具体描述
Indispensable reading for both art lovers and students, Art Theory, 2nd Edition explores Western thought about art from ancient times to the post-modern period. Wide-ranging and exceptionally balanced in its analysis, Art History relates theory to the practice as well as to the intellectual and cultural-historical currents of each period.
This new edition expands the original to include more indepth coverage of contemporary art.
Newly updated bibliography and suggestions for further reading
Six chapters covering the major periods of Western art history: Antiquity and the Middle Ages, the early modern period (Renaissance and Baroque), the Enlightenment, the nineteenth century, early twentieth-century modernism, and postmodernism.
Geared to the needs of the general reader and beginning students
作者简介
目录信息
读后感
早先的期待非常高，大致浏览过两遍，这次做笔记怎么也做不下去，句子不通可以不计较，一些关键的术语的翻译也没有到位，而之前之所以如此执着地想读，是因为作者的视角几乎是文学的，也许这也决定了他的某种程度上的泛泛而谈。 第一章 古代和中世纪 阿喀琉斯之盾 古希腊罗马唯...
评分早先的期待非常高，大致浏览过两遍，这次做笔记怎么也做不下去，句子不通可以不计较，一些关键的术语的翻译也没有到位，而之前之所以如此执着地想读，是因为作者的视角几乎是文学的，也许这也决定了他的某种程度上的泛泛而谈。 第一章 古代和中世纪 阿喀琉斯之盾 古希腊罗马唯...
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评分早先的期待非常高，大致浏览过两遍，这次做笔记怎么也做不下去，句子不通可以不计较，一些关键的术语的翻译也没有到位，而之前之所以如此执着地想读，是因为作者的视角几乎是文学的，也许这也决定了他的某种程度上的泛泛而谈。 第一章 古代和中世纪 阿喀琉斯之盾 古希腊罗马唯...
用户评价
我最近读的这本《身体的缺席：行动中的美学》，可以说是艺术理论中的一股清流，因为它将核心论点完全集中在了“非在场性”和“遗留物”之上。这本书的观点非常尖锐：真正的艺术价值，往往不在于艺术家或作品的“存在”瞬间，而在于他们离开后留下的痕迹或未完成的意图。它深入探讨了表演艺术中“行为结束”后，观众记忆中残存的能量如何转化为一种新的本体论意义。作者大量分析了档案、残片、以及未被展示的草稿，认为这些“缺席之物”比完成品更具阐释的张力。例如，它对某个著名先锋派艺术家的排练录像进行了详尽的考察，指出排练中的错误、犹豫和临时的决定，反而更清晰地揭示了艺术家创作时的“认识论困境”。这本书的写作风格带着一种后设的冷静，它拒绝宏大叙事，而是沉浸在细节的“空洞”之中，试图从中发掘出新的叙事线索。它促使我反思：我们今天所膜拜的艺术经典，有多少是基于对创作者“天才神话”的追捧，又有多少是真正基于对“物质证据”的审视？
