Complete Jazz Guitar Method pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:Fisher

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价格:$ 22.59

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isbn号码:9780739028476

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• 爵士吉他
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• 音乐教育

爵士吉他精进：从基础到即兴的全面指南 本书特色： 系统性： 涵盖爵士吉他演奏所需的一切核心技能，从音阶、和弦到复杂的即兴技巧，层层递进。 实战性： 丰富的例句、练习曲和标准曲片段，确保学习者能将理论迅速应用于实际演奏。 前瞻性： 不仅关注传统爵士乐，更融入现代爵士乐的元素，帮助学习者适应当代音乐语境。 --- 第一部分：奠定基石——爵士吉他的发声与和声基础 本书旨在为有一定吉他基础的学习者提供一套严谨、深入的爵士吉他学习路径。我们深知，要真正驾驭爵士乐的复杂性和自由度，必须先牢固掌握其独特的和声语言和节奏律动。 第一章：爵士吉他的音色塑造与演奏姿态 本章首先引导学习者探索爵士吉他特有的音色构建。不同于摇滚或布鲁斯，爵士吉他强调温暖、圆润且颗粒感适中的音色。我们将详细分析拾音器选择、音量与音色旋钮的精确调整，以及手指触弦力度对音色的微妙影响。针对传统爵士乐（如摇摆乐）对清晰度和分离度的要求，我们将教授如何使用拨片的不同角度和边缘（Edge Picking）来获得更“敲击感”而非“扫弦感”的音色。同时，正确的持琴姿势和左手按弦技巧，尤其是在演奏大跨度和弦时，如何保持放松和高效，是本章的重点。 第二章：摇摆节奏与律动（Swing Feel）的内化 爵士乐的灵魂在于“摇摆”。本章将深入解析八分音符的“三连音化”处理，从理论阐述过渡到实际的听觉训练。我们将提供大量针对不同速度（Tempo）下的摇摆练习，区分出“重音在后”的经典摇摆感和现代爵士乐中更平坦的律动（Straight Eighths）。通过特定的指法练习和节拍器辅助，训练学习者的身体对复杂节奏型的自然反应，这是脱离“机械演奏”走向“自然流动”的第一步。 第三章：爵士和弦语汇的扩展 本章彻底重构学习者对和弦的认知。我们摒弃简单的三和弦概念，全面进入七和弦、九和弦、十一和弦和十三和弦的世界。 1. 和弦构成音的深入解析： 不仅是记住指型，而是理解每个音级（Root, 3rd, 5th, 7th, Extension）在特定和弦功能中的作用。 2. “和弦图库”的构建： 系统性地展示同一和弦在指板上所有可用的指型（Voicings），尤其侧重于“上声部旋律化”的爵士和弦排列，即移位和弦（Inversions）在不同把位上的连接。 3. 和弦的色彩变化（Alterations）： 重点探讨升五度（5）、降五度（b5）、升九度（9）和降九度（b9）的使用，这些变化音是构建张力与释放的关键。 第四章：功能和声与和弦进行分析 爵士乐基于功能和声体系。本章将详细讲解 II-V-I 进行的无数种变化，这是爵士乐的“语法”。 调式和弦的对比： 大调（Maj7）、小调（min7）、属七（Dom7）的和弦如何与它们各自的调式（Ionian, Dorian, Aeolian, Mixolydian）相对应。 