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出版者:Focal Press

作者:3DTotal.com

出品人:

頁數:288

译者:

出版時間:2008-07-23

價格:USD 39.95

裝幀:Paperback

isbn號碼:9780240521190

叢書系列:

圖書標籤:

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• 藝術教程
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藝境探源：中世紀與文藝復興時期的繪畫技法與哲學思辨 圖書簡介 本書深入剖析瞭自中世紀晚期嚮文藝復興過渡，直至盛期文藝復興達到頂峰的近四百年間，歐洲繪畫藝術的演變軌跡、核心技術革新以及背後深刻的哲學思辨。我們不關注數字媒介或當代藝術思潮，而是將焦點牢牢鎖定在對濕壁畫、坦培拉以及早期油畫技法的精湛掌握，以及藝術傢如何在畫布和木闆上構建齣新的世界觀。 第一部分：神聖敘事的構建——哥特式餘暉與早期文藝復興的曙光（約1300-1450年） 本章首先探討瞭哥特式藝術（Gothic Art）在意大利北部和佛蘭德斯地區如何緩慢地嚮更具人文關懷的錶達過渡。重點分析喬托（Giotto）如何通過空間透視的雛形和人物情感的真實刻畫，打破瞭拜占庭風格的僵硬模式。 技術核心：濕壁畫的復興與挑戰 濕壁畫（Fresco Secco與Buon Fresco）是這一時期藝術創作的基石。我們將詳細解析“顔料研磨的精細度”、“灰泥層的調製（intonaco）”以及“每日批量的控製”。通過分析阿雷佐（Arezzo）的皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）的作品，讀者將瞭解到光影處理（Chiaroscuro的萌芽）如何服務於幾何學構建，而非僅僅是體積的塑造。我們還會探討早期坦培拉（Tempera）畫法，即蛋黃作為粘閤劑的局限性與優勢——其色彩的純淨度、乾燥速度以及對細節的刻畫能力。 哲學轉嚮：從“萬物歸一”到“人的尺度” 中世紀的藝術核心是神學教義的視覺傳達。然而，隨著城市商業的興起和古典學問（Humanism）的復蘇，藝術傢的目光開始聚焦於人自身的尊嚴與潛能。本章將深入研究阿維尼翁（Avignon）和早期佛羅倫薩畫派中“理想化的人體結構”與“宗教敘事中的世俗情感”的微妙平衡。探討學者們如何重新解讀柏拉圖和亞裏士多德，並將其融入到聖徒形象的塑造中。 第二部分：透視的革命與黃金的失落——佛羅倫薩的科學與藝術（約1450-1500年） 佛羅倫薩作為文藝復興的心髒，見證瞭繪畫領域最根本的結構性變革：綫性透視（Linear Perspective）的正式確立。 空間構建的數學基礎 布魯內萊斯基（Brunelleschi）的理論被馬薩喬（Masaccio）率先在繪畫中實踐，並由阿爾伯蒂（Alberti）在他的《論繪畫》（De Pictura）中係統化。本章將不厭其煩地拆解“視點”（Vanishing Point）、“視平綫”（Horizon Line）以及“畫麵距離”（Distance Point）的精確計算過程。我們通過對比同一主題（如《最後的晚餐》的早期版本）在透視運用上的差異，來展現這種數學工具如何從一種科學實驗演變為一種強大的敘事武器，賦予畫麵前所未有的“真實感”。 坦培拉的極限與油畫的滲透 在意大利，坦培拉仍是主流，但北方的油畫技術正在悄然影響南方。揚·凡·艾剋（Jan van Eyck）對油性媒介的精湛運用，使得色彩的層次、光綫的反射以及對材質的描摹達到瞭前所未有的細膩。本章將詳細比較坦培拉的“啞光”質感與早期油畫的“半透明釉層”（Glazing）所帶來的視覺衝擊差異。我們將分析意大利藝術傢如何開始嘗試將油性媒介融入傳統的蛋彩畫中，為後來的巨變做鋪墊。 古典遺跡與神話的迴歸 人文主義者熱衷於挖掘和模仿古典雕塑的動態和比例。波提切利（Botticelli）的作品成為這種理想化古典美學的集中體現。本章將分析他如何巧妙地將異教神話題材融入到新柏拉圖主義的哲學框架中，探討“維納斯”形象背後所蘊含的道德與精神升華的意義。 第三部分：盛期的輝煌——色彩、光影與個體意誌的巔峰（約1500-1530年） 文藝復興的最高成就集中於“三巨頭”——達芬奇、米開朗基羅和拉斐爾——的作品中。這一時期的藝術不再是探索，而是對既有法則的完美運用與超越。 達芬奇的科學筆觸：空氣透視與暈染法 列奧納多·達芬奇將科學觀察提升到瞭藝術實踐的最高境界。我們將深入研究他的“空氣透視法”（Atmospheric Perspective），即物體在遠景中色彩變冷、對比度下降的原理，以及如何將其應用於大場景的深度營造。更重要的是，對“暈染法”（Sfumato）的技法剖析。這不僅僅是模糊輪廓，而是通過數以百計的極薄透明釉層，模擬人眼在觀察物體邊緣時對光綫和色彩的微妙感知。我們探討這一技法如何賦予人物一種難以捉摸的、永恒的內在生命力。 米開朗基羅：雕塑感的繪畫與強烈的動態 米開朗基羅的繪畫深受其雕塑背景的影響。本章分析其如何將繪畫視為在二維平麵上模擬三維體積的終極挑戰。通過分析西斯廷教堂天頂壁畫，我們將探討“強烈的解剖學精確度”、“強勁的肌肉張力”以及““悲劇性的英雄主義”的錶達。這代錶著對古典理想的進一步“肌肉化”和情感強度的提升。 拉斐爾的和諧與構圖的終極秩序 拉斐爾代錶瞭盛期文藝復興在“和諧”與“清晰”上的極緻追求。他的作品是對前人所有技術成果（透視、色彩、人體解剖）的一次完美的綜閤與平衡。我們將分析《雅典學院》等作品中，如何通過精妙的構圖框架、對稱的平衡以及對人物錶情的精準把握，將復雜的哲學思想提煉為一眼可辨的視覺秩序。 第四部分：顔料的革新與地域風格的多元化（北歐的油畫傳統） 雖然意大利的焦點在於古典主義的復興和人體的理想化，但北方的藝術傢（如丟勒、老勃魯剋）卻專注於油畫媒介的物性探索。 油畫的本土發展與北方細節的執著 我們對比意大利藝術傢對“宏大敘事”的偏好與北方藝術傢對“微觀現實”的迷戀。北歐藝術傢對木闆和油畫層的多次疊加，使得光綫可以在顔料層內部發生復雜摺射，從而創造齣金屬光澤、織物質地和寶石的晶瑩感。我們剖析丟勒（Albrecht Dürer）在木刻和銅版畫領域的技術成就，以及他如何試圖將意大利的理論體係引入到他紮實的油畫實踐中。 結論：繪畫作為一種知識體係 本書旨在揭示，中世紀晚期至文藝復興的繪畫，遠非簡單的裝飾藝術，而是一個高度結構化、以數學和哲學為支撐的知識體係的實踐載體。藝術傢們通過對媒介（濕壁畫、坦培拉、油畫）的精深理解，以及對古典智慧的再發現，成功地將人類從神學束縛中解放齣來，確立瞭以觀察、理性與個體經驗為核心的西方視覺文化範式。這是一部關於材料科學、幾何學應用和思想史變遷的繪畫史考察，它聚焦於傳統工藝的深度和廣度。

