Das Theater und sein Double pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Matthes & Seitz Berlin

作者:Antonin Artaud

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2010-01

价格:EUR 24.80

装帧:Gebundene Ausgabe

isbn号码:9783882216585

丛书系列:

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好的，这是一本关于现代舞台艺术与哲学思考的图书的详细简介： 《光影的迷宫：当代剧场中的在场与缺席》 内容简介 在二十世纪下半叶，剧场艺术经历了深刻的范式转移。传统的“再现”模式逐渐被对“在场性”（presence）本身的质疑与颠覆所取代。本书旨在深入探讨后戏剧剧场（postdramatic theatre）兴起之后，舞台空间如何成为一个容纳多重现实、符号与身体性交织的复杂场域。《光影的迷宫：当代剧场中的在场与缺席》并非一本剧本选集，而是一部聚焦于剧场本体论和美学转向的理论研究，它考察了从贝克特（Beckett）的极简主义到后现代挪用（appropriation）实践中，戏剧艺术如何处理时间、空间、观众感知以及表演者的身份危机。 第一部：断裂的叙事与时间的重构 本书的第一部分，我们首先剖析了现代主义如何瓦解了线性的、因果驱动的戏剧结构。重点分析了荒诞派戏剧对语言效能的侵蚀，以及剧场如何开始关注“事件本身”而非“情节的转述”。 我们探讨了时间在舞台上的非线性呈现。这不是指简单的倒叙或插叙，而是指空间中时间的多重叠加——过去、现在与潜在的未来如何在同一瞬间共存。例如，我们细致分析了某些特定作品中，舞台布景如何成为一个“凝固的时间胶囊”，迫使观众放弃对传统戏剧时间流逝的预期。这其中涉及对汉斯-蒂斯·莱曼（Hans-Thies Lehmann）关于“失落的再现”（loss of mimesis）的论述的细致辨析，但我们的侧重点在于，这种“失落”如何转化为一种新的“在场”形式。 第二部：身体、物性与非人类主体 当代剧场最引人注目的特征之一，是对传统以“人物”为中心的思考的超越。第二部分将目光投向了舞台上的身体——不再是叙事代理人，而是物质、符号和能量的聚合体。 我们考察了身体在舞台上如何被“去中心化”。通过分析肢体剧场（physical theatre）和皮娜·鲍什（Pina Bausch）的舞蹈剧场，我们探究了身体的日常性（the mundane）如何被提升至仪式性高度，以及“重复”这一行为本身如何剥离了身体的情感叙事，使其成为一种纯粹的“展示”。 此外，本书也对“物”（object）在当代舞台上的地位进行了深入考察。当道具不再仅仅是人物的附属品，而是成为舞台上的独立行动者时，剧场的意义场域发生了何种变化？我们分析了装置艺术（installation art）对舞台设计的渗透，以及声音景观（soundscape）如何主动参与到叙事建构中，甚至取代了传统意义上的独白。这部分内容致力于论证：在当代剧场，对象与身体之间的界限正在溶解。 第三部：观众的边缘化与共谋 剧场作为一种社会实践，其核心在于观众的存在。第三部分聚焦于当代剧场如何重新协商与观众的关系——一种从传统的被动接受者到主动的“参与者”或“边缘的观察者”的转变。 我们研究了沉浸式戏剧（immersive theatre）的兴起，并非简单地赞扬其互动性，而是批判性地审视其如何通过物理上的“包围”来制造一种新型的疏离感。当观众被要求“进入”场景时，他们是否反而失去了审视场景的批判距离？ 本书的另一个重要维度是对“目光”（gaze）的分析。传统戏剧的目光是统一的，指向舞台中央的英雄。而在后戏剧语境下，舞台空间往往是碎片化和多焦点的，观众的目光被分散，被迫进行自主的意义建构。我们讨论了这种“分散的目光”如何与当代社会的信息过载状态相呼应，以及剧场如何成为一个训练观众“如何观看”的场所。 第四部：虚拟、模拟与剧场的边界 随着技术的发展，虚拟现实、实时影像和数字媒体对舞台构成了前所未有的挑战与机遇。第四部分探讨了剧场如何应对“模拟的胜利”——当模拟可以比现实更真实、更具震撼力时，现场表演（live performance）的独特价值何在？ 我们分析了那些积极拥抱电子媒介的剧团，他们如何利用延时摄影、实时编辑的影像来解构“即时性”的魔力。这并非对剧场“死亡”的哀悼，而是对“在场”概念的极限测试：一个由影像构建的虚拟身体，其“在场性”是否等同于一个肉身演员的在场？ 本书最终导向一个结论：当代剧场不再追求提供一个封闭的、完整的“世界”，而是提供一个开放的“空间”——一个充满张力、悬而未决的“迷宫”，在这个迷宫中，我们得以反思我们自身的感知机制、叙事渴望以及对“真实”的永恒追寻。它邀请读者深入剧场的边缘，去体验和思考那些尚未被完全言说和捕捉的艺术实践。 本书面向戏剧研究者、舞台艺术从业者以及所有对当代哲学、美学和符号学感兴趣的读者。通过对一系列关键美学断裂点的梳理，我们试图勾勒出二十一世纪剧场艺术精神图谱的轮廓。