和弦替换（Chord Substitution）： 引入增六和弦（Augmented Sixth Chords）、三全音替换（Tritone Substitution）以及代理和弦（Secondary Dominants）的概念，教导学习者如何在演奏中增加和声的复杂性和惊喜感。 --- 第二部分：即兴的艺术——旋律构建与指板探索 掌握了和声基础后，我们进入爵士乐最核心的部分——即兴独奏。本部分强调将指板上的“音符知识”转化为“音乐语言”。 第五章：调式（Modes）在即兴中的应用 本章超越了传统的音阶概念，将七大调式视为七种不同的音乐色彩。 1. Dorian与Mixolydian的主导地位： 详细分析Dorian（常用于小调II-V-I中）和Mixolydian（常用于属七和弦）的特性音，并提供针对性的练习，确保学习者能够“听到”并“使用”这些特性音。 2. 指板的横向与纵向连接： 如何在高把位上运用“三音一组”或“四音一组”的指型进行跨把位即兴，避免在同一把位上循环往复，实现旋律的流畅性。 第六章：琶音（Arpeggios）的几何学与音乐性 琶音是构建清晰、有力的即兴乐句的骨架。本章将七和弦的琶音指型扩展到九音琶音，并融入变化音。 琶音的“连接点”： 练习如何流畅地连接上行与下行的琶音组，特别是如何将琶音与相邻的音阶跑动（Scale Runs）平滑过渡。 节奏上的打破与重构： 教授如何利用琶音进行切分节奏，打破听众对和弦根音的预判，增强即兴的动感。 第七章：连接音（Tension & Release）的构建 优秀的即兴乐句在于“讲述故事”，需要适当的张力和解决。本章专注于如何有效使用半音阶（Chromaticism）和经过音。 1. 经过音的策略： 介绍“邻音法”（Neighbor Tones）和“经过音法”（Passing Tones）在爵士乐中的具体应用，强调它们必须服务于和声结构。 2. “目标音”导向的即兴： 学习如何预设下一个和弦的目标音（通常是和弦的九音、十一音或十三音），并围绕这个目标音组织你的乐句，无论起点如何，都能精准着陆。 第八章：爵士乐句（Licks）的分析与内化 本章通过分析经典大师（如Charlie Parker, Wes Montgomery, Joe Pass）的真实乐句片段，进行“解构-学习-重构”的训练。 主题动机的发展（Motivic Development）： 学习如何提取一个短小的音乐动机（Motif），并在即兴过程中对其进行节奏、音高、和声背景的变奏，保持独奏的连贯性。 “学习耳朵”的训练： 配合配套音频，要求学习者不仅要看乐谱，更要努力“听出”乐句的内在结构，并尝试用自己的方式复述。 --- 第三部分：实战演练与风格探索 第九章：即兴的框架——曲式分析与独奏编排 爵士乐通常基于固定的曲式（如 AABA 结构或 12 小节布鲁斯）。本章指导学习者如何将之前学到的技巧“安装”到这些框架中。 “和声地图”的绘制： 针对一首标准曲，学习如何快速标记出关键的和弦替换点和调式变化区域。 Soloing的起承转合： 如何安排一个Solo的整体结构，从开头的简单动机建立，到中段的技巧展示，再到结尾的强力收尾。 第十章：爵士吉他的伴奏艺术（Comping） 爵士吉他手在伴奏时扮演着节奏和和声的双重角色。 1. 节奏的间隙（Space）： 强调“少即是多”，学习如何在鼓点和贝斯线之间创造呼吸的空间，而不是用密集的和弦填满所有缝隙。 2. 双重功能： 教授如何使用“节奏切分”的指法，在演奏和弦的同时，模仿鼓手的切分节奏，实现“打击乐化”的和声伴奏。 附录：风格选集与推荐曲目 本附录提供了从摇摆（Swing）、比波普（Bebop）到融合爵士（Fusion）的关键技术点回顾，并列出了一份精选的、适合吉他学习者练习的经典曲目清单，鼓励学习者将理论付诸于真正的爵士标准曲实践之中。

