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☆☆☆☆☆

出版者:Greenwood

作者:Michael Blitz

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2007-11-30

价格:USD 35.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780313343001

丛书系列:

图书标签:

★
传记
☆
JohnnyDepp
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具体描述

Ideal for student research assignments, this series covers the most interesting historical and contemporary figures from curriculum subject areas including science, history, literature, politics, and the arts. The series fills a gap in reference collections for full-length, well-written biographies, serving as both enjoyable reading and authoritative research tools.The volumes include:an engagingly written style for high school and undergraduate students; coverage from birth to death/present day; photographs of the subject at different life stages; timeline highlighting significant events and contributions; and further suggested readings from both print and electronic sources.

好的，为您创作一本名为《星尘的低语：光影交错间的百年剧作》的图书简介，此书内容与“Johnny Depp”无关。星尘的低语：光影交错间的百年剧作（一部横跨百年、深入剖析电影艺术与人类情感变迁的史诗级著作）引言：银幕之上，光影如织电影，诞生于十九世纪末的法国，却在短短一个多世纪里，彻底重塑了人类感知世界的方式。它不仅是技术的奇迹，更是时代的镜子、情感的容器。我们凝视银幕，看到的不仅是虚构的故事，更是映照我们自身欲望、恐惧与梦想的复杂光谱。《星尘的低语：光影交错间的百年剧作》并非一部简单的影史编年录，而是一场深入电影艺术内核的田野调查。本书从早期默片时代对光线的实验性捕捉，到有声电影对戏剧结构带来的颠覆，再到彩色胶片对视觉语言的彻底解放，直至数字时代的叙事碎片化与全球化传播，我们试图捕捉那些驱动电影艺术不断自我革新的核心动力。本书的核心论点在于：电影的“百年剧作”是一场持续不断的、关于“在场性”与“缺席性”的哲学探讨。每一帧画面，每一次剪辑的停顿，都充满了创作者与观众之间心照不宣的契约与博弈。第一部分：沉默的权力——默片时代的感官革命（1895-1927）默片时代，是电影作为纯粹视觉语言的黄金时期。本部分将细致考察卢米埃尔兄弟的纪实美学与梅里爱的奇幻构想如何共同奠定了电影的基石。我们着重分析了早期导演如何运用面部表情的夸张、身体的肢体语言以及精心设计的景深和布光，来弥补声音的缺失。重点章节解析：《光影炼金术师：摄影机与现实的初次接触》：探讨了电影如何从记录工具转变为构建“第二现实”的机器。重点剖析了德国表现主义（如《卡里加里博士的内阁》）如何利用扭曲的布景来外化角色的心理状态，以及苏联蒙太奇学派（爱森斯坦、库里肖夫）如何通过对镜头的并置与冲突，创造出超越单个画面含义的“概念”力量。我们认为，默片时代的剪辑哲学，至今仍是数字叙事中的隐秘骨架。《身体的剧场：从面具到面孔的迁移》：分析了早期明星（如薇拉·霍尔德或巴斯特·基顿）如何通过精湛的形体表演，构建出超越语言的、普世的情感代码。他们的表演是高度风格化的，也是对观众潜意识的直接沟通。第二部分：噪音的入侵与叙事的重塑（1927-1950）有声电影的到来，被誉为一场艺术的“地震”。它带来了一场关于电影身份的深刻危机。本部分将深入探讨声音的引入如何迫使电影制作人重新定义叙事节奏、空间感和演员的表演方式。《对话的枷锁：从舞台到银幕的张力》：分析了早期有声片（如《爵士乐之王》）如何笨拙地将舞台剧的腔调移植到银幕上，以及这种局限性如何催生了黑色电影（Film Noir）的诞生。黑色电影对阴影、低语、以及画外音的运用，是对声音媒介潜能的早期探索，它揭示了战争阴影下美国梦的破碎与焦虑。《技术的驯服：宽银幕与技术对艺术的影响》：随着技术进步，电影对视听体验的追求进入新阶段。本章将讨论二维空间的拓展（如CinemaScope）如何反作用于导演对构图的运用，以及米高梅等制片厂体系在二战后如何巩固其对叙事模式的控制。第三部分：现代性的碎片与作者的觉醒（1950-1975）二战后的世界，充满了对既有秩序的怀疑。电影艺术开始从集体叙事转向对个体经验、异化和潜意识的深入挖掘。这是“作者论”在全球范围内爆发的时代，电影制作人开始强调个人视角对媒介的重塑。《新浪潮的结构性破坏》：聚焦法国新浪潮（Nouvelle Vague）对传统电影语法（如连续性剪辑）的故意破坏。戈达尔的“跳切”、特吕弗对即兴表演的偏爱，并非仅仅是风格上的反叛，而是对“真实”和“时间”在电影中如何被构建的哲学质疑。《意大利的灵魂伤口：新现实主义的余烬与重构》：分析了意大利新现实主义如何将镜头推向街头，聚焦于战后普通人的生存困境，以及这种对“非职业演员”和“日常奇迹”的关注，如何影响了后世的纪录片和剧情片之间的边界。这一时期，电影开始坦诚地展示自身的“为人为作”，而非仅仅是“幻象”。第四部分：视听的狂欢与后现代的迷宫（1975至今）随着特效技术的发展和全球市场的整合，电影进入了一个视觉奇观与叙事自我指涉并存的时代。本部分审视了电影如何应对身份政治的兴起、媒介的碎片化以及资本的全球流动。《数字化的双刃剑：真实感的消亡与重构》：探讨了CGI技术如何解放了想象力，但也带来了对“奇观”的过度依赖。我们分析了后现代导演（如昆汀·塔伦蒂诺）如何通过挪用、拼贴历史文本和类型元素，构建出一种既怀旧又疏离的叙事迷宫。电影不再试图模仿世界，而是开始讨论“模仿本身”的意义。《全球视野下的地方性表达》：分析了非西方电影工业（如香港武侠片、伊朗新电影、韩国的类型片复兴）如何在全球化浪潮中，既吸收了西方叙事技巧，又成功地保留和发展了其独特的文化母题和视觉符号，为全球观众提供了多元化的情感入口。结语：永不落幕的胶片《星尘的低语》最终回归到电影的本质：它是一种人类群体记忆与个体梦境交织的复杂产物。从早期的微弱光影，到今天的超高清沉浸体验，电影的魔力从未减弱，它只是不断地学习如何用新的语言，讲述关于爱、死亡、背叛与希望的永恒主题。本书邀请读者跨越时间的界限，不再仅仅是观众，而是成为一名审视光影语言的解码者，去聆听那些被固定在胶片和数字流中的、永恒的星尘低语。关键词：电影美学、默片艺术、蒙太奇理论、黑色电影、作者论、新浪潮、后现代叙事、视觉语言演变。