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出版者:中国美术学院

作者:姜法彪//陈昌林

出品人:

页数:77

译者:

出版时间:2009-7

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787810838610

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 石膏像
• 绘画
• 美术
• 艺术
• 临摹
• 速写
• 基础
• 教学
• 技法

《素描石膏像》是一本旨在教授绘画爱好者如何准确捕捉石膏塑像的形体、光影与质感的实用指南。本书深入浅出地剖析了石膏像素描的创作过程，从基础的构图与比例把握，到深入的光影塑造与细节刻画，为读者提供了一套系统而全面的学习方法。 一、 认识石膏像：形体之美与观察之道 本书首先带领读者认识石膏像这一经典的素描训练对象。为何选择石膏像？书中会详细阐述其优势：纯粹的形体、明确的光影关系、相对稳定的结构，这些特点使得石膏像成为锻炼造型能力和空间感最理想的素材。作者会引导读者学会“看”，即不仅仅是眼睛看到，而是用绘画的思维去理解石膏像的内在结构，识别其体积感、穿插关系以及转折变化。 结构与比例： 掌握头部、五官、身体各部分的精确比例是素描的基础。书中会介绍经典的测量方法，如“比例法”、“网格法”等，并结合不同角度的石膏像实例，讲解如何准确地在画面中建立起石膏像的骨骼框架。例如，在描绘半身像时，如何精确计算肩部与头部的比例，头部各部分的黄金分割点等。 形态特征： 不同的石膏像具有独特的形态特征，如古希腊雕塑的优雅曲线，罗马雕塑的力量感，或是巴洛克雕塑的戏剧性。书中会针对一些经典的石膏像范例（例如《赫拉克勒斯》、《维纳斯》等），分析其各自的风格特点，教会读者如何抓住并表现这些差异。 二、 光影的魔术：立体感的塑造 光影是赋予石膏像生命力的关键。本书将深入探讨光影在素描中的重要性，以及如何通过细腻的光影处理来塑造石膏像的立体感和空间感。 光源分析： 作者会详细讲解不同光源（顶光、侧光、逆光等）对石膏像产生的不同效果，以及如何根据光源方向判断受光面、背光面、亮部、暗部、反光和投影。书中会通过大量的图例，演示不同光源下的石膏像光影变化。 明暗关系的运用： 掌握明暗五调是塑造体积的关键。书中会详细讲解从亮部到暗部的灰度变化，如何利用排线、擦拭、揉擦等技法来表现不同层次的灰度。例如，如何用交叉排线来表现光滑表面的反光，如何用虚实的笔触来表现石膏表面的粗糙感。 投影的处理： 投影不仅能交代石膏像与地面的关系，也能增强画面的空间感。本书会指导读者如何准确地画出投影的形状、深浅和虚实。 三、 质感与细节：让画面“活”起来 除了形体和光影，对石膏像质感的细腻刻画，以及对细节的处理，也是提升画面表现力的重要环节。 石膏材质的描绘： 石膏本身具有一种温润、细腻的质感。书中会介绍如何运用柔和的笔触和灰度变化来表现这种特有的材质感，使其看起来不是一块冰冷的石头，而是有生命力的艺术品。 细节的刻画： 无论是人物的五官表情，还是服饰的褶皱，或是头发的飘逸，这些细节的处理能让画面更加生动。本书会指导读者如何有选择性地刻画细节，抓住关键特征，避免“平均用力”。例如，如何用细致的线条和阴影来表现眼睛的深邃，如何用富有弹性的笔触来表现衣物的垂坠感。 环境与背景的辅助： 在某些情况下，适当的环境交代和背景处理，可以更好地衬托石膏像，烘托画面氛围。书中会探讨如何在不喧宾夺主的前提下，运用简单的背景来丰富画面层次。 四、 实践与提升：从模仿到创造 本书不仅提供理论知识，更强调实践的重要性。 经典范例解析： 书中会精选多幅高质量的石膏像素描作品，对这些作品的创作思路、技法运用进行详细解析，帮助读者理解优秀的素描作品是如何炼成的。 练习方法指导： 从临摹大师作品到独立写生，本书为读者提供了不同阶段的练习方法，鼓励读者多动手实践，在不断的练习中找到自己的不足，并加以改进。 常见问题解答： 针对初学者在素描过程中可能遇到的各种问题，本书会提供相应的解答和建议，例如线条僵硬、明暗关系不清晰、比例失调等。 《素描石膏像》旨在成为每一位素描爱好者手中的得力助手，它将带领读者一步步走近石膏像的艺术世界，掌握扎实的素描基本功，培养敏锐的观察力和表现力，最终能够自信地拿起画笔，创作出令人满意的作品。无论你是零基础的初学者，还是希望提升技艺的绘画爱好者，本书都将为你打开一扇通往素描艺术殿堂的大门。

