The Silent Cinema in Song, 1896- 1929 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:McFarland

作者:Ken Wlaschin

出品人:

页数:388

译者:

出版时间:2008-12-10

价格:USD 49.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780786438044

丛书系列:

图书标签:

• Silent Cinema
• Film History
• Music in Film
• Early Cinema
• Song
• Popular Culture
• American Film
• Film Studies
• Media History
• Sound and Vision

银幕上的光影与歌声：1896-1929 年间音乐剧电影的兴衰与革新 作者： [此处留空，意为非特定作者] 出版社： [此处留空，意为非特定出版社] 出版年份： [此处留空，意为非特定年份] --- 内容提要： 本书深入探讨了在默片时代（1896 年至 1929 年间）电影艺术与舞台音乐剧之间错综复杂的关系，重点分析了音乐元素如何渗透、塑造和最终挑战了早期电影的叙事结构和观众体验。不同于聚焦于有声电影的诞生，本书的视角是回溯性的，考察了在“有声”技术尚未成熟之时，电影制作人、作曲家和剧院经营者如何通过各种创新手段，将音乐的魅力融入到无声的视觉媒介之中。 全书分为四个主要部分，从早期电影院的声景构建，到专门为电影创作的音乐配乐，再到音乐剧舞台的跨界影响，最终分析了技术突破前夜的艺术张力。 --- 第一部分：无声的剧场与声音的渴望 (1896–1908) 本部分考察了电影艺术诞生之初，即从卢米埃尔兄弟的早期短片到梅里爱魔幻世界的这段时间里，声音是如何被“想象”出来的。 1. 电影院的原始声景： 在早期的活动电影放映中，影院往往是喧闹的公共空间。本书详细描述了早期电影放映的真实环境：现场的音效师（Foley artists 的前身）、讲解员（Choriker）和管风琴（如卡米尔·圣-桑在一些特殊放映中尝试的实践）。探讨了这些非正式的声学实践如何建立起观众对“伴随画面出现的声音”的期待。重点分析了早期电影院的建筑声学条件如何影响了伴奏音乐的选择，从简单的钢琴独奏到小型乐团的配置。 2. 视觉叙事与音乐的暗示性： 在这一时期，电影的叙事非常依赖于戏剧化的表演和清晰的视觉符号。本书分析了早期电影配乐的“通用性”：作曲家和乐师如何使用标准化的情绪音乐（如“追逐戏用的快板”、“悲伤的慢板”）来指导观众的情绪反应。通过对大量现存早期片段的音乐分析，我们揭示了这些音乐如何成为一种替代性的情感语言，弥补了画面中对话的缺失。 3. 舞台剧的影子与早期改编： 详细研究了早期电影如何从流行的舞台剧、尤其是音乐喜剧（Vaudeville）和轻歌剧（Operetta）中汲取灵感。许多短片实际上是舞台演出的微缩或重现。本书区分了“为电影创作的音乐”与“用于描绘舞台剧场景的音乐”，并探讨了这种跨媒介改编如何无意中将舞台的听觉美学潜移默化地植入了电影的早期语汇中。 --- 第二部分：配乐的规范化与作曲家的介入 (1909–1919) 随着电影叙事长度的增加和艺术性的提升，对音乐伴奏的需求也变得更加精确和专业化。 1. 乐谱的诞生：从即兴到编目： 本章聚焦于配乐的“职业化”进程。详述了早期作曲家如何开始为特定的场景或电影创作独有的、不可替代的配乐。重点分析了如乔瑟夫·卡尔·布雷姆（Joseph Carl Breil）等先驱人物的工作，他们开始系统性地为长片（Feature Films）撰写全面的伴奏乐谱，这些乐谱通常配有详细的播放指示。 2. 主题音乐（Leitmotifs）在电影中的早期应用： 本书探讨了如何将瓦格纳式的“主导动机”概念应用于电影叙事中，即使在无声的语境下。