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出版者:

作者:Downing, Doug

出品人:

页数:87

译者:

出版时间:

价格:$ 14.63

装帧:

isbn号码:9781423422792

丛书系列:

图书标签:

• 音乐教学
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探索音乐的无限可能：一本关于音乐理论与实践的深度指南 本书旨在为所有对音乐抱有热情、渴望系统学习音乐理论与实践的读者提供一本全面、深入且极具实践指导意义的参考书。我们相信，音乐不仅是一种艺术表达，更是一套可以被理解、掌握和运用的系统性知识体系。无论是初学者渴望打下坚实的基础，还是有经验的音乐人希望拓宽视野、精进技艺，本书都将成为您值得信赖的伙伴。 本书的结构设计经过精心规划，确保知识点的逻辑性和连贯性，引导读者循序渐进地建立起对音乐世界的完整认知。我们摒弃了枯燥的学术说教，转而采用大量生动的音乐实例、清晰的图表分析以及可操作的练习，使复杂的概念变得直观易懂。 第一部分：音乐的基石——听觉与基础概念的构建 在本书的开篇，我们将带领读者进入音乐的基本元素世界。我们不会仅仅停留在定义上，而是着重于培养读者的“音乐耳朵”。 1. 声音的本质与音乐的元素： 我们将从物理声学的基础概念出发，探讨音高、音色、强度和时值的物理基础，并将其转化为音乐语言中的音符、八度、半音与全音。详细解析调式（Major and Minor）的内在结构及其带来的情感色彩差异。 2. 节奏与节拍的律动： 节奏是音乐的骨架。本部分将深入剖析拍号（Time Signatures）的含义与应用，从最简单的二拍子、三拍子到复杂的复合拍子，指导读者如何准确地感知和演奏不同的律动。我们将探讨附点、休止符以及切分音（Syncopation）在创造音乐张力中的关键作用。 3. 记谱法的精通： 清晰的阅读和书写能力是交流的桥梁。除了标准的五线谱阅读，本书还会详尽介绍各种变音记号、演奏法记号以及表情术语的规范用法，确保读者能够准确无误地解读任何一份乐谱。 第二部分：和声的逻辑——构建色彩与张力 和声是音乐的血液，赋予旋律以深度和广度。这一部分是本书的核心之一，重点在于揭示和声进行背后的逻辑和美学原理。 1. 三和弦的构建与功能： 从最基础的大三和弦、小三和弦开始，系统讲解如何构建和识别调内外的基础和弦。我们将详细区分主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）的功能性，这是理解西方音乐“解决”（Resolution）过程的关键。 2. 七和弦的深化应用： 七和弦（Seventh Chords）的引入极大地丰富了音乐的表现力。本书将详细分析属七和弦、导和弦（Leading Tone Seventh）以及其他九和弦、十一和弦的特性和连接规则，教授如何运用它们来制造色彩变化和导向性。 3. 调性转换与和声进行： 调性转换（Modulation）是赋予乐曲宏大结构的关键技术。我们将教授多种实用的转调方法，包括常用的经过和弦转调、关系调转调，并分析经典曲目中转调的结构作用。此外，非功能性和声（Non-functional Harmony）的初步探索也将为进阶学习打下基础。 第三部分：旋律的雕琢——线条的艺术 旋律是音乐最直接的情感载体。本书将探讨如何创作和分析具有生命力的旋律线。 1. 动机与乐句的发展： 音乐的最小单位——动机（Motif）——如何通过重复、移位、增值、减值等手法发展成完整的乐句（Phrase）？本书提供了大量的分析案例，展示如何从一个简单的音型中衍生出复杂而连贯的旋律结构。 2. 调性与音阶的运用： 除了大调和小调，本书还将深入研究自然音阶、和声小调、旋律小调以及各种民族调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式）的音响特征，指导读者在创作和即兴演奏中有效地运用这些音阶色彩。 3. 旋律与节奏的互动： 旋律的成功往往取决于其与底层节奏的巧妙配合。我们将分析如何利用节奏的起伏、停顿和重音来塑造旋律的高潮和低谷，避免旋律线条的平淡无奇。 第四部分：曲式结构与织体分析 理解音乐的宏观蓝图，需要掌握曲式结构（Form）的知识。 1. 基础曲式结构： 从最简单的二部曲式（Binary）到三部曲式（Ternary），再到回旋曲式（Rondo）和奏鸣曲式（Sonata Form）的基本骨架，我们将用具体的音乐实例解析每种曲式的构成逻辑和功能。 2. 赋格与复调思维的入门： 对于追求更高层次理解的读者，本书提供了对复调音乐（Polyphony）的初步介绍，特别是巴赫作品中模仿（Imitation）与对位（Counterpoint）的基本原则，帮助读者理解多声部音乐的独立线条是如何和谐共存的。 3. 织体（Texture）的探讨： 单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony）和复调音乐（Polyphony）在不同历史时期的应用和效果差异，以及如何通过改变织体来实现音乐的对比和变化。 第五部分：实践与应用——连接理论与演奏 理论知识的价值在于其指导实践的能力。本书的最后部分致力于弥合书本知识与实际演奏、创作之间的鸿沟。 1. 视唱练耳的系统训练法： 提供了科学的练习方法，不仅限于识别音高和节奏，更注重复杂和声进行、节奏型以及调性转换的即时反应能力训练。 2. 即兴演奏的思维路径： 针对希望进行即兴创作的音乐人，我们将介绍基于和弦音阶、和弦内音扩展以及“Chord-Scale Theory”的实用即兴框架，并提供大量练习材料。 3. 编曲与配器的初步概念： 简要介绍不同乐器组的音域、音色特点，以及如何根据和声和旋律需求进行合理的乐器分配，帮助读者将头脑中的音乐构想转化为清晰的配器方案。 本书力求成为一本历久弥新的工具书，无论您的背景如何，只要您愿意投入时间和精力，跟随本书的引导，您将能够建立起一套坚实、灵活且富有创造力的音乐知识体系，真正理解音乐的“为什么”与“如何做”。

