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出版者:

作者:Gelling, Peter

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页数:0

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出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9781864691320

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• 唱歌
• 初学者
• 声乐入门
• 音乐
• 技巧
• 练习
• 发声
• 呼吸
• 音准
• 歌曲

音乐理论的基石：和声学入门 深入探索音乐的骨架，为你的创作和演奏打下坚实基础 目标读者： 所有对音乐创作、编曲、即兴演奏或深入理解音乐结构感兴趣的音乐学习者。无论你是自学成才的吉他手，严肃的古典钢琴学生，还是渴望突破瓶颈的词曲作者，本书都将为你揭示隐藏在优美旋律背后的逻辑。 书籍概述： 《和声学入门》并非一本枯燥的理论手册，而是一份详尽的实践指南，旨在帮助读者从根本上理解和声是如何构建音乐的“骨架”和“情感张力”。本书将带领读者穿越西方音乐传统中最核心的和声语言，从最基础的音程、音级功能，逐步深入到复杂的和弦连接、调式转换和非功能性和声的运用。 我们深知，真正的理解源于实践。因此，本书的每一个章节都紧密结合了听觉训练和实际的音乐片段分析，确保读者不仅“知道”规则，更能“听出”规则，并能在自己的作品中熟练运用。 --- 第一部分：基础构建——音、调与和弦的分子结构 本部分是构建所有高级和声知识的基石。我们将首先梳理听觉的敏感度，并精确定义我们用来构建音乐的最小元素。 第一章：听觉训练与音高感知 音程的精确识别： 不仅仅是背诵“大三度”或“增四度”，而是通过听觉练习，使这些音程在你的脑海中具有清晰的音色特征。重点训练听辨“易位”音程（如增三度和减六度）的技巧。 调性中心的确立： 理解主音（Tonic）是如何像磁铁一样吸引和稳定其他音高。通过聆听动机和乐句的结束，训练分辨调性中心的本能。 节拍与节奏的内化： 节奏是和声的脉搏。我们探讨如何将复杂的节奏模式（如复节奏）与和声的进行同步感知。 第二章：三和弦的形态与功能 构建原初的和谐： 详细解析大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦的构成原理，以及它们各自带来的情绪色彩（例如，大三和弦的稳定与小三和弦的忧郁）。 和弦转位与低音线的流动： 转位如何改变和弦的“重量感”和低音线的走向。我们将学习如何利用转位来创造平滑、连贯的贝斯线，避免僵硬的“和弦堆叠”。 功能和声的初探： 引入最核心的三个功能：主功能（Tonic, T）、属功能（Dominant, D）和下属功能（Subdominant, SD）。理解它们之间的相互作用，是理解古典和现代音乐进行的关键。 第三章：七和弦的色彩与张力 主导七和弦（Dominant Seventh）： 这是西方音乐中最具驱动力的和弦。我们将深入研究七音（导音与七音）如何产生解决到主和弦的强烈需求，以及“导七”在不同调性中的应用。 七和弦的类型与情感渗透： 探讨大小七和弦、小七和弦、半减七和弦（$mathrm{ii}^{emptyset 7}$）和减七和弦（$mathrm{vii}^{circ 7}$）的精确音响效果，以及它们在不同时期音乐（从巴洛克到爵士乐）中的典型用途。 --- 第二部分：和声的语法——进行、连接与模指 一旦掌握了和弦的“单词”，本部分将教授如何将它们组织成具有意义的“句子”和“段落”。 第四章：和弦的连接规律与行进路线 强进行与弱进行： 学习和弦连接中的“重力原则”。