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出版者:Cambridge University Press

作者:Richard Fawkes

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-04-30

价格:USD 27.00

装帧:Audio Cassette

isbn号码:9780521637411

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 音乐史
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穿越时空的音符：管弦乐的恢弘史诗（四卷本） 一本深入探索西方古典音乐发展脉络的权威著作，系统梳理了从早期格里高利圣咏到浪漫主义盛期的伟大变革与璀璨群星。 本书是一套精心编撰的四卷本巨著，旨在为音乐爱好者、学生及研究者提供一个全面而深入的视角，以理解西方古典音乐如何在漫长历史中演变、发展并最终确立其不朽的艺术地位。我们摒弃了过于学术化的枯燥叙述，转而采用流畅且引人入胜的笔触，将音乐史描绘成一幅波澜壮阔的文化画卷。本书的重点在于梳理关键的历史时期、重要的音乐形式的诞生与成熟，以及那些定义了各自时代的作曲家及其开创性的贡献。 --- 第一卷：圣歌、复调与文艺复兴的黎明 (约 500 年 – 1600 年) 主题：秩序的构建与人文精神的觉醒 本卷聚焦于西方音乐的“童年”与“青春期”。我们将从早期教会音乐的单音性（Monophony）——格里高利圣咏（Gregorian Chant）的规范化与传播开始讲起。探讨中世纪音乐如何逐渐突破单一旋律的限制，引入了复调（Polyphony）的概念。 关键章节解析： 1. 早期记谱法的革新： 详细阐述了纽姆记谱法（Neumes）如何演变为我们今天所熟知的五线谱系统，这是音乐得以保存和精确再现的基础。 2. 巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）： 深入分析了列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在组织复杂节奏和多声部织体方面的革命性工作，标志着西方和声体系的初步建立。 3. 世俗音乐的勃兴： 介绍游吟诗人（Troubadours）和宫廷乐师在传播世俗情歌、骑士精神和讽刺文学方面扮演的角色，展示了音乐开始脱离纯粹的宗教范畴。 4. 文艺复兴的黄金时代： 详细考察了文艺复兴时期对清晰度、平衡和模仿手法的追求。重点剖析了荷兰乐派（Franco-Flemish School）的代表人物如若斯坎（Josquin des Prez）如何将人声复调艺术推向顶峰，其作品中体现出的精致的对位法。 5. 宗教改革与对位： 探讨马丁·路德的宗教改革如何推动德语圣歌（Chorale）的发展，以及帕莱斯特里纳（Palestrina）在特伦特会议背景下，如何通过其纯净、平衡的作品为天主教会音乐树立了典范。 本卷强调了音乐如何从一种服务于礼拜的工具，逐渐发展成为一种具有独立美学价值的艺术形式，为巴洛克时期的爆发积蓄了能量。 --- 第二卷：巴洛克的辉煌与戏剧性 (约 1600 年 – 1750 年) 主题：情感的表达、对比的艺术与歌剧的诞生 第二卷将我们带入一个充满激情、对比鲜明且装饰华丽的时代——巴洛克时期。这一时期的核心特征是对“情感状态”（Doctrine of Affections）的系统化表达，以及对速度、音色和力度进行精确控制的尝试。 关键章节解析： 1. 歌剧的诞生与早期发展： 详述了佛罗伦萨的“大院沙龙”（Florentine Camerata）如何受古希腊戏剧启发，催生了以宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）为骨架的早期歌剧，以及蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥菲欧》中对戏剧张力的深刻把握。 2. 协奏曲与奏鸣曲的定型： 追踪了维瓦尔第（Vivaldi）对协奏曲（Concerto）形式的标准化，特别是快-慢-快的三乐章结构的确立。探讨了室内乐（Sonata）如何从一种演奏形式发展成为一种固定的音乐体裁。 3. 键盘音乐的革新： 重点分析了赋格（Fugue）作为一种复杂的对位织体，在巴赫（J.S. Bach）的作品中达到无与伦比的巅峰。通过对其《平均律键盘曲集》的剖析，展示了西方调性体系的最终确立。 4. 亨德尔的宏大叙事： 考察了亨德尔（Handel）在英国发展出的清唱剧（Oratorio）形式，特别是《弥赛亚》如何将戏剧性的咏叹调与气势恢宏的合唱结合起来，成为跨越时代的杰作。 5. 巴洛克晚期的过渡： 简要回顾了巴洛克晚期音乐中装饰的复杂性，以及向更清晰、更平衡的古典风格过渡的早期迹象。 本卷揭示了巴洛克音乐家如何利用对位法、持续低音（Basso Continuo）和新的和声语言，创造出具有强大情感冲击力的音乐体验。 --- 第三卷：古典主义的清晰与平衡 (约 1750 年 – 1820 年) 主题：结构至上、清晰的旋律线与交响乐的成熟 古典主义时期被誉为西方音乐史上对“完美形式”的追求。在启蒙运动思想的影响下，音乐强调清晰的结构、简洁的动机发展以及平衡的乐段设计。 关键章节解析： 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的确立： 详细解释了呈示部、发展部和再现部这三大板块的内在逻辑，以及它如何成为交响曲、协奏曲和奏鸣曲的核心骨架。 2. 维也纳三杰的奠基： 重点关注海顿（Haydn）作为“交响乐之父”的角色，他如何系统地完善了四乐章交响曲的结构，并将其作品中的幽默感和结构严谨性相结合。 3. 莫扎特的音乐天赋与戏剧性： 分析了莫扎特（Mozart）在歌剧（特别是其德语歌剧）中将人物心理刻画与音乐完美融合的能力，以及他在协奏曲中对独奏乐器与乐队对话的精妙处理。 4. 古典主义晚期的转折： 本卷的后半部分聚焦于贝多芬（Beethoven）早期和中期的作品。探讨他如何在遵循古典形式的同时，通过扩大篇幅、引入更强烈的戏剧冲突和更复杂的和声语言，为浪漫主义的到来铺平了道路。他的《英雄交响曲》被视为打破传统束缚的关键里程碑。 5. 室内乐的精致化： 探讨弦乐四重奏在古典时期如何从一种轻松的娱乐性音乐，转变为结构最严谨、最具对话性的艺术形式。 本卷的核心在于理解结构美学如何支配创作，以及音乐家如何通过精妙的比例和清晰的线条来达到永恒的和谐。 --- 第四卷：浪漫主义的激情与个体表达 (约 1820 年 – 1910 年) 主题：情感的无限扩张、民族色彩的注入与音乐体裁的拓展 随着贝多芬的巨人之影笼罩，音乐家们开始将个人的情感体验、对自然的热爱、对民族历史的沉思，以及对超验世界的向往，毫无保留地注入到作品中。浪漫主义是音乐史上情感表达最为自由奔放的时代。 关键章节解析： 1. 艺术歌曲（Lied）的兴起： 深入分析舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何将诗歌的文学意境与钢琴伴奏的“心理景观”完美结合，使钢琴不再仅仅是伴奏者，而是叙事的重要参与者。 2. 钢琴音乐的独奏时代： 考察了肖邦（Chopin）如何将民族舞曲（如波兰舞曲、玛祖卡）精致化，并开创了大量富有个人色彩的钢琴独奏曲目（如夜曲、叙事曲），将钢琴的表现力推至极限。 3. 标题音乐与交响诗的诞生： 探讨李斯特（Liszt）如何创造“交响诗”（Symphonic Poem）这一全新体裁，用一首乐曲讲述一个完整的故事或描绘一幅画面。同时，分析柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》在配器和情感强度上的突破。 4. 歌剧的地域化与英雄主义： 考察瓦格纳（Wagner）如何通过“主导动机”（Leitmotif）系统和对整体艺术作品（Gesamtkunstwerk）的追求，颠覆了传统歌剧结构。同时对比意大利歌剧的“咏叹调至上”传统，如威尔第（Verdi）的戏剧力量。 5. 民族乐派的觉醒： 关注捷克、俄罗斯等地的作曲家（如德沃夏克、柴可夫斯基），他们如何从民间音乐、神话和本国历史中汲取灵感，为古典音乐注入鲜明的地域色彩和身份认同。 本书的第四卷总结了浪漫主义如何通过对和声、配器和情感广度的不断探索，将古典音乐的表达能力推向了前所未有的高潮，并为进入二十世纪的现代主义变革埋下了伏笔。 --- 总结： 这套四卷本著作，从圣咏的单音走向巴洛克的复调，从古典的结构走向浪漫的激情，为读者构建了一个清晰、连贯且充满细节的西方音乐全景图。它不仅记录了“谁在何时创作了什么”，更深刻探讨了“为什么这些音乐会如此重要”，以及它们在各自文化背景下的历史意义。阅读此书，如同聆听一场持续千年的宏大交响，感受人类创造力的不竭源泉。