分析了特定角色、地点或情感如何被固定在一个音乐主题上，并在不同场景中通过伴奏乐队进行重现。这种早期主题音乐的使用，极大地增强了电影的连贯性和主题深度。 3. 音乐与“大场面”的结合： 随着史诗片和历史题材电影的兴起（如某些早期历史剧），对伴奏音乐规模的需求也同步升级。本书对比了在小型影院使用钢琴伴奏与在大型宫殿式影院使用交响乐团的差异，并考察了这种规模的差异如何影响了音乐的动态范围和叙事重点。 --- 第三部分：爵士乐浪潮与电影院的转型 (1920–1927) 咆哮的二十年代，爵士乐和流行音乐的爆炸性发展对电影的听觉体验产生了直接影响。 1. 流行歌曲的嵌入与宣传： 本章考察了“电影歌曲”（Song Hits）的早期形态。虽然这些歌曲尚未直接被录制到影片中，但它们通过乐谱出版和现场乐队的演奏，成为电影宣传和观众体验的重要组成部分。分析了电影是如何利用热门流行旋律来吸引特定观众群体的，以及这些音乐如何反向影响了舞台音乐的创作趋势。 2. 爵士乐在节奏和情绪上的革命性影响： 详细论述了爵士乐的即兴性、切分音节奏和强烈的能量如何被电影配乐所借鉴。不同于古典配乐的庄重，爵士乐的加入为表现都市生活、现代感和快节奏的戏剧冲突提供了新的听觉工具。分析了如“特写镜头下的切分音”等具体的音乐技巧应用。 3. 俄国蒙太奇学派与音乐的节奏同步： 本书考察了欧洲前卫电影（特别是俄国蒙太奇学派）对音乐节奏的极端重视。虽然这些电影通常也使用现场伴奏，但其剪辑策略与音乐的节拍紧密咬合，展现出一种高度结构化的“视觉节奏学”，这与后来的有声电影的节奏控制有异曲同工之妙。 --- 第四部分：技术临界点与艺术的交汇 (1927–1929) 在有声电影革命爆发的前夜，默片艺术将音乐和声音的运用推向了最后的巅峰。 1. “音乐史诗”的尝试： 探讨了在技术成熟前，一些制片厂如何试图通过高度同步的现场演出和预先录制好的声效带来“准有声”的体验。分析了那些为特定场景预先录制了完整的管弦乐录音，并通过特殊的放映系统（如 Vitaphone 的前身或机械同步装置）进行播放的试验性项目。这些尝试揭示了业界对电影声音同步性的迫切需求。 2. “有声”前的最后一次默片对话： 分析了在《爵士乐之王》等影片上映前后，影评界和观众对于“说话的电影”的争论。本书将这些争论置于当时音乐化电影的背景下，探讨了纯粹的音乐表现力与对话叙事需求之间的张力。 3. 剧院的困境与转轨： 最后，本书描述了在 1929 年前后，那些曾经投入巨资建立豪华管弦乐队的电影宫殿如何面临剧院改造的巨大压力。许多顶尖的伴奏音乐家和指挥家，他们对默片音乐的精湛技艺，在新的技术浪潮中，不得不面临是学习录音棚技术还是转回舞台的艰难抉择。 --- 结论：声音的遗产 本书总结了默片时代音乐对电影艺术的深远影响，证明了音乐在无声电影中并非附属品，而是其叙事结构、情感深度和视觉表达不可分割的一部分。这段历史为后来的有声电影确立了美学基础和技术方向，是理解电影声音艺术发展历程的关键篇章。 --- 附录与索引： 本书包含详尽的原始配乐目录（包括已失传作品的记录）、关键作曲家和电影院的档案资料，以及针对特定配乐风格的音乐术语表。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的文献搜集工作令人叹为观止，其对细节的关注达到了近乎偏执的程度，但这恰恰是构建一个可信的历史图景所必需的。我特别关注到作者对不同国家电影配乐“版权”和“规范化”的早期努力的梳理。这揭示了艺术形式成熟过程中，制度建设的艰难历程。文字风格时而如严谨的法庭陈述，条分缕析地论证某个音乐惯例的起源；时而又转为充满激情的历史叙事，生动描绘出那些不知名的乐师们如何凭借一腔热血在微弱的灯光下，为无声的世界注入灵魂。这本书不仅填补了电影史研究中一个长期存在的知识空缺，更重要的是，它提供了一个全新的、多维度的视角，让我们得以重新“聆听”那个被我们习惯性地认为“安静”的年代。