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与其说这是一本关于素描的书，不如说它是一本关于“时间与永恒”的视觉沉思录。全书的选图风格非常统一，倾向于那些充满历史痕迹、甚至是略微残缺的古代复制品，而不是那些完美无瑕的现代翻模。作者似乎热衷于捕捉“残缺之美”与“时间侵蚀”。他通过精湛的绘画技巧，将石膏上那些细微的磕碰、灰尘的沉积、以及因年代久远而产生的细小裂纹，描绘得淋漓尽致。这种对“不完美”的赞颂，极大地拓宽了我的创作思路，让我意识到，艺术的魅力往往存在于那些未被完全塑造的边缘地带。书中的排版设计也颇具匠心，章节之间的过渡往往通过大幅留白或只展示局部细节的插页来完成，这种节奏上的顿挫，恰恰模仿了观看艺术品时，我们思绪起伏的过程，引导读者进入一种缓慢、沉浸式的阅读和学习体验。读完合上书本时，留下的不是一套学会如何画石膏像的流程，而是对“形体”与“时间”之间复杂关系的全新理解。

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坦白讲，这本书的视角相当清奇，它似乎并不太关心“如何画好”这种直接的功利性问题，反倒是在探讨“为何要画”的哲学层面。阅读过程中，我感觉自己不是在一个学习绘画技巧，而是在进行一场关于形式美学的深度对话。书中的文字风格非常凝练，句子结构复杂而富有节奏感，时而充满激情，时而又回归到一种近乎科学的冷静分析。特别是作者对“透视”在古典雕塑中的体现进行的长篇论述，视角刁钻，直接切入了我们日常观察中的盲点。例如，他分析了为什么某些角度的石膏像看起来比实际更具冲击力，这其中涉及到人眼视觉习惯与几何构图的微妙博弈。这本书的价值不在于提供一套可以复制的模板，而在于重塑读者的认知结构。它强迫你停下来，去质疑你习以为常的观察方式，去思考你下笔时所依据的那些潜意识的规则。对于已经有一定基础的进阶学习者而言，这无疑是一剂强效的“清醒剂”。

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这本书给我最大的触动，是它对于“材料性”的执着表达。它不仅仅是在描绘石膏像的形体，更是在描绘“石膏”这种材料本身的特性。书里有一组专门的写生练习，对比了同样造型下，不同光照条件下，不同质地的材料——比如略带砂砾感的石膏、光滑如玉的汉白玉仿制品，甚至是略带蜡质感的模型——所呈现出的完全不同的视觉感受。作者细腻地捕捉了光线在这些微观表面上的“行为”，这是极高水平的观察力体现。我过去画石膏像时，总觉得它们是“灰色的中性体”，但在阅读这本书后，我开始关注到环境色如何影响到石膏表面的微妙冷暖变化，以及受光面边缘的“硬度”与背光面边缘的“柔和度”之间的辩证关系。这种对细节的钻研深度，已经超越了单纯的技法层面，进入到一种近乎偏执的艺术追求，让人不得不佩服作者对造型艺术的敬畏之心。

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我收到这本书时，说实话，期望值并不高，以为又是一本市面上常见的、充斥着标准范画的“速成”指南，但阅读体验完全超出了预期。这本书的叙事方式非常独特，它更像是一部艺术家的“心灵独白”而非教学手册。它跳脱了传统素描教材的框架，深入探讨了“观看”的本质。作者花了大量篇幅去分析光线如何“塑造”形体，而不是简单地教你“画阴影”。其中几章对“环境光”和“反射光”的阐述，简直是教科书级别的梳理，逻辑清晰到令人拍案叫绝。我记得有一章专门讲如何处理石膏像上那些微小的、几乎难以察觉的瑕疵和裂痕，作者指出，这些“不完美”恰恰是赋予作品个性和历史感的关键。这让我开始重新审视我自己的练习，不再盲目追求表面的光滑与完美，而是开始关注作品背后的故事和质感。全书的排版设计也极其考究，留白的处理如同中国山水画一般，给人喘息的空间，让眼睛在长时间观察复杂结构后，得以放松，这是一种非常人性化的设计哲学。

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这本画册，说实话，第一眼被封面的设计就吸引住了，那种厚重的纸质感和低调的色彩搭配，让人立刻联想到艺术殿堂里那些历经岁月洗礼的经典之作。翻开内页，扑面而来的是一连串对人体结构和古典雕塑的细致描摹，但它绝不是那种枯燥的解剖图谱。作者的笔触极其老练，线条的力度变化仿佛带着呼吸，光影的过渡自然到仿佛能触摸到大理石的冰凉触感。我尤其欣赏其中对于“动态”的捕捉，即便是静止的石膏像，在画家的笔下也焕发出了生命力，那种蕴含在肌肉线条中的张力，让人仿佛能听到米开朗基罗雕刻时的凿击声。书中的选材非常讲究，从希腊的断臂维纳斯到文艺复兴时期的半身胸像，每幅作品都配有作者精到的简短批注，不是那种学院派的空洞术语，而是充满了对造型本质的洞察，比如对“体积感”和“空间感”的强调，对于正在摸索如何摆脱“平涂”困境的初学者来说，简直是醍醐灌顶。这本书真正做到的，是把冰冷的石膏，通过纸张和墨色的转化，重新赋予了温度和情感，值得每一位热爱素描和造型艺术的人，静下心来反复研读，从中汲取营养。

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