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出版者:Routledge

作者:Marsha Meskimmon

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2003-4-11

价格:USD 120.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780415242776

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 女性艺术家
• 当代艺术
• 艺术
• 女性主义
• 艺术创作
• 艺术家访谈
• 文化研究
• 社会评论
• 艺术理论

璀璨星河：当代艺术的多元叙事与文化碰撞 一部深入探索全球当代艺术图景的恢弘巨著 本书并非聚焦于单一性别视角的艺术史梳理，而是以宏大的视野和批判性的思维，剖析二十世纪下半叶至今，全球艺术领域内涌现出的多元化、复杂化以及不断自我解构的艺术现象、思潮与实践。我们拒绝将艺术史简化为线性的进步叙事，而是着眼于那些打破边界、挑战既有权力结构的个体和群体，他们如何在全球化的浪潮中，通过媒介、观念和地域的交织，重塑我们对“艺术”与“美”的认知。 第一部分：后现代的裂隙与身份的重构 本部分深入探讨了后现代主义思潮对传统艺术权威的颠覆，以及由此催生的身份政治在艺术中的复杂体现。 一、概念的胜利与媒介的消亡： 从杜尚的现成品到观念艺术的鼎盛时期，我们详细考察了艺术如何从对“再现”的执着中解放出来，转向对“意义生产”本身的关注。重点分析了七十年代至八十年代，艺术机构、画廊系统（Gallery System）在吸收和商品化激进观念时的内在矛盾。我们分析了早期电子媒介艺术（如视频艺术的先驱）如何挑战摄影和绘画的中心地位，并引入了关于“原创性”和“复制”的新辩证法。 二、全球化视野下的“去中心化”： 本书批判性地考察了艺术史长期存在的“西方中心主义”倾向。通过聚焦于非洲大陆的后殖民艺术实践、拉丁美洲的激进主义艺术（如壁画运动的延续）以及亚洲（特别是东亚和东南亚）在现代化进程中对本土美学和西方现代性的复杂对话。我们详细分析了卡塞尔文献展（Documenta）等国际双年展在“全球化”叙事下，如何筛选、编码和传播非西方艺术实践的权力机制。探讨了诸如“第三世界艺术”这一标签的建构与瓦解过程。 三、社会转向与参与式实践（Relational Aesthetics）： 本章集中讨论了自九十年代兴起的，将艺术活动置于社会关系和人际互动之中的艺术实践。我们分析了尼古拉斯·布里奥（Nicolas Bourriaud）提出的“关系美学”理论，并追溯了其在欧洲和北美独立艺术空间中的实践案例。这种实践如何模糊了艺术家、观众与社会参与者之间的界限，以及其在面对商业化压力时所遭遇的困境。探讨了艺术作为一种社会干预工具的潜能与局限。 第二部分：科技、身体与环境的交织 进入新千年，艺术的边界被进一步拓展，科技的介入、身体政治的深化以及对生态危机的回应，成为艺术创作的核心驱动力。 四、数字时代的身体政治与生物艺术： 本部分着重分析了科技如何被艺术用作解构身体固有概念的工具。我们考察了赛博格艺术（Cyborg Art）的早期探索，以及生物艺术（Bio Art）如何利用基因工程、组织培养等前沿技术，将生命本身转化为可塑的媒介。这不仅仅是关于“未来身体”的想象，更是对科学伦理、身份认同（尤其是跨性别、人机共生语境下的身份）进行深刻哲学反思的现场。 五、新媒体的爆发与沉浸式体验： 随着互联网和虚拟现实技术的成熟，艺术创作进入了高度依赖算法和数据流的阶段。我们详细分析了互动装置艺术（Interactive Installation）和虚拟现实/增强现实（VR/AR）艺术的兴起，探讨了它们如何改变观众的感知空间和时间体验。重点分析了数据可视化艺术（Data Art）如何将海量信息转化为具有美学冲击力的叙事结构，以及艺术家如何利用代码和算法参与到“创造者”的角色中。 六、生态危机与物质性回归： 面对气候变化和环境崩溃的严峻现实，一部分艺术家将焦点重新投向了物质本身和大地。本章探讨了“生态批评艺术”（Eco-critical Art）的实践，分析了艺术家如何使用可降解材料、在地材料，或通过介入自然过程（如大地艺术的新阶段）来表达对人类中心主义的反思。讨论了材料的“生命周期”和艺术品的“碳足迹”等新兴的批判性议题。 第三部分：艺术的制度批判与未来走向 最后一部分将目光投向艺术机构本身，以及当代艺术在资本与政治场域中的运作逻辑。 七、机构批判的深化与“去机构化”的悖论： 自七十年代的机构批判（Institutional Critique）以来，对博物馆、美术馆和艺术市场的审视从未停止。本章分析了当代艺术家如何采用更隐蔽、更具渗透性的策略来揭示艺术赞助、收藏和展览背后的意识形态运作。重点研究了“非物质化”的艺术品（如表演、档案、临时性项目）如何挑战传统收藏机构的物质基础，以及这如何导致了新一轮的金融化和收藏泡沫。 八、收藏的权力：私人资本与公共叙事： 我们深入剖析了二十一世纪艺术品天价交易背后的经济逻辑，探讨了私人收藏家和巨型艺术基金如何影响了全球艺术市场的走向和“伟大艺术家”的名单。研究了博物馆为吸引赞助和游客而进行的大型回顾展（Blockbuster Exhibitions）的策划模式，以及这种模式如何倾向于简化复杂艺术家的创作生涯，将其纳入易于消费的叙事框架。 九、未来的不确定性：艺术作为抵抗的策略： 本书总结部分，探讨了在技术高速迭代和地缘政治动荡的背景下，当代艺术所能扮演的角色。它不再是提供确定的答案，而是作为一种持续的质疑、一种对“可见性”的操纵、以及一种在主流叙事之外构建平行世界（Counter-Narratives）的策略。我们展望了艺术在元宇宙、人工智能生成内容等新领域中，如何继续挑战我们对真实、创造力和人类能动性的基本定义。 本书旨在为读者提供一个全面、细致入微且充满批判张力的当代艺术地图，鼓励读者以更具思辨性的眼光，审视那些定义我们时代的视觉与观念实践。

