川剧传统剧目集成（共5卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:李致

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页数:0

译者:

出版时间:2009-12

价格:200.00元

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isbn号码:9787220079863

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• 戏剧
• 川剧
• 传统剧目
• 戏曲
• 地方戏
• 文化
• 艺术
• 戏曲剧本
• 四川
• 民俗
• 戏曲史

《巴蜀戏曲瑰宝：川剧流派与表演艺术探析》 内容简介 本书旨在全面、深入地梳理和研究川剧这一独具魅力的中国地方戏曲艺术的流派形成、核心表演技巧及其在当代舞台的传承与创新。全书以严谨的学术态度和生动的文本叙述相结合，力求为戏曲研究者、专业戏曲演员以及广大戏曲爱好者提供一份详实而富有洞察力的参考资料。 第一章：川剧的地域根源与历史演进 本章溯源川剧的“根”，探讨其如何在巴蜀文化的沃土中孕育、萌芽并逐步定型。 1.1 巴蜀文化与戏曲的交融 详细考察了四川、重庆地区独特的地理环境、民俗信仰和市井文化对早期戏曲形态的影响。重点分析了当地流行的“灯戏”、“清音”、“竹枝词”等民间曲艺形式，如何成为川剧声腔和表演语汇的重要来源。探讨了茶馆、戏园子作为早期演出场所的社会功能，揭示了川剧如何从民间娱乐逐步走向专业化舞台的历程。 1.2 腔调的整合与“川剧”的命名 着重阐述川剧形成过程中，“高腔”、“昆腔”、“タン（弹腔）”、“簧（簧戏）”等不同声腔体系的碰撞、融合与取舍。精确描绘了在清末民初，以“川剧”之名进行统一整合的关键历史节点和推动力量。分析了这种多声腔的复杂结构，如何赋予了川剧极大的艺术包容性和表现力。 1.3 艰难的传承与现代转型 梳理了民国时期直至新中国成立后，川剧在社会动荡中面临的挑战，以及在国家主导下进行的剧目整理、艺术规范化建设工作。重点剖析了如何通过“打捞整理”的实践，抢救性地保留了大量濒临失传的经典剧目和表演程式，为后续的艺术发展奠定了坚实的文献基础。 --- 第二章：核心流派的艺术图谱与代表人物 川剧的艺术生命力在于其鲜明的流派特色。本章将聚焦于几个对川剧发展产生决定性影响的艺术流派，对其艺术风格、绝活技艺及代表人物进行深度剖析。 2.1 汪派（汪邦名一系）的精湛功底与文戏传承 重点分析汪派在“念、做、打”中的精细处理，尤其擅长文场戏和细腻的情感表达。通过对汪邦名及其后继者的艺术实践的梳理，揭示其如何将传统戏曲的程式美学推向极致，尤其在水袖、眼神运用上的独特心得。 2.2 潘派（潘文卿一系）的武功熔铸与阳刚之气 详述潘派在武戏领域的开拓性贡献。探究潘文卿如何汲取川剧武打的民间根源，并融入京剧武生的技巧，形成了“精武”、“脆爽”的风格特点。重点解析潘派在翻跟、跌扑、兵器运用上的技术要领，并分析其代表剧目《十八本川剧》中武戏的编排特点。 2.3 彭派（彭琴章一系）的声腔创新与艺术融合 聚焦彭派在声腔艺术上的突破。分析彭琴章如何兼容并蓄，在传承高腔、弹腔的基础上，创造出既有地方特色又兼具时代审美的唱腔风格。探讨其在塑造人物性格深度和舞台感染力方面的独特手段，特别是其对“小生”行当的贡献。 