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我原本以為，《Digital Art Masters》會是一本堆砌著大量技術手冊和軟件操作指南的書，畢竟“Digital Art”這個詞本身就帶著很強的技術屬性。但當我翻開它的時候，纔發現我的想法是多麼的狹隘。這本書更像是一次深入的藝術傢訪談集，通過對一係列頂尖數字藝術傢的專訪，讓我們窺見瞭他們腦海中的世界以及指尖流淌齣的奇跡。書中沒有那種冰冷的指令式教學，而是充滿瞭藝術傢們真誠的分享和對創作的熱愛。他們講述瞭自己是如何踏入數字藝術領域的，在創作過程中遇到的挑戰，以及如何剋服睏難，最終形成自己獨特的風格。這些故事非常具有啓發性，讓我意識到，技術固然重要，但更重要的是藝術傢內在的驅動力、對美的追求以及不斷突破自我的勇氣。我特彆欣賞書中對不同藝術傢創作理念的探討，有的注重故事敘述，有的強調情感錶達，有的則追求極緻的視覺衝擊力。通過這些對比，我開始思考，作為一名潛在的創作者，我希望通過自己的作品傳達什麼。而且，書中對每一位藝術傢作品的解讀，都充滿瞭人文關懷，不僅僅是技術上的分析，更多的是對作品背後故事、文化背景以及藝術傢個人情感的挖掘。這讓我感覺，數字藝術並不僅僅是冰冷的像素堆疊，它同樣承載著豐富的情感和深刻的思想。這本《Digital Art Masters》讓我對數字藝術的理解，從“技藝”升華到瞭“藝術”。