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这部四磁带套装《古典音乐史》简直是我近几个月来最棒的音乐发现！我一直对古典音乐抱有浓厚的兴趣，但苦于找不到一个既系统又易于消化的入门指南。这套磁带完美地填补了我的空白。首先，我必须赞扬它的叙事结构，它没有那种枯燥的学院派腔调，而是像一位经验老到的音乐评论家在娓娓道来。从巴赫的巴洛克精巧到莫扎特的古典主义的优雅，再到贝多芬那革命性的浪漫序曲，每一步都衔接得天衣无缝。我特别喜欢他们对不同时期作曲家之间相互影响的细致剖析。比如，他们如何阐述海顿对年轻的贝多芬产生的关键影响，而不是仅仅将他们孤立地看待。录音质量对于磁带来说，简直是惊喜，音质清晰，没有太多嘶嘶声，即便是播放那些古老的录音片段，也能感受到制作方的用心。对于像我这样，习惯于在做家务或者通勤路上“吸收”知识的人来说，磁带这种介质的便携性和沉浸感是数字流媒体无法比拟的。它强迫你专注于内容，而不是被屏幕上的其他信息分心。我感觉自己不仅仅是在听音乐，更是在参与一场跨越数百年的音乐对话。这套系列极大地拓宽了我对“古典音乐”这个概念的理解边界，让我开始愿意去探索那些我以前从未触碰过的早期作曲家。

