记忆。这对提高我的移调能力非常有帮助，以前我总是在A调和G调之间转换时感到思维卡壳，现在我可以更快地在大脑中建立起音阶的相对位置模型。这本书的配套资源（虽然我无法在此详细描述，但可以想象其专业性）也极大地辅助了我的练习，使得枯燥的重复训练有了一个可以互动和即时反馈的环境。总而言之，如果你是一个厌倦了停留在“模仿”阶段，渴望真正掌握音乐语言的严肃学习者，这本书提供了一条清晰、扎实且富有启发性的道路。它教会你的，是终生受用的“听力直觉”。

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这本书的封面设计得非常简洁有力，那种深邃的黑色背景搭配着烫金的字体，一眼看上去就有一种专业且沉稳的感觉，不像市面上很多教程那样花里胡哨，它更像是一本老派音乐家案头的工具书。我第一次拿到手的时候，就被它那种低调的质感吸引住了。我本来是那种典型的“看谱弹琴”的类型，对“听音辨曲”这件事一直抱有一种敬畏甚至恐惧的态度，总觉得这是天赋型选手的专属技能。这本书的引言部分写得尤其打动我，作者没有用那些空泛的鼓励，而是非常务实地阐述了“耳朵训练”在音乐理解力提升中的核心地位，让我觉得，也许我这种“非天才”也真的能摸到门道。它没有一上来就抛出复杂的乐理名词，而是从最基础的音高分辨开始，用一种非常生活化的方式引导你去聆听周围的声音，比如风声、水流声，然后巧妙地将这些自然界的频率变化与音程概念联系起来，这种构建知识体系的方式，让我感到非常自然和可接受，而不是被一堆枯燥的理论公式压垮。我花了很长时间来消化第一章的练习，主要是通过哼唱和模仿来定位音高，这种强调主动参与而不是被动接收的学习方法，极大地提升了我对音准的敏感度，这比我过去对着调音器校准上百次都要有效得多。这本书的排版也体现了对学习者的关怀，留白很多，重点突出，阅读起来毫无压力，真正做到了让人沉浸其中。

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我一直是个在乐队里“混日子”的吉他手，节奏感还行，和弦转换也算熟练，但只要有人说“来段即兴吧”，我立马就歇菜了，只能在那儿尴尬地重复着我背得滚瓜烂熟的几段固定乐句。这本教材的出现，简直像给我这把“老骨头”注入了一针强心剂。它没有把重心放在教你多少套和弦进行上，而是彻底颠覆了我对“学习”音乐的固有印象。书里大量篇幅都在讨论如何“解码”旋律，作者似乎拥有一种将耳朵和大脑直接连接起来的魔力，他不是在教你怎么“记住”某个音符在哪里，而是在教你怎么“感受”音符之间的张力与关系。例如，书中关于“功能和声”的听觉训练部分，真是让人茅塞顿开。它不是单纯地告诉你V级和弦要回到I级，而是让你去听那种“解决感”和“不确定性”，通过耳朵去辨别和声色彩的微妙变化。我记得有一次练习，作者要求我们听一段非常简单的爵士进行，然后尝试只用耳朵来描绘出贝斯手行进的路径，这对我来说简直是天方夜谭。但跟着书里的步骤一步步拆解，我发现，当我不再依赖视觉信号（比如琴弦上的标记），我的听觉系统就开始“激活”了，那种从混沌中捕捉到清晰结构的体验，比我学会任何一个新技巧都让人兴奋。这本书的难度递进设计得极其巧妙，让你总是在“跳一跳才能够得着”的状态下持续学习，而不是被初期的挫折感击败。

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坦白说，市面上很多“速成”类的教材都承诺能在几周内让你“精通听音”，结果往往是教你一些死板的固定模式，一旦离开教材的范围，立马就露馅了。这本书的价值恰恰在于它的“反速成”哲学。它更像是一套长期的心智训练计划，强调的是建立一套稳固的内在听觉框架。我尤其欣赏作者在处理“节奏听辨”这块内容的严谨性。很多吉他教材会把节奏简单地归结为“数拍子”，但这本书则深入探讨了“律动感”和“时间感”的培养，甚至引用了神经科学的一些概念来解释为什么有些人天生节奏感强，而有些人需要后天训练。书里设计了一些非常“反直觉”的练习，比如让你在听一段复杂的切分节奏时，不去数拍子，而是尝试去“感受”重音的流动和偏移，这迫使我必须关闭大脑中理性的计算模块，转而依赖更原始的听觉反应。这套训练下来，我发现自己不再是机械地跟着节拍器走，而是能更好地理解乐曲中那些微妙的“推”和“拉”，这极大地丰富了我的演奏表现力。而且，这本书的例子选取非常国际化，不仅仅局限于古典或布鲁斯，跨越了从民间音乐到现代电子乐的各种风格，确保训练的普适性和趣味性。

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作为一名已经接触音乐学习很多年的自学者，我手里积累的教材少说也有几十本，但大部分都只能帮我解决“如何弹”的问题，而这本书却直击“如何理解”的核心。它最让我感到震撼的是它对“音色和弦处理”的细致入微的剖析。作者没有停留在简单的“大三和弦是快乐的，小三和弦是悲伤的”这种肤浅的描述上，而是通过大量的听力示例，教会读者如何分辨增和弦带来的紧张感、七和弦的色彩变化，以及不同的终止式在情绪上的细微差别。书中有一个章节专门讨论了如何听出吉他音色中的泛音结构，以及不同拾音器设置对听觉感知的误导性——这简直是为吉他手量身定制的深度分析！我过去总觉得自己的演奏不够“动人”，现在我明白了，那是因为我对音符的情感负载理解不够深刻。通过这本书的引导，我开始学会用耳朵去“触摸”音符，去感知它们在空气中散发出的不同质感。这种训练的成果不是立竿见影的，而是像一个缓慢发酵的过程，但一旦积累到一定程度，你会发现自己对音乐的“解码”速度呈几何级数增长，听任何复杂的作品都不会再感到茫然无措。

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