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如果要用一个词来形容阅读这本书的感受，那一定是“豁然开朗”。我之前尝试过好几种不同的音乐学习方法，包括线上课程和纸质教材，但总感觉在某个关键点上卡住了，似乎总有一层薄雾笼罩着核心的奥秘。这本书的作者似乎深谙学习者的这种“瓶颈期”的痛苦。它在处理复杂概念时，总是能提供一个**全新的视角**来重新审视问题。比如，它对“调式”的解释，不再是死记硬背音阶的排列，而是将其描述为不同的“色彩”和“情绪倾向”，这极大地解放了我的想象力。这种哲学层面的引导，比单纯的技巧传授要宝贵得多。此外，这本书的案例选择非常具有启发性，它挑选的例子既有经典作品的精妙片段，也有当代流行音乐中常用的和声进行，这种跨越时代的对话，让学习过程变得非常立体和有趣。阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是在进行一场关于音乐本质的深刻对话，它点燃了我对音乐创作更深层次的好奇心和探索欲，让我看到了音乐世界的更广阔的可能性。

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这本《快速入门音乐教学》简直是为我量身定做的！我一直对音乐理论有点畏惧，觉得那些复杂的术语和枯燥的练习让人望而却步。但是这本书完全颠覆了我的认知。它的讲解方式极其生动有趣，仿佛有一位经验丰富的老师坐在我身边，用最平易近人的语言引导我一步步深入。特别是关于和声学的那一部分，作者巧妙地运用了生活中的例子来解释抽象的概念，让我一下子就抓住了核心要点。我以前在其他教材上看到那些密密麻麻的五线谱和复杂的推导过程就头疼，但这本书的排版清晰明了，图文并茂，让人在阅读的过程中充满了探索的乐趣。我尤其喜欢它提供的那些即学即用的练习，不是那种机械重复的操练，而是真正能够激发创造力和兴趣的小项目。读完前几章，我就已经能自己尝试为简单的旋律配和弦了，这种即时的成就感是其他任何教材都没给我的。它不是那种高高在上的学院派理论书，而是一本真正能把“音乐制作”的乐趣带到普通人面前的实用指南，我已经迫不及待想把它推荐给所有想学音乐却又不知从何下手的亲朋好友了！

