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出版者:Wallflower Press

作者:Eleftheria Thanouli

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2009-12-1

价格:GBP 62.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781906660109

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 电影
• 哲学
• 叙事学
• 历史
• Post-Classical Cinema
• Film History
• Cinema Studies
• Classical Cinema
• Modern Cinema
• Cinematic Form
• Movie Analysis
• Cinema Theory
• Cinematic Evolution

现代电影的兴起与革命：从默片时代到数字浪潮 一部深入剖析20世纪至今全球电影艺术、技术与文化演变轨迹的权威著作。 导言：光影的百年变迁 本书旨在提供一个全面而深入的视角，审视二十世纪初电影诞生以来，直至今日数字技术主导的全球电影景观所经历的根本性变革。我们聚焦于电影艺术如何挣脱技术束缚，发展出独特的叙事语言和视觉美学，并探讨这些演变如何与社会、政治及经济力量交织作用。本书将“现代电影”的定义锚定于声画同步技术普及之后，至互联网和流媒体平台彻底重塑发行格局的当代时期。 第一部分：声音与色彩的解放（1927-1950s） 本部分追溯了“有声电影”的引入（The Talkies）如何彻底颠覆了默片时代建立的视觉叙事传统，并如何塑造了早期好莱坞的“制片厂制度”（Studio System）。 一、从默片到声音的阵痛与机遇： 1927年《爵士乐之王》的问世标志着一个时代的终结与另一个时代的开始。分析声效的引入如何一度阻碍了电影的国际化流动性，以及早期导演们（如弗里茨·朗、鲁本·马莫利安）如何迅速掌握了声音作为叙事工具的潜力。探讨了声音如何强化了类型片（如歌舞片、黑色电影）的风格特征。 二、好莱坞的黄金时代与工业化生产： 深入研究了米高梅、派拉蒙等“五大”制片厂的运作模式。重点考察了垂直整合对电影制作、发行和放映的控制力，以及这种集中化如何催生了高度程式化、预算庞大的“明星制度”。分析了这一时期重要流派——西部片、犯罪片、浪漫喜剧——的成熟与定型。 三、欧洲艺术电影的觉醒： 在好莱坞工业化推进的同时，欧洲大陆的电影探索并未停歇。细致考察了德国表现主义（German Expressionism）对光影和心理空间的极端运用，以及法国印象主义（Impressionism）和超现实主义（Surrealism）对潜意识和梦境的探索。这些运动为后来的电影语言创新奠定了美学基础。 