2.4 其他重要流派的特色简述 简要概述如杨派（杨淑英）、马派（马紫薇）等在特定行当或声腔领域取得的成就，展示川剧流派的“百花齐放”格局。 --- 第三章：川剧表演的“绝活”技术解析 川剧的标志性魅力，很大程度上源于其令人瞠目结舌的“绝活”技术。本章将超越简单罗列，对这些技术进行结构化、技术性的解读。 3.1 变脸艺术的机制与心理学基础 深入剖析川剧变脸（包括“换脸”、“抹脸”、“喷火”）的舞台魔术原理与戏曲表演的有机结合。分析变脸如何从单纯的技艺展示，演变为表达人物内心剧变、情绪爆发的关键手段。探讨其严格的口传心授的传承模式及其在现代舞台灯光、服装技术下的适应性调整。 3.2 水袖功的叙事功能与程式化训练 将水袖视为川剧表演语言的重要组成部分，而非仅仅是服饰的附属。细致区分不同流派水袖甩、抛、缠、拂的技法差异，并结合具体剧目（如《长生殿》的“别姬”段落），阐释水袖如何通过“虚实结合”的手法，完成情感的铺陈与环境的暗示。 3.3 跌扑翻腾的程式化与安全系数 针对武戏中的高难度技巧，如“筋斗”、“穿靴”、“卧鱼”等，本章分析其背后的人体运动学原理。强调川剧武打的“程式美”——即在高度危险的动作中，如何通过精准的节奏控制和预设的缓冲机制，达到“险而不乱，稳而有力”的艺术效果。 --- 第四章：行当体系与角色塑造的内在逻辑 川剧的行当划分与其独特的“五行”理论紧密相关。本章探讨演员如何在固定的行当框架内，实现个性化的角色塑造。 4.1 川剧的行当划分与规范 梳理川剧独有的行当体系，包括正生、小生、贴旦、花旦、武生、武丑等，并重点解析“丑角”在川剧中的特殊地位——不仅是喜剧角色，更是串联剧情、讽刺现实的重要媒介。 4.2 行当间的“混搭”与表演的灵活度 研究川剧在历史发展中，不同行当之间技艺相互渗透的现象。例如，生角对武打的融入，或花旦对唱功的强化。分析这种“混搭”如何打破传统戏曲的僵硬界限，增强了川剧的市井气息和生活质感。 4.3 角色塑造中的“外化”与“内化” 探讨川剧演员如何平衡程式化的外在动作与角色的内心世界。以某一经典悲剧角色为例，分析演员如何通过特定的“亮相”、“走边”、“起手式”等程式动作，瞬间将人物的命运和情感状态传递给观众，实现“意在形先”。 --- 第五章：当代川剧的传承、保护与舞台创新 本章将目光投向当下，审视川剧在现代社会中的生存状态、保护策略以及面向未来的艺术探索。 5.1 剧目抢救与数字文献的建立 介绍当前地方政府和戏曲院团在剧目田野调查、录音录像、剧本整理方面所做的努力。探讨如何利用现代多媒体技术，建立起“活态”的川剧表演数据库，以对抗口传心授的脆弱性。 5.2 舞台呈现的现代化尝试 分析当代川剧在舞美设计、灯光运用、服装革新等方面对传统美学的继承与突破。探讨如何在新编历史剧或现代题材剧目中，保持川剧的核心艺术元素（如变脸、高腔），同时适应现代观众的审美需求。 5.3 戏曲教育与人才梯队的建设 反思川剧专业院校的教学体系，以及如何在新一代演员中培养出既精通传统技艺，又具备广阔艺术视野的复合型人才。强调“师徒相承”与“科班教育”相结合的必要性。 结语：巴蜀韵味，永恒舞台 总结川剧作为活态文化遗产的价值，展望其在二十一世纪的艺术生命力。 本书特色： 技术分解详尽： 对变脸、水袖等核心技艺进行步骤化、原理化的解析，而非停留在现象描述。 流派对比鲜明： 结构化梳理了不同流派在唱、做、念、打上的侧重点和影响。 学术与实践结合： 既有对历史演变的考证，也有对当代舞台实践的关注与批判性思考。 语言平实准确： 避免晦涩的专业术语堆砌，力求表述清晰、富有洞察力。

