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出版者:

作者:Saindon, Ed

出品人:

页数:162

译者:

出版时间:2004-1

价格:$ 16.89

装帧:

isbn号码:9780634007941

丛书系列:

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爵士乐即兴的基石：当代和声与节奏的深度探索 书名：《和声的织体与节奏的脉动：迈向精湛乐感的现代路径》 内容简介： 本书并非针对特定乐器或教材体系的练习指南，而是旨在为严肃的音乐学习者、作曲家以及渴望深化理解当代音乐语言的演奏家，提供一套全面、深入的和声学与节奏学理论框架与应用指南。本书的核心目标是揭示隐藏在复杂和弦结构背后的逻辑，并解析构成现代音乐（涵盖爵士、融合、前卫摇滚乃至当代古典音乐的某些元素）律动精髓的节奏模式。 第一部分：超越三和弦的深度和声学 第一章：现代和弦的分子结构与延伸 本章摒弃传统的调性和声框架，直接切入二十世纪中期至今被广泛采纳的和弦语法。重点分析九和弦、十一和弦、十三和弦在不同音级上的功能性变化，以及它们如何通过“色调”（Color Tones）的添加与置换，实现从基础功能和弦到复杂张力结构的过渡。我们将详细探讨替代音（Altered Tones）如升九、降九、升五、降五在构建张力与释放机制中的精确作用。 核心议题： 深入研究和弦的垂直堆叠方式——四度音程堆叠（如“云和弦”的变体）与三度音程堆叠（如复杂的三全音替代）。 实践应用： 讲解如何识别并重建复杂和弦的“根音模糊”现象，即在缺乏明确低音的情况下，通过上声部和弦外音的分布来暗示和声的倾向性。 第二章：调式与和声的相互作用：模式与张力场 本章聚焦于如何将调式思维（Modal Thinking）融入功能和声的框架。我们不满足于简单的“和弦X对应调式Y”的对应关系，而是探究特定调式音级如何主动塑造和弦的听觉特征。 Lydian Dominant的精妙运用： 探讨4音如何赋予属和弦特有的“提拉感”，并与三全音替代进行功能上的对比与融合。 青铜时代音阶（Altered Scale）与半减七和弦： 详细剖析全音阶（Whole Tone Scale）和减音阶（Diminished Scale）在属和弦导向中的独特路径，特别关注其在非传统解决路径中的作用。 离调与和声色彩的瞬时转换： 介绍如何使用“色彩和弦”（Chromatic Mediant Relationships）实现远距离的听觉跳跃，以及如何在不破坏整体音乐语境的前提下，快速引入“异质”的和声色彩。 第三章：对位与复调织体的构建 本部分从水平维度扩展和声的理解，强调旋律线在定义和声走向中的主动性。 声部进行中的“错误”与“有意为之”： 分析如何在声部进行中故意制造平行五度、八度（在特定语境下），或是不协和音程，并随后通过精确的解决路径导向预期的和声终点。 不协和音程的“感知时值”： 探讨一个不协和音程（如小二度或增四度）在听觉上被“吸收”或“解决”所需的时间长度，这对于控制音乐的紧张感至关重要。 序列与循环： 介绍和声序列（Harmonic Sequences）的构建方法，特别是循环和弦进行（如Andalusian Cadence的现代变体）在构建驱动力方面的潜力。 第二部分：节奏的精密度与律动的多维感知 第四章：细分、复合与对位节奏：超越四四拍 本书将节奏分析提升到与和声分析同等重要的地位，强调节奏不仅是时间的划分，更是能量的组织。 复合拍号的内部结构： 深入剖析如7/8、11/8等复合拍号，重点不在于数拍子，而在于识别内部的“微观重音模式”（Micro-Accent Patterns）——例如，一个7/8拍可以被感知为3+4或4+3，这种感知差异如何影响律动的“推拉感”。 多重度量（Polymeter）的精确交织： 探讨两个或多个不同拍号（例如3/4与4/4）如何在同一时间框架内同步进行，并阐明如何精确计算两个或多个拍号的“交汇点”（Least Common Multiple of Beats）。 重音的转移与模糊化（Metric Modulation and Shifting）： 讲解如何通过改变基本拍速或微小重音的偏移，实现音乐语言的自然加速或减速，而非生硬地改变节拍器速度。 第五章：切分与律动的“空间感” 本章关注节奏音符在拍子网格中的精确“落点”，以及如何利用这些落点制造出空间错觉。 十六分音符层面的对位： 分析十六分音符内部如何被细分成三连音或五连音的模式，以及这些非标准分组如何创造出“摇摆”或“推进”的效果。 切分的物理学： 研究“提前”与“延迟”的演奏对听觉感受的影响。一个在强拍前一个极微小单位落下的音符，与一个在强拍后一个极微小单位落下的音符，如何分别体现“渴望”与“放松”的听觉特质。 节奏性的色彩： 探讨特定节奏模式（如波萨诺瓦的Clave或特定放克节奏的“空隙”）如何被内化为一种与和声色彩相匹配的听觉身份。 第六章：节奏的即兴与发展策略 本章将理论应用于演奏，重点是培养即兴时的节奏自主性。 节奏动机的提炼与变形： 教授如何从一个简单的节奏片段（Motif）出发，通过拉伸、压缩、反向（Retrograde）以及节奏置换（Rhythmic Displacement）等手法，生成复杂且连贯的即兴段落。 基于和声的节奏密度控制： 讲解在和弦进行中，如何根据和声的紧张程度（如在高度不稳定的和弦上增加节奏密度，在解决和弦上释放节奏空间）来控制信息量。 非线性叙事： 鼓励学习者跳出“一音对一拍”的线性思维，尝试在即兴中创造出多重节奏层次的内部对话，从而使演奏更具对话性和层次感。 本书适合具备基础乐理知识，并寻求突破传统技法限制，将和声分析转化为即兴直觉和作曲创新的严肃音乐人。它要求读者主动思考，将理论深度转化为演奏的“说话”能力。