第二部分：挑战与新浪潮的冲击（1950s-1970s） 战后的社会动荡、电视的兴起以及对既有文化权威的反叛，促使全球电影界寻求更为个人化、更具挑战性的表达方式。 一、电影的危机与宽银幕的尝试： 面对电视的挑战，好莱坞试图通过技术创新来吸引观众重返影院。本书详细分析了宽银幕（CinemaScope, VistaVision）的引入及其对史诗叙事和视觉规模的影响。同时，审查制度（如美国的海斯法典）的松动，使得更深层次的社会议题得以浮现。 二、意大利新现实主义的遗产： 重点分析了罗伯托·罗西里尼、维托里奥·德·西卡等导演如何将镜头转向战后意大利的日常街景和普通民众，开创了一种去戏剧化、强调伦理困境的纪实美学，深刻影响了全球独立电影人。 三、法国新浪潮（Nouvelle Vague）的革命： 本书将“作者论”（Auteur Theory）的理论基础和实践成果进行深入剖析。阐述了特吕弗、戈达尔、夏布洛尔等影评人出身的导演如何通过跳切、手持摄影、直接对镜头说话等手法，颠覆了传统胶片叙事规范，强调导演的个人风格和对既有电影传统的批判性重构。 四、新好莱坞的崛起与反英雄叙事： 在1960年代末至1970年代初，美国电影经历了一次内部的“革命”。分析了科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯、卢卡斯等导演如何融合欧洲先锋电影的技巧和美国本土的类型片传统，创作出探讨越战后遗症、身份危机和道德模糊性的“反主流”作品。 第三部分：全球化、技术迭代与风格的混合（1980s-2000s） 随着冷战的结束、全球市场的开放以及计算机图形技术（CGI）的成熟，电影制作的规模和复杂性达到了前所未有的水平。 一、动作美学与视觉奇观的主导： 探讨了1980年代以来的动作片如何日益依赖复杂的特技和剪辑节奏，分析了约翰·麦克蒂尔南和詹姆斯·卡梅隆等导演如何定义了现代商业大片的视觉标准。 二、数字时代的曙光与特效的范式转移： 详细考察了从《终结者2》到《侏罗纪公园》等影片中CGI技术的里程碑式应用，以及这些技术如何改变了好莱坞对“不可能的场景”的设想，并对后期制作的权力结构产生了深远影响。 三、非好莱坞电影的崛起与身份政治： 聚焦于亚洲电影（特别是香港的动作片、日本的动画和韩国新浪潮的复兴）以及拉丁美洲电影在国际电影节上的日益重要性。分析了这些电影如何通过独特的文化视角和叙事策略，挑战了好莱坞的文化霸权。 四、独立电影的复兴与分流： 聚焦于1980年代末期至1990年代，以萨姆·艾梅、昆汀·塔伦蒂诺为代表的独立电影人如何在有限的资源下，通过锐利的对话和对类型片的解构，开辟出一条与主流商业片并行的新路径。 结语：无限可能与未来方向 本部分总结了现代电影作为一种跨国界、多媒介的艺术形式所面临的挑战——包括对IP的过度依赖、院线发行模式的衰退，以及流媒体平台对内容消费习惯的重塑。展望了新兴技术（如虚拟现实、交互式叙事）对未来电影语言可能产生的颠覆性影响，并重申了电影艺术在记录人类经验和挑战既有观念方面的持久价值。 本书旨在为学者、电影爱好者和所有关注视觉文化发展的人士，提供一个既有历史深度又不失前瞻视野的分析框架。