评分我最近接触了一本关于“材料哲学”的著作，它彻底颠覆了我对艺术媒介的传统认知。这本书的独特之处在于，它完全绕开了“形式”和“主题”这些老生常谈的话题，而是将焦点放在了构成艺术品的那些最基础的物质本身——颜料的化学成分、画布的纤维结构、泥土的颗粒大小，甚至是雕塑用金属的氧化过程。作者提出了一个激进的观点：材料本身就承载着历史和潜能，它们在被艺术家激活之前，就已经在自然界中经历了漫长的“在场”。书中用极富画面感的笔触描述了青铜如何因氧化而生成铜绿，这种缓慢的、不可逆转的化学反应，本身就是一种艺术时间性的体现。与那种强调艺术家主导性的理论不同，这本书似乎更偏爱那些顺应材料自身特性的创作方式，比如在建筑中，它探讨了混凝土在脱模瞬间所展现出的那种粗粝的、未经修饰的“物质自述”。阅读过程中，我不断地被提醒，我们所赞美的“艺术性”，其实很大程度上是对材料固有属性的“发现”而非“创造”。这本书的阅读体验非常沉静，像是在和物质进行一场缓慢而深刻的对话，非常适合那些对工艺和本源思考较深的读者。
评分这本我拿到的书，讲的竟然是“声音景观与空间感知”的关系，真是太出乎意料了。它完全避开了音乐理论的范畴，而是将听觉体验置于一个纯粹的空间维度去考量。作者巧妙地将声学物理学与建筑设计结合起来，分析了诸如回音、混响、声音的衰减率是如何定义我们对一个物理空间的心理印象的。比如，在分析一处中世纪大教堂时，它不再关注壁画或雕塑，而是着重描写了圣歌在穹顶上空折射、停留、最终消散的路径，以及这种漫长的声波运动如何营造出一种“神圣的尺度感”。书里有一章节专门讨论了城市噪音对现代人“听觉地图”的重塑，指出我们对“家”或“安全地带”的判断，往往是通过背景噪音的特定频率和节奏来建立的。阅读这本书就像给耳朵做了一次深度的SPA，它让我开始留意日常生活中那些被我们习惯性过滤掉的声音细节，比如冰箱的低频嗡鸣、远方火车经过时的震动，这些“背景噪音”原来才是构建我们现实体验的基石。文风充满了一种感官的丰富性，文字的排列仿佛也在模仿声音的流动与停顿。
评分哇，我刚读完一本名叫《色彩的语法》的书，简直是为我打开了一扇通往全新视觉世界的大门！作者对色彩理论的解读真是太深入了，完全不是那种枯燥的教科书式讲解。他没有直接给出“红色代表热情，蓝色代表忧郁”这种老生常谈的定义，而是花了大量的篇幅去探讨色彩在不同文化语境下的微妙转变，以及光线如何以一种近乎物理学般精确的方式影响我们的感知。我印象最深的是其中关于“负空间色彩”的论述，他提出在观察一个物体时，我们实际上是在同时“感知”它周围未被占据的空间的颜色，这种视角的转换让我回去看家里的那幅抽象画时，感觉完全不一样了。书里配的插图虽然不多，但每一张都经过精心挑选，往往是那些乍看之下平平无奇，细看却暗藏玄机的古典大师作品片段，作者的解读像一把手术刀，精准地剖析了画家是如何操纵观众的眼睛。读完这本书，我感觉自己看世界的方式都被重塑了，以前只是“看”颜色，现在我开始“听”颜色的对话了。它对构图和光影的分析也很有启发性，特别是他如何将米开朗基罗的雕塑光影与印象派的笔触进行对比，这种跨媒介的比较视角，极大地拓宽了我对“美学”的理解边界。
评分最近翻阅的这本《意象的重量》，内容真是让人脑洞大开，它主要探讨的是“具象符号在后现代语境下的失效与重构”。这本书的行文风格非常凌厉，充满了哲学思辨的张力，与其说是在写艺术评论，不如说是在进行一场关于意义本身的辩论。作者对于大众文化符号的解构尤为犀利，比如他分析了上世纪八十年代流行文化中那些被过度消费的视觉母题，是如何逐渐被抽离出原初的语境，最终沦为一种空洞的装饰。更令人耳目一新的是，他引入了符号学中的“能指”和“所指”概念，并尝试用它们来分析当代装置艺术中的“偶然性碎片”，探讨这些碎片是如何试图重新锚定一个易逝的意义的。这本书的论证过程极其严谨，引用了福柯、德里达等人的观点，但绝非堆砌术语，而是将这些高深的理论巧妙地融入到对具体艺术作品的案例分析中，比如对某个特定涂鸦作品的解读，他能从涂鸦者的动机、材料选择、到城市空间的反馈，层层递进，构建出一个完整的分析闭环。看完后，我感觉对当下充斥我们生活的视觉信息有了一种更具批判性的距离感，不再盲目接受，而是忍不住去追问：这个东西到底想表达什么，或者，它到底什么都没表达？
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