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**音乐理论的坚实基础，为我的学习之路打下烙印** 作为一名对音乐充满渴望的学习者，我一直深知扎实的理论基础的重要性。这本书无疑为我提供了这样一个坚实的地基。它并没有将理论知识枯燥地罗列出来，而是将各种乐理概念巧妙地融入到实际的音乐练习和分析中。从音程、音阶到调式、转调，这本书都进行了详细而系统的讲解，并且配以大量的范例，让我能够通过直观的感受来理解抽象的理论。我尤其喜欢书中关于“乐句”和“乐段”的分析，它让我能够理解音乐是如何被组织成一个个有意义的结构，以及这些结构是如何影响听众的感受的。这本书也让我学会了如何更有效地分析他人的音乐作品，不再只是被动地接受，而是能够主动地去理解其背后的创作思路和技术运用。掌握了这些基础理论，我感觉自己仿佛拥有了一副透视音乐的眼镜，能够更深刻地理解音乐的内在逻辑，也为我未来更深入的学习和创作奠定了坚实的基础。

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**编曲的秘密武器，让我的作品焕发新生** 我一直觉得自己的编曲能力是短板，虽然能写出一些旋律，但到了为歌曲添加配器和层次的时候，就显得捉襟见肘，总觉得听起来不够“专业”。这本书在这方面给予了我巨大的帮助，它详细地讲解了不同乐器在编曲中的作用，以及如何通过它们之间的配合来营造出不同的氛围和质感。书中的一些编排技巧，比如如何巧妙运用低音线条来支撑旋律，如何通过打击乐的节奏变化来增加律动感，以及如何使用和声来丰富色彩，都让我受益匪浅。我尝试着按照书中的建议，为我之前写的一首未完成的歌曲重新编排，结果令人惊喜。原本有些空洞的伴奏，变得充实而有力量，主旋律也仿佛被赋予了新的生命。我发现，原来编曲不仅仅是将不同的乐器堆砌在一起，而是一个需要细致思考和精心设计的艺术。这本书让我明白了，即使是很简单的旋律，通过恰当的编曲，也能变得非常出色。它也让我更加理解了不同风格音乐的编曲特点，学会了如何根据歌曲的情感来选择合适的乐器和编排方式。