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我得说，这本书读起来，仿佛是在参与一场漫长而深入的导师对话。《Women Making Art》的节奏感把握得非常好，它不会让你感到信息过载，而是有条不紊地引导你进入每一个艺术家的内心世界。印象最深的是关于“协作与独创性”这一章节的讨论。作者巧妙地将那些集体创作的女性艺术团体置于聚光灯下，挑战了艺术史上对“天才独创者”的僵化定义。通过分析她们共享资源、共同实验的工作模式，我们看到了另一种完全不同的艺术生产力。书中对具体作品的分析，也极具穿透力，并非简单的描述其形式美感，而是深入到创作意图与时代精神的耦合点。例如，对某位战后抽象表现主义女画家的分析，作者侧重于她如何利用色彩的爆发力来表达对个人空间被侵占的愤怒，这种对情感张力的精准捕捉，让人感到震撼。总而言之，这本书提供了一个重新校准我们艺术史观看坐标的机会。

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坦白讲，我原本以为这会是一本相对“安全”的艺术鉴赏读物，结果却发现自己掉进了一个充满挑战性的思想迷宫。《Women Making Art》的叙事结构极其大胆，它拒绝按照传统的时间线或地域划分来组织内容，而是采取了一种主题式的跳跃，比如“失语的色彩”、“被重塑的身体”、“空间与缺席”等。这种非线性的编排，起初让人有些手足无措，但一旦适应了作者的节奏，就会发现它极具启发性。我最受触动的是书中对“缺席的艺术”的论述，探讨了那些因社会压力而未能留下作品的女性的“无形遗产”。这种对“未完成”和“被抹去”的关注，使得整本书的基调变得厚重而复杂，充满了对历史不公的控诉，但又没有流于表面的控诉。书中对材料的分析也极其细腻，比如某位摄影师如何利用负片和曝光过度来表达身份认同的模糊性，那种对技术语言的颠覆，令人拍案叫绝。读完后，我对“什么是艺术”这个古老的问题，有了全新的、更具批判性的理解。

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翻开这本书时，我其实是带着一丝怀疑的，毕竟关于女性艺术家的书籍市面上不少，但真正能带来新意的却不多。然而，《Women Making Art》成功地做到了“破局”。它最大的亮点在于其极强的社会学视角，它没有将艺术创作孤立地看待，而是将其置于宏大的社会变迁、性别政治和经济结构之中进行审视。比如，书中深入剖析了20世纪初，女性艺术家如何利用新兴的“家庭艺术”空间，巧妙地绕过传统画廊的性别壁垒，建立起自己的艺术生态圈。这种对“场域”的分析，精妙绝伦。此外，书中对不同文化背景下女性艺术家的比较研究，也令人印象深刻。它避开了将西方经验普适化的陷阱，而是细致地展现了跨文化语境下的创作差异与共通的挑战。行文风格上，作者展现了极高的学术功底，但语言却保持了难得的清晰和克制，没有使用过多的晦涩术语，保证了内容的易读性，同时又不牺牲其思想的深度。

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这本《Women Making Art》着实让人眼前一亮，但要我说，它更像是一本深入挖掘女性艺术家内心世界的奇幻旅程，而非仅仅是对艺术史的梳理。作者以一种近乎诗意的笔触，将那些被历史尘封的、挣扎在创作边缘的声音一一唤醒。我尤其欣赏书中对媒介选择的探讨，它不仅仅是工具的罗列，更像是一种宣言。比如，探讨某位雕塑家如何用粗粝的石头对抗社会对女性形象的柔化要求，那种力量感穿透纸面，让人忍不住想去触摸那些冰冷的石块，感受其中蕴含的炽热情感。书中穿插的艺术家自述片段，简直是心灵的独白，它们坦诚地揭示了灵感乍现时的狂喜，以及面对公众质疑时的脆弱与坚韧。阅读过程中，我感觉自己不再是一个旁观者，而是化身为那些在画室里彻夜不眠的灵魂，与她们一同经历了创作的阵痛与狂喜。这本书没有提供标准答案，它更像是一面棱镜，折射出女性在创作过程中所必须面对的复杂处境——既要为艺术献身，又要平衡世俗的期待。这种深度和广度，远超我对一本艺术史书籍的预期，它更像是一部关于“成为艺术家”的哲学思考录。

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这本书给我的感觉是，它是一部充满生命力的“未完成的艺术编年史”。《Women Making Art》的独到之处在于其对“非传统载体”的偏爱。它花费了大量篇幅讨论那些不常被艺术史学院派重视的领域，例如手工纺织、陶瓷艺术中的女性实践，以及早期表演艺术中的身体政治学。这种包容性极大地拓宽了我们对“艺术”边界的认知。在描述这些实践时，作者的语言变得尤为生动，充满了对那些材料和技艺的敬意，仿佛能闻到羊毛的纤维味和泥土的芬芳。更值得称道的是，书中对艺术赞助体系和市场机制的批判性分析，它毫不留情地揭露了资本和权力结构如何系统性地边缘化女性艺术家的经济基础。这种将艺术实践与其背后的社会经济结构紧密结合的分析方法，让整本书的论述显得坚实且无可辩驳。它不仅仅是在赞美女性的艺术成就，更是在揭示系统性的障碍，非常深刻。

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