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我一直认为，一门艺术的生命力在于其不断地创新和发展。《川剧传统剧目集成》这套书，虽然聚焦于“传统”剧目，但却也让我看到了川剧在不断传承中孕育出的创新火花。在对一些经典剧目的介绍中，我注意到书中不仅梳理了剧目的原始版本，还对一些在不同时期、不同名家手中出现的改编和创新进行了阐述。这让我了解到，川剧并非一成不变的古董，而是在不断地与时俱进中焕发着新的生机。例如，书中对某些剧目在唱腔上的改良，在表演上的润色，以及在情节上的调整，都让我看到了川剧艺人们在坚守传统的同时，也在积极地探索和突破。我特别喜欢书中对一些“新编”传统剧目的介绍，这些剧目在保留了川剧基本元素的前提下，融入了新的时代精神和审美追求，让古老的故事焕发出了新的光彩。这种对传统与创新的辩证关系的展现，让我对川剧艺术的未来充满了信心。这套集成不仅仅是对过去的记录，更是对川剧发展脉络的一次清晰梳理，它让我明白了，真正的传统，并非是僵化的守旧，而是在继承中不断地超越和升华。

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我一直认为，地域文化是戏曲艺术的灵魂所在，而川剧作为四川本土的艺术瑰宝，其独特的地域特色是我一直着迷的地方。《川剧传统剧目集成》这套书，在这一点上做得尤为出色，它让我深刻地感受到了川剧与四川这片土地的紧密联系。在对各个剧目的介绍中，我常常能发现其中蕴含的浓厚的巴蜀风情。无论是人物的语言，还是情节的设置，抑或是舞台上的某些细节，都仿佛带着四川人特有的幽默、泼辣和豁达。书中对川剧俚语、民俗习惯的融入，对四川地域方言的运用，都让我倍感亲切。我尤其喜欢书中对一些反映四川社会生活、历史风貌的剧目的介绍，这些剧目仿佛是一面镜子，映照出四川人民的生活百态和精神风貌。读着这些文字，我仿佛能闻到四川的麻辣鲜香，听到四川人爽朗的笑声。这套集成不仅仅是对川剧剧目的汇编，更是对川剧所承载的四川地域文化的深度挖掘和展现。它让我明白，川剧之所以能够成为一门如此富有生命力的艺术，很大程度上在于它根植于这片丰沃的土地，并从中汲取着源源不断的养分。

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我一直对川剧的脸谱艺术情有独钟，总觉得那变幻莫测的色彩和图案，蕴含着深厚的文化底蕴和象征意义。当我在《川剧传统剧目集成》第二卷中看到对《脸谱艺术》部分的详细阐述时，简直欣喜若狂。这一卷不仅收录了大量的经典剧目，更重要的是，它系统地梳理了川剧脸谱的形成、演变和分类。书中对不同颜色、不同图案所代表的人物性格、身份地位进行了详尽的解读，例如，红色代表忠勇，黑色代表刚烈，白色代表奸诈，等等，这些细致的分析让我对川剧人物有了更直观、更深刻的认识。书中还配有大量的彩色脸谱图片，每一张都栩栩如生，仿佛能够听到鼓点声响，看到演员们在舞台上挥洒自如的表演。我尤其喜欢其中对“三级”脸谱的介绍，了解到它们各自的特点和在剧目中的应用，这让我对川剧表演的程式化有了更清晰的认知。此外，书中还探讨了脸谱的绘制技巧和材料，以及不同时期脸谱风格的变化，这些都是我之前鲜少接触到的内容，极大地拓展了我的视野。通过这一卷的学习，我不再仅仅是欣赏脸谱的视觉美感，更能理解其背后的艺术逻辑和文化内涵，这让我对川剧这门古老艺术的敬畏之情油然而生。

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我一直认为，戏曲的魅力不仅在于其舞台上的表演，更在于其背后所承载的丰富文化和历史信息。《川剧传统剧目集成》这套书，真的是我一次又一次的惊喜。尤其是在翻阅到其中关于“川剧的戏源与流变”的章节时，我仿佛置身于一条历史的长河之中，感受着川剧艺术是如何在中华文化的沃土中生根发芽，不断发展壮大的。书中不仅追溯了川剧的早期渊源，分析了其受到周边戏曲剧种的影响，更详细地阐述了在不同历史时期，川剧如何吸收融合，形成独具特色的风格。我看到了川剧在明清时期的萌芽，看到了它在民国时期的繁荣，也看到了它在新中国成立后的发展与创新。书中对不同时期代表性剧目的介绍，对著名川剧艺人的评述，都让我对川剧的历史有了更立体、更生动的认知。我尤其喜欢书中对一些“失传”剧目考证的部分，那种考古般的严谨和对艺术的热爱，让我深受感动。读着这些文字，我仿佛能听到昔日茶园里的喧闹，看到舞台上的灯火辉煌。这套集成不仅仅是剧目本身的汇编，更是对川剧历史文化的一次全面梳理和深度挖掘，它让我明白了川剧的根基有多深厚，它的生命力有多顽强。