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这本书的**实用性**简直达到了令人发指的程度，我几乎可以把它当作我的“音乐工作手册”来用。我一直对编曲和制作感兴趣，但苦于找不到一个能快速对接实际操作的理论框架。很多教材会花大量时间讨论巴赫时代的对位法，但这对我现在的需求帮助不大。《快速入门音乐教学》则完全聚焦于现代音乐创作中最核心的工具和技巧。它用一种非常“工程师”的视角来解析音乐结构，比如如何利用特定的和弦进行来营造情绪张力，或者如何构建一个抓耳的旋律动机。书中提供的乐谱示例都非常现代化，而且配套的音频资源质量极高，让我能立即听到理论在真实录音中是如何运作的。我最欣赏的是它没有回避任何关于“技术瓶颈”的问题，比如混音的基本原则、DAW（数字音频工作站）中的实用插件设置，它都以一种非常简洁明了的方式呈现出来。自从开始实践书中的一些“小窍门”后，我自己的作品质量肉眼可见地提升了，不再是那种零散的、不成体系的摸索，而是有了一套清晰的创作流程和标准。

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坦白说，我购买这本书的时候心里是抱着一丝怀疑的，因为市面上号称“快速入门”的教材太多了，很多都是挂羊头卖狗肉，要么内容肤浅得让人发笑，要么就是把难度极高的东西胡乱简化，反而造成误导。然而，这本书展现出的专业性和系统性完全超出了我的预期。它在保证“快速”推进度的同时，对基础概念的扎实度有着近乎偏执的追求。举个例子，它在讲解节奏和节拍时，不是简单地告诉读者“数一二三四”，而是深入剖析了不同文化背景下的节奏型差异，并提供了大量的听觉训练材料辅助理解。这种深度融合了理论与实践的教学方法，让我的音乐感得到了质的飞跃。我原本以为这本书会牺牲掉对“听力训练”的重视，毕竟篇幅有限，但出乎意料的是，书中花了大量篇幅介绍如何训练耳朵去分辨音高、音色和织体，这部分内容对我这个科班背景略显薄弱的学习者来说，简直是雪中送炭。它的结构严谨，知识点层层递进，让你在不知不觉中，就已经完成了从初级到中级门槛的跨越，感觉自己像在攀登一座设计精良的知识阶梯，每一步都走得稳健而有力。

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这本书的装帧和设计本身就充满了对读者的尊重。纸张的质感非常好，印刷清晰，即便是复杂的乐理图表也丝毫不会让人感到费眼。更值得称赞的是，它在细节处流露出的“教学智慧”。比如，每章节末尾都会有一个“自我检测区”，但这些检测并不是简单的问答，而是要求读者用所学知识去“创造”或“分析”一段新的音乐材料，这种主动学习的模式极大地增强了知识的内化。我注意到，作者在引用其他理论或大师观点时，总是会加上自己的独到见解和批判性思考，这使得这本书不仅仅是一个知识的搬运工，更像是一位智慧的导师在与我们进行思想的碰撞。我特别喜欢它对于“如何打破规则”的探讨，它首先教会你坚实的基础，然后才鼓励你超越这些基础，去发展属于自己的声音。这种既严谨又充满自由精神的教学态度，让我对这本书产生了极强的信赖感。它不是一套让你被动接受的教条，而是一套激发你成为独立思考的音乐人的工具箱。我已经把它放在了书架最容易拿到的位置，准备进行长期的、反复的研习。

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