哪些进行听起来稳定、自然（如 T-SD-D-T），哪些进行则充满戏剧性或不和谐感。 导音的解决与避免： 严格探讨导音（Leading Tone）必须解决到主音的规则，以及在何种情况下（如使用属七和弦时）需要特别注意。 序列进行（Sequences）： 掌握重复特定和声模式的技巧，用于扩展乐句、增加音乐的驱动力，无论是经典的“帕赫贝尔进行”还是更现代的循环。 第五章：调性与和弦外音 属到属的技巧（Secondary Dominants）： 这是扩展和声色彩、暂时导向新调性的关键工具。我们将学习如何识别、构建和运用“导向任一和弦的属七和弦”（如 $mathrm{V}/mathrm{IV}$ 或 $mathrm{V}/mathrm{vi}$）。 导向关系调： 掌握转调的“捷径”——从一个调性平稳过渡到其关系大调或小调，例如从 C 大调到 G 大调的自然路径。 和弦外音的精妙点缀： 引入经过音、邻音、倚留音（Suspensions）和预先音。理解这些“不和谐”的音符如何被精心编排，以增强和声的表达力，而不是破坏结构。 第六章：副属和弦与变异和弦 副属和弦（Secondary Dominants 的延伸）： 深入探讨对非功能性三和弦进行“短暂支配”的属和弦。 和弦的替代与替换： 学习如何用听感相近的和弦来替换原有的功能和弦，例如用 $mathrm{V}/mathrm{V}$ 替代 $mathrm{V}$，或使用同音异名和弦（如 $mathrm{F}sharp$ 减七和弦在 $mathrm{G}$ 大调中的复杂作用）。 --- 第三部分：和声的自由与拓展——调式、非功能性与现代视野 在掌握了严格的功能和声之后，本书将引导读者走出“既定轨道”，探索更广阔的和声领域，这些技巧在浪漫主义晚期、印象派以及爵士乐中尤为重要。 第七章：调式和声（Modal Harmony） 从大调到调式： 彻底区分大调音阶与七个自然调式（如多利安、弗里吉亚、利迪亚等）的音高结构。 调式色彩的提取： 分析每个调式最独特的音（如利迪亚的升四音或多利安的小三音），并学习如何仅使用这些音来构建具有特定调式色彩的和弦进行，而不依赖强烈的属导张力。 第八章：非功能性和声与色彩的运用 增六和弦家族： 深入解析意大利式、法国式和德国式的增六和弦（Augmented Sixth Chords）。理解它们强大的半音倾向性，以及它们如何作为一种强烈的、非传统的“强力属功能”前奏。 减七和弦的多重身份： 揭示减七和弦作为“多重属七和弦”的本质，即一个减七和弦可以被视为四个不同调性的属七和弦的等价变体，这为快速转调提供了强大的工具。 音色驱动的和声： 探索如“布鲁斯和弦”（Blues Harmony）、“五度圈外的和声”（Chromatic Mediants）等，这些和弦侧重于音色冲击而非严格的功能解决。 第九章：低音线的独立性与织体设计 对位法的视角： 尽管是和声入门，但我们不能忽视对位法。学习如何设计出既符合和声要求，又具有独立旋律线条的低音线，这是区分平庸与杰出编曲的关键。 和弦的声部进行优化： 讨论如何在四部和声中处理声部的平行五度/八度禁忌，以及如何在保持和声清晰度的前提下，实现声部的平稳移动（如保持音、跨越）。 配器与音域的影响： 简要探讨不同的乐器组合（如弦乐四重奏、钢琴）如何影响和弦的听感，即使音高完全相同。 --- 学习成果： 完成本书的学习后，你将能够： 1. 听辨和分析： 准确识别复杂的和弦，并能分析出任何一段音乐（从巴赫到披头士）的和声进行逻辑。 2. 创作与编曲： 能够有意识地构建具有明确情感目的的和声进行，避免陈词滥调，并熟练运用转调和色彩和弦来丰富你的音乐作品。 3. 即兴演奏： 理解和弦背后的功能张力，使你的即兴演奏不再是音符的堆砌，而是对和声语法的流畅对话。 本书的真正价值在于，它为你提供了理解音乐语言的“语法书”，让你能够自信地阅读、欣赏并最终书写属于你自己的音乐篇章。