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这套《古典音乐史》系列，对我这个从流行音乐领域转向古典音乐的“转投者”来说，简直就是一座灯塔。我最大的困惑一直是：为什么有的作品听起来如此“复杂”？这套磁带很好地解决了我的技术障碍。它并没有使用过于深奥的音乐理论术语，如果使用了，也会立刻给予清晰的解释。它专注于讲解音乐形式的演变——从奏鸣曲式的确立，到交响乐的体量如何逐渐扩大，再到歌剧叙事手法的革新。通过对比不同时期的同一体裁（比如巴洛克协奏曲与浪漫主义协奏曲），听众可以直观地捕捉到音乐语言的“语法”是如何演变的。这种对比教学法非常高效。而且，磁带的编排非常注重节奏感，它知道什么时候需要放慢速度，用更长的篇幅来解析一段关键的乐章，什么时候则需要快速地过渡到下一个重要人物。我发现自己经常在听完一盘后，立刻跑去图书馆找对应的乐谱片段来对照聆听，这种学习的连贯性是其他碎片化的在线课程无法给予的。这套东西带着一种老派的、专注的魅力，让人不得不全身心投入。

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说实话，当我拿到这套四盒磁带时，我有点担心它的“历史性”会使得内容过于陈旧或晦涩，毕竟“古典音乐史”这个标题听起来就让人有点打怵。然而，实际的收听体验完全颠覆了我的预期。这套系列最出彩的地方在于它对“音乐如何反映时代精神”的探讨。它不仅仅是罗列了重要的作品和生卒年份，而是深入挖掘了每一段音乐语言背后的社会和哲学背景。例如，在讲解浪漫主义时期时，讲述者巧妙地将当时的民族主义浪潮、工业革命带来的社会变革，与舒曼、肖邦等人的作品中那种强烈的个人情感表达联系起来。这种深层次的解析，让我对那些耳熟能详的旋律有了全新的感悟。我感觉自己仿佛戴上了一副特殊的眼镜，看清了音乐家是如何在他们所处的特定历史语境中进行创作的。此外，磁带的旁白语气极其权威又不失亲切，这在非虚构的历史类音频产品中是很难得的平衡。我通常会在睡前听一盘，那种稳定而富有逻辑性的讲述，比任何白噪音都更能让我感到平静和充实。我强烈推荐给那些希望从“泛听”迈向“精听”的音乐爱好者。

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令人惊叹的是这套磁带在选取示例曲目时的广度和深度。它远超出了人们通常认为的“古典音乐”范畴。我原本以为它会聚焦于维也纳三杰和几位晚期大师，但令我惊喜的是，它用相当的篇幅去探讨了十七世纪早期意大利歌剧的先驱们，以及那些在十九世纪中期被主流历史略微边缘化的作曲家。我通过这套磁带，第一次接触并欣赏了亨德尔清唱剧的宏大叙事力量，而不是仅仅停留在他的几首著名器乐小品上。讲述者在谈及这些“非主流”音乐家时，语气中充满了对音乐史复杂性的尊重，没有为了迎合大众口味而简化他们的贡献。对我而言，购买这套磁带的主要目的就是为了充实我的知识盲区，而它超额完成了任务。磁带包装上的字体设计和色调也带着一种怀旧的质感，与内容本身的厚重感相得益彰，让人感觉物超所值。这套产品像是留声机时代结束后，对传统音乐教育方式的一次有力的致敬。

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我必须承认，我最初对磁带这种格式持怀疑态度，毕竟现在数字音频的便利性太高了。然而，这套《古典音乐史》向我证明了，好的内容是可以通过任何媒介被传递的。这四盘磁带的播放时间安排得极好，每一盘似乎都对应着一个清晰的历史阶段划分，使得学习的心理负担很小。最让我印象深刻的是它在讲解十九世纪末期音乐如何开始向现代主义过渡时的处理方式。它没有简单地将德彪西和瓦格纳视为终点，而是将听众的耳朵引向了那些正在酝酿的、充满不和谐音响的世界。讲述者对于音乐“美”的标准是如何在二十世纪初被彻底挑战的进行了非常精彩的阐述，让人听完后对斯特拉文斯基或勋伯格的作品不再感到那么抗拒。这套系列成功地建立了一种听众与历史的信任感，它没有试图去“推销”某个作曲家，而是引导我们自己去理解音乐是如何一步步走向今天的面貌。这是一次漫长而富有启迪的旅程，非常适合想要系统梳理西方音乐发展脉络的深度学习者。

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