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这本书的行文结构，老实说，对于非专业人士来说，初读时会感到一丝挑战，因为它不像通俗读物那样追求线性的流畅叙事。作者更倾向于采用一种螺旋上升、不断回溯和深化的论证方式，每一个章节似乎都在探讨一个特定的维度，但这些维度之间又通过一种隐秘的、内在的逻辑紧密联系在一起。例如，他对舞台“空无”的论述，就穿插了大量关于建筑声学和观众视线死角的细致分析，这使得抽象的“空”具备了可感知的物理属性。我特别注意到作者在引用和旁征博引方面的功力，他能将福柯的权力结构分析，毫不生硬地嫁接到对古典悲剧角色命运的解读上，这种跨学科的对话，使得原本可能显得枯燥的理论讨论焕发出了新的生命力。阅读过程中，我经常需要停下来，反复咀嚼某些句子，因为其中蕴含的信息密度实在太高，仿佛每一个词汇都被打磨得棱角分明，直指核心。这种精密的写作风格，要求读者必须保持高度的专注力，但回报是，你每深入一层，都会有豁然开朗之感。

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最让我感到震撼的，是作者对于“表演的身体”与“空间的物质性”之间关系的探讨。他似乎摒弃了将身体视为纯粹表达工具的传统观点，而是将其视为与舞台地板、道具、甚至空气湿度相互作用的动态实体。我记得其中一段描述了某次历史性演出中，一位演员因为过度紧张导致呼吸模式的改变，而这种细微的生理变化如何反过来影响了整个剧场的能量场，这一点被描述得极其生动和细致。这不是简单的心理描写，而是一种近乎于感官交换的描写。这种对物质细节的执着，让我想起早期的现象学研究，但又融入了后结构主义对符号流动的理解。这本书成功地做到了“去中心化”，它不再将焦点仅仅集中在剧作文本或演员的内心独白上，而是将目光投向了那些被长期忽略的边缘元素——比如道具的磨损痕迹、灯光投射的角度对观众情绪的潜移默化影响，甚至是观众席上微小的身体挪动。这种“全景式”的观察方法，极大地拓宽了我对“戏剧事件”的理解边界。

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这本书的封面设计极具冲击力，那种黑白分明的色调，配合着抽象的舞台光影，立刻就能抓住读者的眼球。我拿到书的时候，首先就被它散发出来的那种厚重感所吸引，纸张的质地非常考究，一看就知道是经过精心挑选的。翻开扉页，那种油墨的清香混合着旧书特有的那种微弱的尘土气息，让人仿佛穿越到了一个古典剧场的后台。作者在引言部分的处理非常巧妙，没有直接抛出宏大的理论，而是用几个极具画面感的短篇叙事片段，勾勒出了剧场空间本身的“幽灵性”。他对于光线在舞台边缘的散射，以及演员在幕后等待时那种近乎宗教般的沉静，描写得入木三分。我尤其欣赏他对“双重性”这个概念的初步探讨，并非停留在哲学层面，而是直接将其具象化为舞台布景的层次感和演员表演中的“在场”与“缺席”的辩证关系。这种叙事方式，让读者在尚未进入核心论述之前，就已经被带入了一种沉浸式的、带有仪式感的阅读体验之中。初读下来，我感觉这不是一本单纯的学术专著，更像是一部充满诗意的剧场人类学考察报告，让人对即将展开的探索充满了期待。

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从整体的阅读感受来说，这本书更像是一次对“感知阈值”的挑战与重塑。它没有提供标准化的答案或可复制的公式，相反，它不断地提出更复杂、更深刻的问题。读完之后，我发现自己看待任何表演、甚至日常互动的方式都发生了微妙的转变。过去我可能只关注“演员说了什么”，现在我开始留意“他们是如何站立的”、“光线如何切割了他们的面部轮廓”、“空间如何回应了他们的动作”。这种“后遗症”是评价一本优秀理论著作的最高标准。它不只是提供知识，而是改变了你观察世界的方法论。这本书迫使你走出舒适区，去直面那些模糊地带、矛盾之处，甚至那些不合逻辑的、但却真实存在的剧场现象。它不是一本可以轻松翻阅的书，更像是一次智力上的攀登，虽然过程艰辛，但顶峰的视野绝对值得为之付出所有的努力。

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这本书的语言风格，可以称得上是“精确的华丽”。它不像某些学术著作那样使用晦涩的行话堆砌，反而有一种古典的韵律感，仿佛作者是在用一种精心编排的独白来引导我们进入他的思维迷宫。尤其是在描述那些稍纵即逝的瞬间时，比如幕布拉开前一秒的寂静，或者谢幕时掌声雷动中演员的疲惫感，作者的措辞总是恰到好处地拿捏住了情感的张力与理性的分析之间的平衡。他似乎很清楚，戏剧本身就是一种语言的艺术，因此，他在构建自己的论证时，也自觉地模仿了戏剧的节奏感——有铺垫、有高潮、有留白。有那么几处，我甚至觉得他是在直接“导演”我的想象，让我“看到”他所描述的场景，而不是仅仅“阅读”它。这种对语言本身的敏感度和驾驭能力，是这本书能够超越一般理论书籍，成为一种独特阅读体验的关键所在。

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