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这本教材在排版和视觉呈现上，也暴露出了明显的缺陷，让人提不起学习的兴趣。整本书的色调非常单调，几乎全是黑白文字，章节之间的过渡生硬，缺乏必要的引导性图表或色彩区分来辅助记忆。很多重要的练习，居然是用一段冗长的文字来描述如何进行，而不是用清晰的五线谱或者简单的音符标记来配上节奏说明。我发现自己不得不经常停下来，在脑海中手动绘制出书上所描述的动作轨迹，这极大地打断了学习的流畅性。如果一本面向初学者的书，不能在视觉上给人以愉悦感和指引性，那么它的学习效率必然会大打折扣。我更倾向于那种图文并茂，甚至带有二维码链接到示范音频的教材，而不是这种厚重、古板的文字集合体。这本书的“内页设计”简直就像是上世纪八十年代的教科书，缺乏对现代读者阅读习惯的尊重。

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总的来说，这本书给我的感觉是“高开低走”。它似乎是为那些已经具备一定音乐基础，但希望从理论上深入研究发声机制的进阶学习者准备的，而不是定位明确的“Beginner Singing”。书中对音乐理论基础知识的默认程度非常高，比如对拍号、小节线的理解，它假定读者已经完全掌握了这些，这对于一个完全的新手来说，是一个巨大的认知门槛。此外，书中完全没有提到如何选择适合自己的歌曲来进行练习，也没有提供任何关于舞台表现力或情绪传达的指导，这使得整个学习过程显得非常机械化和脱离实际。如果你的目标是真正学会唱歌并享受它，这本书提供的工具箱里装的工具太专业化，也太少了，更多的是关于工具制造原理的说明书，而不是如何使用工具的说明书。我最终不得不放弃这本书，转而去寻找那些更注重实践和反馈的在线课程。

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我特意去看了看它关于“呼吸控制”的那一章，希望能找到一些能帮助我延长演唱时间的心得。结果发现，它对呼吸的讲解，更多是基于生理学角度的描述，比如肺活量如何计算，气流阻力是什么，但对于如何在演唱过程中保持气息的稳定输出，特别是面对长句时的技巧，它只是泛泛而谈。书中给出的练习，比如“腹式呼吸三分钟”，操作起来很容易，但坚持下去效果却微乎其微，因为没有配套的反馈机制来告诉我我的呼吸是否到位。我更希望看到的是一些循序渐进的练习，比如第一周练习吸气深度，第二周练习短促爆发，第三周练习长时平稳输送，但这本书把所有这些都混杂在一起，让初学者无从下手，不知道该从何处着手改进。读完这一章，我感觉自己像是刚上完一堂冗长的生理课，而非掌握了一项实用的歌唱技能。

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说实话，我花了将近一周的时间，试图从这本书里找到一些“立竿见影”的技巧，结果令人失望。书中对于音准的讲解，停留在“要学会倾听和模仿”的这种几乎是废话的层面上。它没有提供任何有效的、可量化的工具或方法来帮助我校准我的听觉和发声。举个例子，当提到高音技巧时，它只是模糊地建议“放松喉咙，想象声音是向上推送的”，这种描述对于一个完全没有经验的人来说，简直是形同虚设。我尝试着跟着书里的理论去感受自己的身体，结果反而因为过度关注那些抽象的感觉，导致发声更加僵硬和不自然。更让我感到沮丧的是，书中对流行乐或现代音乐中常见的发声方式几乎避而不谈，似乎它只承认一种古典或美声的“标准”发声法。对于目标是唱卡拉OK或者参加小型乐队的读者来说，这本书提供的内容显得过于僵化和脱节，根本无法解决实际演唱中遇到的具体问题，比如如何自然地过渡换声区，或者如何处理麦克风收音时的动态控制。

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这本号称入门级的声乐教材，拿到手的时候，我心里还是充满期待的。毕竟“Beginner Singing”这个名字听起来就非常友好，适合像我这样连音准都在朋友调侃范围内的纯小白。然而，读完前几章，我发现它更像是一本理论堆砌的词典，而不是一本能带你“开口唱”的实用指南。它花了大量的篇幅去解释声带的构造、气息的原理，这些概念本身是正确的，但对于一个只想知道如何唱准第一个音的初学者来说，实在太过晦涩和抽象。书中充斥着大量的专业术语，例如“胸腔共鸣点”、“横膈膜控制的深度解析”等等，每一个词汇都需要我停下来，再去查阅额外的资料才能勉强理解其大概含义。这种阅读体验，让我感觉自己不是在学唱歌，而是在啃一本高阶的生物学教材。说实话，如果编者想让读者立刻就能上手实践，他们应该提供更直观、更少文字依赖的图示或者练习步骤，而不是仅仅罗列下一堆学术名词，然后期待读者能自行领悟其中的奥秘。这本书的结构更偏向于学术研究的论文格式，而不是面向大众的教学手册，这极大地削弱了它的实用价值。

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