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我一直认为，一门艺术之所以能够流传千古，必然离不开其背后深厚的文化积淀。《川剧传统剧目集成》的第四卷，便着重于《声腔艺术的演变与发展》，这对我而言，无疑是打开了通往川剧灵魂深处的一扇大门。我一直对川剧那高亢激昂、婉转细腻的唱腔感到着迷，但却难以深入探究其背后的学问。这一卷，则系统地梳理了川剧声腔从形成、发展到成熟的完整脉络。书中不仅介绍了川剧主要的声腔流派，如高腔、胡琴腔、弹戏、蓉腔等，还对它们各自的特点、唱法、韵味进行了详尽的分析。我能感受到作者们在研究上的严谨和细致，他们不仅引用了大量的历史文献和乐谱，还结合了对当代名家唱段的分析，使得理论与实践相结合，更具说服力。书中对于一些经典唱段的唱词、曲谱、唱腔处理都进行了深入的讲解，我仿佛能听到那些久远的声音在耳边回响。尤其是对一些失传已久的唱腔的考证和复原，更是令人叹为观止，这对于保护和传承川剧声腔艺术具有不可估量的价值。读着这一卷，我不仅能欣赏川剧的唱，更能理解川剧的“唱”，这种对艺术的深度挖掘，让我对川剧的喜爱之情更加深沉。

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作为一名普通观众，我一直渴望能够更深入地理解戏曲背后的艺术逻辑和创作意图。《川剧传统剧目集成》这套书，真的是让我受益匪浅。在对各个剧目的介绍中，我不仅仅是看到了故事的梗概，更重要的是，我看到了作者们对每一个剧目创作背景、艺术手法、思想内涵的深入剖析。书中对于每一个剧目的“赏析”部分，都让我仿佛请到了一位经验丰富的戏曲评论家在耳边细语。我了解到，那些经典的唱段之所以动人，是因为其背后蕴含着精妙的音乐设计和情感的细腻表达；那些精彩的武打，之所以精彩，是因为其背后有着严谨的动作编排和高超的技巧运用；那些生动的人物，之所以鲜活，是因为演员们通过程式化的表演，将角色的内心世界展现得淋漓尽致。书中还对一些剧目的艺术价值和历史意义进行了客观的评价，让我能够从更宏观的角度去理解川剧这门艺术。通过这套集成，我不再仅仅是台下的一个旁观者，而是能够以一种更专业的眼光去欣赏川剧，去品味其中的艺术之美。这让我对川剧这门艺术的敬畏之情更加深厚，也激发了我进一步探索戏曲艺术的浓厚兴趣。

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作为一名对川剧表演程式有着浓厚兴趣的观众，我一直渴望能够更深入地了解其中的奥秘。《川剧传统剧目集成》的第五卷，恰恰满足了我这一需求，它以《表演程式与人物塑造》为主题，为我打开了一扇理解川剧艺术精髓的窗户。这一卷，深入剖析了川剧演员在塑造不同人物时所遵循的表演规范和技巧。书中对“生、旦、净、丑”四大行当的人物划分、表演特点进行了详细的介绍，并结合具体的剧目，分析了演员是如何通过程式化的动作、表情、唱腔来展现人物的性格、情感和命运的。我尤其欣赏书中对一些经典程式动作的分解演示，例如，如何通过“甩袖”、“提袍”、“捋须”等动作来表达人物的内心世界，如何通过“眼神”、“步法”来刻画人物的性格特征。书中还探讨了川剧“脸谱化”表演的独特魅力，以及演员如何在程式的框架内进行再创造，赋予角色鲜活的生命力。我印象深刻的是，书中通过对几个经典剧目中主要角色的塑造分析，展现了川剧演员高超的表演技艺和深厚的艺术功底。读完这一卷，我不再仅仅是将川剧视为一种娱乐表演，而是将其看作是一种高度凝练、极具表现力的艺术形式。我对川剧表演艺术的理解，由此达到了一个新的层次，也更加明白了为何川剧能够跨越时空，感动一代又一代的观众。