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**和声的奇妙之旅，打破了我创作的瓶颈** 在学习音乐的过程中，和声一直是我觉得最令人头疼的部分。虽然知道一些基本的和弦，但如何将它们运用得巧妙，如何通过和声的变化来表达更丰富的情感，对我来说一直是困扰。这本书就像一位耐心而渊博的导师，它用清晰易懂的语言，结合丰富的乐谱示例，一点点地揭示了和声的奥秘。我特别喜欢书中对“功能和声”的讲解，它让我理解了为什么某些和弦连接听起来会如此和谐，以及如何利用和声的“张力”和“解决”来引导听众的情绪。通过练习书中的和声练习，我开始能够更自信地在创作中尝试各种和弦进行，不再害怕因为和声的错误而破坏歌曲的整体感觉。这本书也让我明白了，和声不仅仅是音符的叠加，更是一种情感的表达方式。我开始尝试用不同的和声来衬托同一段旋律，发现即使旋律不变，不同的和声也能带来截然不同的感受，有时是忧伤，有时是明亮，有时是充满希望。这让我对音乐的理解上升了一个新的维度。

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**音乐的启蒙，指引我踏上创作的征途** 接触到这本书，就像是一扇突然打开的新世界的大门。我一直以来都对音乐充满热情，但总是感觉缺少一个明确的方向，很多时候只是凭着感觉在摸索。这本书就像是为我量身定制的指南针，它没有上来就灌输晦涩的理论，而是用一种非常直观、循序渐进的方式，将音乐的各个方面层层剥开。我尤其喜欢其中关于旋律构建的部分，那些分析不同乐句如何相互呼应、如何产生情绪张力的例子，让我豁然开朗。以前我写出来的旋律总觉得有些单调，缺乏生命力，但通过学习书中的方法，我开始能够更有意识地去设计旋律的起伏和走向，让它们听起来更加动人。而且，这本书的练习设计非常巧妙，它们不是枯燥的重复，而是能切实地帮助你将学到的概念内化，并在实际创作中得到应用。我尝试着将书中的一些和弦进行套路运用到自己的歌曲中，惊喜地发现，原本平淡的旋律瞬间变得饱满而富有层次感。更重要的是，它培养了我一种“解构”音乐的能力，让我能够从别人的作品中学习到更多，而不仅仅是停留在“好听”的层面。

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**节奏的精髓，让我的音乐更具感染力** 一直以来，我都觉得自己的音乐节奏感有些模糊，虽然能演奏出音符，但总感觉少了那种让人忍不住跟着摇摆的律动。这本书在节奏方面给了我非常大的启发。它深入浅出地讲解了各种节奏型，以及如何通过细微的节奏变化来营造出不同的风格和情绪。我特别欣赏书中关于“切分音”和“摇摆节奏”的讲解，这些技巧的掌握，让我的演奏和创作立刻变得更加生动和有趣。以前我总觉得节奏就是把音符放到准确的位置，但这本书让我明白，节奏本身就是一种表达，它可以是强劲有力的，也可以是轻盈跳跃的，还可以是沉稳内敛的。我开始尝试着在练习中加入一些书中的节奏变化，发现即使是很简单的旋律，只要加上恰当的节奏，立刻就变得更加吸引人。它也让我意识到，在编曲中，打击乐的运用至关重要，不同的打击乐器和节奏组合，能够为歌曲注入灵魂。我现在对节奏的理解，已经远远超过了最初的认知，也让我的音乐作品有了更大的进步。

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