匠心与仙工：明清雕刻展‧象牙犀角篇 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:台北故宫博物院

作者:嵇若昕

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2009年

价格:新台币 1000元

装帧:

isbn号码:9789575625689

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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匠心与仙工：明清雕刻展‧玉器金银篇 本书简介 本书是“匠心与仙工：明清雕刻展”系列中的重要组成部分，专注于呈现明清时期玉器与金银工艺的辉煌成就。通过对大量珍贵文物和传世佳作的深入梳理与细致解读，本书旨在揭示这一时期中国传统工艺在材质运用、技法创新以及文化内涵表达上的巅峰状态。 第一章：温润之魂——明清玉雕的时代脉络 本章聚焦于明清两代玉器雕刻的演变历程。从明代早期对宋元遗风的继承与突破，到晚期对世俗生活、文人趣味的深刻描摹，再再到清代康熙、乾隆盛世下，宫廷玉作的集大成与繁复精微之美，勾勒出一条清晰的审美发展线索。 材料的考究与选择： 详细考察了当时最受推崇的和田白玉、青玉，以及外来贡玉如新疆和阗玉的输入与使用制度。探讨了不同玉料的质地、色泽如何影响雕刻师的创作方向，例如对“俏色”的运用已达到出神入化的地步，不再仅仅是材料的附属，而是成为构图的核心元素。 主题的世俗化与理想化： 对比分析了文人阶层偏爱的清雅山水、仿古器物，与民间用于祈福、贺寿的吉祥图案（如福禄寿三星、八宝纹饰）。书中特别关注了清代仿古玉器的盛行，它们不仅仅是简单的模仿，而是融入了当时的时代精神和审美取向，形成了独特的“仿古新意”。 刀法与肌理的探秘： 深度解析了明清玉雕师所使用的复杂工具组。不同于前代的相对单一，此时的玉器对镂雕、圆雕、线刻等技法提出了更高的要求。例如，清代宫廷玉器中常见的“子母口”、“抽屉式”结构，以及对动物毛发、衣褶细微处的刻画，无不体现了对工具精度的极致掌控。书中附录提供了对清代乾隆时期“制玉档”中记载的工序分析，揭示了机构化生产下对技术规范的严格要求。 第二章：金玉辉映——清代宫廷的奢靡艺术 本章将视角集中于清代，特别是乾隆时期，玉器制作在皇家权力与财力的支持下，所达到的前所未有的高度。 “大禹治水”与“天地方圆”的象征： 重点研究了体量宏大、技艺登峰造极的青玉山子、大禹治水图玉山。这些作品不仅是雕刻的极致体现，更是政治权力的物化象征。分析了其在布局上如何结合传统山水画的“可游、可居、可观”的理念，同时融入了帝王的审美旨趣。 组合艺术的创新： 清代玉器一个显著的特点是与其他贵金属和珍稀材料的结合。本章展示了大量玉石与金、银、珐琅、宝石镶嵌的组合器皿。研究这些组合的目的是为了突出玉石的温润光泽，同时利用金属的坚韧和色彩来增强作品的装饰性和仪式感。例如，对鎏金铜胎掐丝珐琅镶玉座件的结构解析。 文玩小品的精巧： 除了大型陈设品，对清代流行的袖珍玉器，如鼻烟壶、小把件、印章等进行了详细分类介绍。这些小品体现了文人阶层和士大夫阶层对日常器物美学的追求，其精细程度往往不亚于宫廷重器。 第三章：流光溢彩——明清金银器的材质与工艺 本章将焦点转移至金银器领域，探讨其在明清时期作为身份标识、祭祀用品和日常陈设品的角色转换与技术革新。 金银的冶炼与纯度控制： 介绍了明清时期黄金（足金）和白银的提纯技术。与宋元相比，明清的金银器在含金量和银纯度上保持了极高的水准，这为后续的精细加工奠定了物质基础。 錾刻技艺的巅峰： 本章的核心内容之一是对錾刻（包括高錾、低錾、平錾）技法的详细解析。清代錾刻艺术，尤其是在殿堂陈设的大型银器上，所表现出的画面感和立体感，几乎可以乱真的程度。通过高倍放大图片，展示了不同类型的錾刻纹饰（如龙纹、卷草纹、人物故事场景）的线条处理方式。 锤鍱工艺的复兴与发展： 论述了薄金片或薄银片通过敲打、捶揎成型的方法。在明代，锤鍱常用于制作仿古铜器造型，而在清代则更多地应用于制作轻巧的仿生器物或宗教法器，体现出极强的可塑性。 镂空与透雕的结合： 金银器与玉器一样，非常重视“透”的效果。本章展示了大量精美的镂空金丝、银丝工艺品，探讨了这些镂空结构如何在保持器物强度的同时，最大程度地展现出光影的变幻，尤其是用于制作复杂的灯具、香薰炉罩等。 第四章：实用与审美——金银玉器的社会功能 本章跳出纯粹的工艺技法讨论，考察了这些贵重材质的器物在明清社会中的实际应用与文化意义。 宫廷宴饮与礼制： 分析了金银餐具、酒器在宫廷中的等级制度体现。例如，不同材质和纹饰的器皿对应着不同的宴会规格。对《大清会典》中关于祭祀用银器的记载进行了比对研究。 文人雅玩与清供： 探讨了玉石、金银器如何融入文人的“清供”体系，成为案头清玩。这包括用于赏玩的玉石山子、金银盒、笔架等，它们不仅是财富的象征，更是对个人品味和学养的含蓄表达。 地域流派与工匠传承： 初步勾勒出明清时期重要的玉器和金银器制作中心，如苏州（以玉雕闻名）、北京（宫廷中心）、以及江南地区的金银作坊。探讨了师徒间的技艺传承模式，以及地域特色如何体现在器物的造型和纹饰上。 结语：永恒的辉光 本书的总结部分将重申明清金玉工艺在中国工艺史上的里程碑意义，它们不仅是技术的极致体现，更是特定历史时期社会结构、审美观念和文化交流的物质载体。本书以严谨的学术态度和详尽的图版资料，为研究者和爱好者提供了一部全面、深入的参考资料。