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初次翻开这套《川剧传统剧目集成》，我便被其厚重的分量所震撼，仿佛捧着一部浓缩了数百年川剧历史的百科全书。作为一名资深的川剧爱好者，我一直在寻找能够系统、全面地了解川剧经典剧目的途径，而这套集成无疑满足了我长久以来的渴望。第一卷便以《古本戏》开篇，收录了那些历经岁月洗礼，虽年代久远却依旧散发着艺术魅力的传统剧目。我沉浸在那些曲折离奇的故事、跌宕起伏的情节中，仿佛穿越回了川剧的黄金时代。书中对每个剧目的介绍都详尽入微，不仅包括了剧目梗概、主要人物、唱腔特点，还对一些关键的唱词、念白进行了详细的考释，并配以精美的插图，生动地再现了当年舞台的盛况。尤其令我惊叹的是，一些已经几近失传的剧目，通过这套集成得以重现天日，让后人得以窥见川剧艺术的博大精深。读着这些古本戏，我能感受到川剧艺术家们精湛的演技，感受到他们对传统艺术的传承与坚守。每一次翻阅，都能发现新的亮点，每一次品读，都能获得新的感悟。这套集成不仅仅是一本书，更是我学习川剧、研究川剧的宝贵财富。它让我对川剧的理解更加深入，对川剧的热爱也愈发浓烈。我迫不及待地想深入研读接下来的几卷，去探索川剧艺术更广阔的天地。

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我一直对川剧的服饰和道具充满好奇，觉得它们是舞台上不可或缺的重要组成部分，承载着丰富的象征意义。《川剧传统剧目集成》这套书，在这一点上也给了我极大的满足。在其中关于“川剧服饰与道具的艺术特色”的篇章里，我仿佛进入了一个琳琅满目的艺术宝库。书中详细介绍了川剧舞台上各种服饰的形制、色彩、纹样，以及它们所代表的人物身份、性格和情感。例如，我了解到“蟒袍”在剧中通常代表着官员或富贵人家，而“靠把”则多用于将军或勇士。“箭衣”的轻便设计，又是为了配合武打场面的需要，这些细节的解读，让我对演员的表演有了更深的理解。更让我惊叹的是，书中还对川剧道具的独特之处进行了深入的探讨。比如，那个象征着城市的“小马扎”，那个代表着权力的“令箭”，那个象征着距离的“鞭子”等等，这些看似简单的道具，在川剧的表演中却蕴含着无穷的智慧和表现力。书中还配有大量的精美图片，展示了各种服饰和道具的实物，每一张都令人目不暇接。通过这部分的阅读，我不仅欣赏到了川剧服饰和道具的精美工艺，更理解了它们在舞台表演中所扮演的重要角色，以及它们如何与演员的表演相辅相成，共同营造出独特的艺术魅力。

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第三卷《武戏集粹》简直是为热爱川剧武戏的观众量身打造的宝藏。作为一名对川剧的翻打跌扑、刀枪剑戟充满好奇的观众，我常常在观看演出时被演员们矫健的身手和凌厉的招式所折服。而这一卷，则将那些精彩绝伦的武戏进行了系统的整理和呈现。书中收录了大量以武戏见长的经典剧目，详细介绍了每个剧目中主要的武打场面、动作设计和表演技巧。我不仅看到了详尽的文字描述，还通过书中提供的精美插图，仿佛置身于激烈的打斗现场，感受着空气中弥漫的紧张与力量。书中对于“空打”、“器械”、“群打”等不同类型的武戏都进行了深入的讲解，分析了它们各自的特点和难度。例如，对“趟马”、“亮相”等基本功的要求，对“摔打”、“扑跌”等技巧的运用，都进行了细致的剖析。我特别欣赏书中对一些高难度动作的分解介绍，让我了解到演员们为了呈现完美的舞台效果，付出了多少艰辛的努力和常人难以想象的训练。读完这一卷，我对川剧武戏的理解上升到了一个新的高度，对那些在舞台上挥洒汗水、展现力量的川剧武生们充满了敬意。这套集成不仅仅是记录，更是一种传承，它让川剧武戏的精髓得以被更多人了解和珍视。

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入手第一、第二卷，备用，无需多言。。。

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