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如果用一个词来形容这本书给我的感觉，那就是“颠覆性”。我过去对“无声电影时代”的理解，很大程度上是基于少数几部经典杰作的后世光环，总觉得那是一个技术不成熟、叙事相对简单的过渡阶段。然而，这本书像一把精准的手术刀，剥开了那些被时间美化的外壳，展现出那个时代电影制作的野蛮生长和无所不能的实验精神。作者对“早期特效”的处理方式尤其精彩，他们没有将其视为落后的视觉奇观，而是视为一种积极的、主动的对观看机制的干预。书中详尽地分析了如何利用双重曝光、微缩模型以及镜头的叠印技术，来构造出既符合当时的物理逻辑，又超越了日常经验的“梦境空间”。最让我印象深刻的是对“早期喜剧”的研究，它揭示了查理·卓别林或巴斯特·基顿的成功，远不止于肢体幽默，而是建立在一套极其精密的、关于现代城市空间和劳动异化的哲学观察之上。阅读此书，就像重新踏入了一个充满未被规范的创造力的矿场，每一页都闪烁着火花，让人忍不住想要拿起摄像机，去重现那些被遗忘的、大胆的视觉构想。

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我花费了很长时间才读完这本书，原因是我不得不经常停下来，深思作者提出的每一个论断，因为它们挑战了我许多根深蒂固的“电影常识”。这本书的叙事线索不像是一条直线，而更像是一张巨大的、相互连接的网，将早期电影的各个方面——从片厂管理到审查制度，从演员的劳工权益到电影发行的跨国资本流动——都编织在了一起。其中关于早期电影中性别角色的描绘和解构的部分，尤为尖锐和富有洞察力。作者没有简单地批判父权制的影像投射，而是深入挖掘了女性扮演的“技术角色”，比如那些早期的女性剪辑师和制片人，她们如何在幕后利用电影的媒介特性，悄悄地嵌入了对传统叙事的微小颠覆。这种对“看不见的工人”的致敬，是整本书中非常宝贵的一块拼图。总而言之，这不是一本用来快速浏览的书籍，它更像是一座需要你投入时间去攀登和探索的知识高地，每一次驻足，都能获得新的视野，它真正做到了拓宽我们对电影起源的理解边界。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，那种厚重的质感和古朴的字体排版，初拿到手的时候就让人心生敬畏。我原本以为会是一本专注于某个特定时期或流派的枯燥学术专著，但它显然超越了我的预期。作者在开篇就搭建了一个宏大而迷人的叙事框架，将早期电影的萌芽状态，如何与工业革命的浪潮、新兴的民族国家叙事以及早期大众文化的兴起紧密地交织在一起，描绘得淋漓尽致。特别是关于梅里爱那些近乎炼金术般的视觉实验，书中没有用学院派的术语堆砌，而是用一种充满热情的笔调，解读了那些魔术般的技巧如何重塑了观众对“真实”的认知。更让我惊喜的是，它并没有止步于欧洲和北美，而是深入探讨了早期亚洲电影制作中心，如日本和印度的独特发展路径，比如印度早期“达达萨赫布·法尔克”的努力，被赋予了近乎史诗般的描绘。这本书的资料搜集之详实令人咋舌，引用了大量我从未见过的早期报刊评论和电影放映商的内部信函，让那些早已消逝的电影体验仿佛又在我眼前重现，那种沉浸感，是近年来阅读电影史著作中少有的体验。它成功地将技术革新、社会变迁和艺术表达熔于一炉，提供了一个理解电影诞生之初复杂性的多维度视角。

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坦白说，阅读这本书的过程中，我时常需要停下来，去搜索引擎验证一些名词和人名，这并不是因为它写得晦涩难懂，恰恰相反，是作者的涉猎范围太广、太精深了，导致它像一条信息密度极高的河流。我特别欣赏作者在处理早期电影的“民族性”问题时采取的辩证态度。他们没有简单地将早期的电影运动视为对单一西方模型的简单模仿或反抗，而是细致入微地剖析了不同地域的文化土壤如何吸收、改造乃至颠覆了最初的电影语言。例如，书中对苏俄蒙太奇学派的分析，不再仅仅停留在爱森斯坦的“知性”理论上，而是将其与当时俄国社会结构的剧烈动荡和民众识字率的提升需求紧密挂钩，阐述了为何那样的剪辑手法会成为那个时代最有效的沟通工具。这种社会学和美学分析的深度结合，使得全书的论证具有极强的说服力。美中不足的是，某些章节的论述略显跳跃，从一个国家跳到另一个国家时，缺乏足够的过渡性语言，对于初次接触这些议题的读者来说，可能会感到有些措手不及，需要读者自行在脑海中构建完整的脉络，但这种挑战性本身也构成了它区别于通俗读物的魅力所在。

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这本书的学术规范性达到了极高的水准，脚注和尾注的密度几乎可以和某些德语哲学著作媲美，显示了作者深厚的文献功底。然而，尽管它拥有如此严谨的学术骨架，其行文风格却出奇地具有一种近乎文学化的流畅感，这在同类研究中是相当罕见的。作者非常善于运用比喻和类比，使得复杂的电影理论概念变得更容易被消化。例如，在讨论早期电影院的社会功能时，他们将电影院比作是“城市皮肤上的临时伤口”，一个短暂聚合了不同阶层人群进行集体情感宣泄的公共空间，这个比喻非常生动地捕捉到了那种混合了刺激、道德焦虑与娱乐的复杂氛围。我尤其欣赏它对于“电影观众”身份构建的探讨，认为早期的观众并非被动的接受者，而是在与屏幕上不断变化的、有时是粗糙的影像进行积极的、充满协商的互动。这种强调能动性的视角，为我们重新审视“技术决定论”提供了一个有力的批判工具，让我们不再将早期电影的缺陷归咎于技术限制，而是将其视为一种主动的选择。

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