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这本书的深度和广度令人印象深刻，尤其是在和声色彩的运用上。我尤其欣赏作者处理“Tritione Substitution”和“Altered Dominants”的方式。很多教材往往将这些高级和声概念包装成难以理解的公式，但这本书的讲解却非常具有画面感。作者使用了大量的比喻，比如将替代和弦比作是给旋律披上了一件不同质地的“外套”，听起来很熟悉，但质地和光泽却完全不同。更棒的是，它不仅仅停留在和弦的替换上，而是深入探讨了如何在即兴演奏中，利用这些替代和弦来创造出更具张力的“导向性音符”。书中提供的练习，总是将理论与实际应用紧密结合，例如，它会给你一个标准的II-V-I进行，然后要求你依次尝试用不同的替代和弦进行演奏，并分析每一种选择带来的听觉效果。这迫使我必须用耳朵去判断，而不是仅仅依赖眼睛去阅读谱子上的标记。这种训练方法极大地拓宽了我对和声色彩的感知范围，让我不再局限于传统的和弦进行，开始敢于在我的独奏中引入更多不和谐但又最终导向解决的音响效果。

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说实话，我对这本教材的节奏训练部分感到既兴奋又有些挫败。它所倡导的节奏观，远远超出了我过去接触到的传统节拍器练习。作者似乎非常强调“Swing Feel”的内在律动，这不仅仅是关于“三连音的重音放在哪里”那么简单。书中引入了一些非常高级的同步训练方法，要求你在演奏时，内心要同时“听见”两种不同的脉动——一种是传统的四分音符主导的律动，另一种则是潜藏在旋律中的、更自由的切分感。我记得有一章专门讨论了“Ahead of the Beat”和“Behind the Beat”的微妙处理，这在书面上看起来是抽象的，但作者通过一些非常具体的练习曲目（虽然没有附带音频，但谱子本身具有很强的引导性），让你去模仿那些大师演奏时的微妙“推拉”。坦白地说，我练习了很久，才勉强捕捉到那种感觉，很多时候我感觉自己只是在机械地演奏音符，而不是在“摇摆”。这表明这本书对读者的音乐理解力和耳朵的训练要求非常高，它更像是一位严厉的私人导师，不断地推着你走出舒适区，去追求那种难以言喻的“Groove”。如果你期待的是那种“弹完这个练习就能马上在酒吧里弹得像巴克尔一样”的快速收获，这本书可能会让你失望。它要求的是长期的、沉浸式的节奏肌肉记忆重塑。

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这本教材的封面设计简洁有力，深邃的蓝色背景仿佛让人置身于一个光线昏暗、烟雾缭绕的爵士俱乐部。我最初被它吸引，是因为我对学习爵士乐指法的热情——那种流畅的、充满即兴色彩的演奏方式，一直是我心中的一个目标。然而，当我真正翻开这本书，我发现它在基础构建上投入了相当大的精力。开篇部分，作者并没有急于抛出复杂的和弦指型，而是耐心地梳理了调式音阶在指板上的分布规律，这对于我这种从布鲁斯和摇滚背景转型过来的乐手来说，无疑是及时雨。它不是简单地罗列音阶，而是将指板视为一个整体的几何结构进行讲解，这一点非常巧妙。通过大量的图示和清晰的标注，我开始理解为什么某些音符在特定的和弦背景下会产生那种“爵士味”。特别是关于“Shell Voicings”的介绍，它没有仅仅停留在理论层面，而是通过大量的听力练习范例，教导我如何在伴奏中保持清晰度和空间感，而不是一味地堆砌和弦。这本书的结构安排有一种循序渐进的逻辑美感，它不像某些速成指南那样急于求成，而是更注重地基的稳固。我花了很长时间才消化完前几章，但回头来看，这种扎实的基础为后续学习更复杂的和声概念铺平了道路。

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坦白说，对于那些希望寻找大量标准爵士标准曲目分解演奏的读者来说，这本书的内容可能略显“学术化”和“方法论”导向。它更像是一本深入的“如何思考音乐”的指南，而不是一本“演奏清单”。我个人很喜欢这种侧重于原理的讲解，它让我感觉自己掌握了创造音乐的底层逻辑，而不是仅仅在模仿表面的“味道”。然而，我必须承认，这本书在视谱和扒带方面的辅助材料略显不足。虽然书中的例句非常具有启发性，但它们大多是作者为了说明某个理论点而创作的“小片段”，它们缺乏真正爵士乐标准曲中那种复杂的乐句结构和乐段连接。因此，在学习完这本书的核心理论后，我发现自己仍然需要大量地去听那些真正的大师录音，然后尝试将书中学到的技巧去“匹配”和“拆解”那些真实的演奏。它提供了一把万能钥匙，但你需要自己去找到合适的锁孔。总而言之，它是一部深入骨髓的技术和理论指南，对于渴望理解爵士乐精髓的严肃学习者来说，是不可多得的财富，但它不会直接喂给你现成的“答案”。

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作为一本自学教材，我认为这本书在如何引导学生建立自己的“音乐语言库”方面做得尤为出色。它没有试图灌输某一位大师的全部演奏风格，而是提供了一套拆解和重建音乐语言的工具箱。关于琶音和音阶模式的讲解，其深度远超我预期的“指型覆盖”层面。作者花了大量篇幅讨论了如何运用“Enclosure”（包裹音）技巧来装饰和连接音阶中的主要音符。这部分内容非常精细，它解释了为什么仅仅是跑动音阶听起来会像练习曲，而通过加入高预期的、短暂的装饰音后，旋律线会突然变得更加“歌唱性”。我发现，这本书的每一组练习题，几乎都隐含着一个设计目的，并不是为了炫技，而是为了解决一个特定的音乐表达问题。比如，在处理一些大调上行的段落时，它会引导你去思考如何利用小调的音阶片段来制造短暂的色彩对比，从而避免旋律走向过于平淡。这种注重“表达意图”的教学方式，极大地提升了我对音符选择的敏感度，让我从一个“知道该弹什么音”的演奏者，逐渐转变为一个“想要表达什么感觉”的音乐人。

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