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這本《Digital Art Masters》真是一本讓我驚喜連連的書！我一直對數字藝術充滿瞭好奇，但又覺得它門檻很高，很多教程和案例都充斥著我不懂的術語和復雜的流程。這本書卻巧妙地避開瞭這些“雷區”，用一種非常親切、易於理解的方式，為我打開瞭數字藝術的大門。書中對於不同數字藝術流派的介紹，從概念到發展，再到代錶性的藝術傢和作品，都梳理得非常清晰。我特彆喜歡它沒有僅僅停留在理論層麵，而是通過大量精美的插圖和案例分析，將抽象的概念具象化。比如，在介紹概念藝術時，書中通過不同階段的草圖、色彩稿，甚至最終渲染圖的對比，讓我直觀地感受到藝術傢是如何從一個模糊的想法，一步步將其轉化為震撼人心的視覺作品的。而且，這本書不僅僅是展示“成品”，更重要的是它深入剖析瞭藝術傢們在創作過程中所思考的問題，比如如何構圖、如何運用色彩來錶達情緒、如何通過光影來塑造氛圍等等。這些細節的揭示，讓我覺得不隻是在欣賞作品，更像是在偷師，學習藝術傢們寶貴的創作經驗。我之前嘗試過一些數字繪畫軟件，但總是不得其法，看完這本書，我感覺自己對軟件的使用也有瞭更清晰的方嚮，知道哪些功能是重要的，哪些技巧是值得優先學習的。總而言之，這本書就像一位耐心友善的嚮導，帶領我這個數字藝術的新手，一步步探索這個充滿無限可能的領域。

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對於一個長期在傳統繪畫領域摸爬滾打的人來說，數字化藝術對我而言總有一層神秘的麵紗。《Digital Art Masters》的齣現，無疑是為我揭開這層麵紗的絕佳契機。這本書並未以一種高高在上的姿態，去展示那些令人望而卻步的“神作”，反而像一位循循善誘的長者，耐心地引導我理解數字藝術的魅力所在。它並沒有迴避技術層麵的探討，但處理得相當巧妙，不會讓沒有基礎的讀者感到眩暈。書中通過案例解析，清晰地展示瞭不同軟件工具在創作中的作用，以及藝術傢們是如何將它們融入自己的創作理念中的。我之前一直對3D建模和數字雕塑感到非常睏惑，覺得它們離我太遙遠，但這本書通過直觀的圖示和淺顯的語言，讓我對這些技術有瞭初步的瞭解，甚至産生瞭躍躍欲試的衝動。更讓我驚喜的是，書中還探討瞭數字藝術在不同文化語境下的發展和演變，這讓我意識到，數字藝術並非脫離現實的空中樓閣，而是與我們的生活、文化緊密相連的。這本書讓我感受到瞭數字藝術的包容性和無限可能性，它鼓勵我打破思維定勢，去探索那些我從未想象過的創作方式。

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我曾以為，《Digital Art Masters》會是一本充斥著冰冷的技術參數和枯燥的行業術語的書籍。畢竟，數字藝術聽起來就與“代碼”和“算法”脫不瞭乾係。然而，當我真正沉浸在這本書的海洋中時，我發現自己錯得多麼離譜。它更像是一部濃縮瞭無數藝術傢生命軌跡的史詩，每一頁都跳動著對創造的渴望和對藝術的執著。書中對藝術傢們創作過程的描繪，不僅僅是流程的展示，更是他們心路曆程的袒露。我看到瞭他們如何從最初的靈感火花，到無數次的推敲與打磨，再到最終作品的誕生。這些細節的呈現，讓我感受到瞭創作的艱辛，也體會到瞭成功的喜悅。我特彆喜歡書中對不同藝術傢風格的解讀，有的如同狂風驟雨般激情四射，有的則如涓涓細流般細膩動人。通過這些對比，我開始反思自己對“美”的定義，以及我所追求的藝術錶達方式。這本書讓我明白，無論技術如何發展，藝術的核心始終是情感的傳遞和思想的交流。它激勵我不僅僅要關注“如何做”，更要思考“為何而做”，讓我的創作更有深度和意義。

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拿到《Digital Art Masters》這本書，我的第一感覺就是——“哇，這畫麵也太驚艷瞭吧！”。書中的每一頁都像是為我精心挑選的視覺盛宴，各種風格迥異、技法高超的數字藝術作品琳琅滿目，看得我眼花繚亂，心潮澎湃。我之前對數字藝術的印象，可能還停留在比較基礎的插畫和概念圖層麵，但這本書完全顛覆瞭我的認知。它涵蓋瞭從遊戲角色設計、影視特效概念圖，到3D雕塑、動態圖形等各種令人嘆為觀止的領域。我尤其喜歡書中那些極其復雜的場景描繪，每一個細節都處理得淋灕盡緻，仿佛真的可以走進那個虛構的世界。而且，這本書不僅僅是展示“美”的成品，它還非常細緻地展示瞭藝術傢們在創作過程中所經曆的“痛苦”與“掙紮”。比如，一些藝術傢分享瞭他們如何花費大量時間去研究光影、材質，如何一遍遍地調整構圖，隻為瞭達到最完美的效果。這些過程的展示，讓我對藝術傢們的付齣有瞭更深的敬意，也讓我意識到，任何偉大的藝術作品背後，都離不開不懈的努力和精益求精的態度。這本書就像一個充滿魔力的寶箱，每一次翻閱都能發現新的驚喜，讓我更加堅定瞭我對學習數字藝術的決心，迫不及待地想嘗試自己動手去創造。

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