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这本书的编辑团队显然深谙如何将严肃的学术内容转化为引人入胜的阅读体验。虽然我不是科班出身，但阅读过程中，对于作品风格的演变和地域特色的差异，似乎有了一种直观的理解。它没有堆砌晦涩难懂的术语，而是擅长用类比和情境化的描述来解释复杂的工艺原理或文化背景。比如，描述某件作品的“巧思”时，文字的处理方式就非常巧妙，没有直接赞美，而是引导读者去思考：在那个工具相对原始的年代，工匠是如何克服材料的物理限制，达成这种视觉效果的？这种“引导式”的阅读体验，极大地激发了读者的好奇心和探索欲，使得整个翻阅过程充满了智力上的满足感，而不是单纯的视觉疲劳。

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说实话，当我拿到这本图录时，最初的期待是能看到一些宏大叙事，比如某个流派的兴衰更迭，或者某个皇帝对工艺的推动作用。然而，这本书带给我的震撼更多来自于微观层面的冲击。它像是一个精心策划的“微观世界漫游记”，引导读者驻足于每一个微小的雕刻点上。印象最深的是那些描绘市井生活的场景，比如一艘小船上熙熙攘攘的人群，每个人物的动态都栩栩如生，仿佛能听到他们在江面上讨价还价的喧闹声。这种对日常的捕捉，使得原本可能显得高冷的“艺术品”瞬间拉近了与普通人的距离。这本书的叙事逻辑不是按照时间线索生硬推进，更像是策展人带着你穿梭于不同的主题展厅，每一次转角都有新的惊喜和思考的火花迸发出来。它让我意识到，工艺的顶峰往往就隐藏在最细微之处。

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这部关于明清时期雕刻艺术的展览图录，光是封面设计就透露出一种沉静而厚重的历史感。内页的装帧处理得非常考究，纸张的质地摸上去有一种细腻的触感，仿佛能透过指尖感受到那些匠人打磨木料时的汗水与心血。我特别欣赏它在版式设计上的用心，每一幅作品的展示都留有足够的留白，既突显了主体雕刻的精妙，又营造了一种典雅的阅读氛围。书中的文字部分，虽然我是在翻看图片为主，但零星瞥见的介绍文字，那些关于材料选择、纹饰寓意和时代背景的论述，都显得非常扎实。它没有那种生硬的学术腔调，而是用一种引人入胜的笔触，将一个时代的审美风尚娓娓道来。尤其是对某些细节特写的照片，简直是神来之笔，那些细如发丝的刻痕、人物面部细微的表情变化，都清晰可见，让人不得不佩服那个时代工匠们鬼斧神工般的技艺。

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对于收藏家或者工艺美术的从业者来说，这本书无疑是一本宝贵的参考资料。它在材料的稀有性与工艺的复杂性之间架设了一座沟通的桥梁。我特别注意到，书中对不同时期、不同地域的材料处理方式有细致的对比分析，这对于辨别真伪、理解价值体系非常重要。它的价值远超普通画册，更像是一部结合了考古学、材料科学和美学鉴赏的综合性读物。即便只是作为家中的陈设，它散发出的文化气息也足以提升整个书房的格调。它不仅仅展示了“做了什么”，更深层次地揭示了“为什么这样做”，这种对内在逻辑的挖掘，是真正优秀艺术图录的标志。

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这本书的摄影水平绝对是教科书级别的。许多艺术品在博物馆或展厅里，受限于灯光和保护玻璃，总会留下一些遗憾。但这本书里的每一张照片都仿佛是摄影师耗费了无数心血与展品“对话”后定格的瞬间。光线的运用尤其出色，它不是简单地打亮物体，而是巧妙地利用明暗对比，勾勒出雕刻特有的立体感和深度。我对着其中几幅花鸟题材的作品看了很久，那些叶脉的纹理、羽毛的绒感，甚至连枝干上自然风化的粗糙质感，都得到了极其忠实的还原。这种真实感，对于一个无法亲临现场的爱好者来说，是极其珍贵的。它不仅仅是一本记录性的图册，更像是一部视觉的盛宴，让那些沉睡在玻璃柜后的艺术生命再次焕发出光彩。

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鬼作仙工

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