评分☆☆☆☆☆

老实说，起初我对“1896到1929”这个时间跨度感到有些畏惧，担心内容会过于庞杂而显得松散。然而，这本书的组织结构简直是教科书级别的示范。它巧妙地运用了主题切入而非纯粹的编年史叙事，使得每章的论点都如同经过精密打磨的宝石，独立而又相互辉映。我特别欣赏作者在探讨技术革新（如留声机和录音技术的早期尝试）对现场伴奏生态带来的冲击时所展现出的洞察力。那种对“变革前夜”的焦虑与兴奋的捕捉，非常到位。与其说它是在回顾历史，不如说它是在解构一种艺术形态的诞生、成熟与最终被取代的过程。文字风格带着一种老派学者的严谨，但绝不晦涩，充满了对“被遗忘的配乐师”群体的深切同情与尊重。这本书的价值，在于它将那些常被忽略的“背景音轨”，提升到了与胶片本身同等重要的地位来审视，完成了对早期电影艺术生态的一次全面重估。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，更像是一次沉浸式的剧场体验。我常常需要停下来，想象着那些被文字描述出来的音乐场景。作者在论述不同类型电影（如滑稽短片与历史史诗）所需音乐风格的迥异化时，使用的语言极具画面感。它成功地颠覆了我过去对“默片配乐就是钢琴手随便弹弹”的刻板印象。通过对乐谱碎片、剧场规程手册的引用，我看到了一个专业化、高度组织化的音乐工业体系是如何在技术标准尚未确立的混沌中摸索前行的。书中对于配乐师身份的探讨，尤其是他们如何平衡观众期待、制片方预算与个人艺术表达之间的微妙关系，这个角度非常新颖且富有启发性。它揭示了艺术创作中，权力结构和经济制约是如何无形中塑造了我们最终听到的“历史声音”的。

评分☆☆☆☆☆

这部作品简直是一场穿越时空的盛宴！作者以极其细腻的笔触，将我们带回了那个由黑白光影和优美旋律交织的黄金年代。阅读的过程中，我仿佛能真切地感受到早年电影院里，那些烘托着默片高潮与低谷的现场音乐是如何精心编排、如何与银幕上的表演水乳交融的。它不是枯燥的学术论文，而更像是一部献给那个逝去时代的深情挽歌。特别值得称赞的是，书中对于不同地域、不同文化背景下的音乐实践的对比分析，展现了惊人的广度和深度。例如，作者对美国大城市与欧洲小城镇中“伴奏”手法的细微差异的捕捉，实在令人拍案叫绝。读罢掩卷，脑海中回荡的不再是简单的“无声电影”，而是充盈着复杂情感的、层次丰富的听觉想象。这本书真正做到了将“听觉”的维度，成功地嵌入到我们对早期视觉艺术的理解之中。那种研究的严谨性与叙事的流畅性达到了完美的平衡，使即便是对电影史不太熟悉的读者，也能被其强大的叙事能力深深吸引。

评分☆☆☆☆☆

如果你想寻找一本仅仅罗列作曲家名字和作品年表的书，那么你可能会失望。这本书的雄心壮志远不止于此。它深入挖掘了“声音”与“身体性”之间的联系——在那个没有扩音设备的年代，音乐是如何通过物理空间、通过乐器演奏者的肢体动作，直接作用于观众的生理和情感反应的。这种对“现场性”的执着分析，是本书最迷人的部分之一。作者非常擅长通过引用那个时代评论家对于某一特定配乐片段的反应，来反向构建音乐的实际效果。这种“以史为证”的论证方式，使得整部作品的论据扎实无比，同时又充满了历史的温度和戏剧张力。它不仅仅是关于电影音乐的，更是关于早期公共娱乐空间中的集体感官经验的深度剖析。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