高考艺术类专业测试实用教程之编导卷

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页数:424
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出版时间:2009-8
价格:34.00元
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isbn号码:9787810974707
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  • 编导
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  • 影视编导
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具体描述

《高考艺术类专业测试实用教程之编导卷》第一大特点是具有极强的实用性。由于作者大都参加过影视专业测试及阅卷或招生工作,对于影视专业的现状、动态、考试要求及注意事项了如指掌。针对考生具体的知识结构特点,以因材施教为宗旨,大到影视专业理论,小到面试的微小细节,都融入了编写人员的理解和心得,融入了自己切身的体会和经验。这是本套书与一般同类辅导书的最大区别。

《高考艺术类专业测试实用教程之编导卷》另一特点是科学性与系统性。全书分编导与播音主持两卷,每卷均由九章构成,基本涵盖了高考艺术类编导和播音主持专业测试方方面面的内容,十分周全与细致。如:编导卷开篇第一章“走进影视艺术”,涉及中外广播、影视的发展简史,可以使考生了解几种艺术形式的发展脉络,同时简略地介绍了影视艺术的基本特征,对于考生更好地学习本专业具有良好的铺垫作用。在第二章“认识编导专业”里作者结合自己多年媒体工作的经验,为考生介绍了影视编导的职业特征、素质要求及未来就业的方向,使考生对这个专业有更深入的了解。“艺术常识”一章是针对面试中所涉及的文艺常识而编写的辅导材料,囊括了影视、文学、戏剧、戏曲、音乐、美术等方面的基础知识。由于篇幅的原因,难免挂一漏万,我们编写的宗旨是重点突出,简练易记。

影视叙事与剧本创作的深度探索 一、 电影语言的结构与美学 本书旨在为电影爱好者、独立电影制作人以及影视专业学生提供一套系统而深入的电影叙事与剧本创作理论框架。我们聚焦于如何通过镜头、剪辑和声音的有机结合,构建出具有强大情感穿透力和逻辑张力的故事世界。 1. 视觉叙事的基石:摄影机运动与景别运用 有效的视觉语言是电影表达的骨架。本书细致剖析了不同景别(如全景、中景、特写)在传达信息、引导观众情绪中的微妙作用。我们探讨了运镜手法的选择——推拉摇移、斯坦尼康平稳跟踪、手持晃动——如何直接影响叙事节奏和观众的在场感。尤其关注如何通过非线性或实验性的镜头语言,打破传统线性叙事模式,实现更深层次的隐喻表达。 2. 时间与空间的重塑:剪辑的艺术 剪辑是赋予片段生命力的过程。本书超越了传统的“连贯性剪辑”范畴,深入研究了蒙太奇理论的演进,从爱森斯坦的冲突蒙太奇到戈达尔的跳接实验。我们详细分析了如何运用节奏剪辑(快切、慢放)、心理空间剪辑(闪回、闪进)和平行剪辑,在有限的银幕时间内,实现对人物内心世界的丰富刻画和多线叙事的清晰梳理。章节中包含了大量案例分析,对比了古典好莱坞叙事与当代独立电影叙事在剪辑策略上的根本差异。 3. 声音设计的层次:环境、对白与音乐 声音是叙事中经常被低估却至关重要的元素。本书将声音分析分为三个层次:环境音(Diegetic Sound的氛围构建)、对白(如何让对话自然地推动情节而非仅仅解释情节)以及配乐(音乐如何深化潜台词和情绪张力,而非仅仅是背景烘托)。我们特别讨论了“非物质声音”(Non-Diegetic Sound)在制造悬念、烘托高潮时的精确使用原则,以及如何利用声音的失真或缺失来表达角色的精神状态。 --- 二、 剧本结构与人物深度塑造 剧本是电影的蓝图,其结构逻辑和人物的复杂性决定了最终作品的成败。本书致力于提供一套超越“三幕式”基础框架的、更具弹性与深度的剧本构建方法论。 1. 超越三幕式的结构弹性 虽然三幕式结构是行业标准,但优秀剧本往往能在其中实现精妙的结构变奏。本卷详细探讨了五幕结构在史诗题材中的应用、循环结构在哲学性影片中的作用,以及碎裂式叙事(如昆汀·塔伦蒂诺的非时间轴结构)如何增强叙事趣味性。重点解析了“激励事件”(Inciting Incident)和“中点”(Midpoint)在不同类型片中如何被重新定义和强化,确保故事的核心驱动力始终强劲。 2. 人物弧光的精细打磨 一个令人难忘的故事,源于一个令人信服的人物。本书倡导“动机先行”的塑造原则。我们不满足于角色的外在目标(What they want),而是深入挖掘其内在需求(What they need)和核心创伤(Wound)。章节内容包括: 内外冲突的构建: 如何设计与角色核心信念相悖的外部障碍,迫使角色进行内在的转变(弧光)。 配角的张力贡献: 探讨反派角色、导师角色如何不仅是主角的阻碍或帮助者,更是主角内在缺陷的投射和检验者。 “Show, Don't Tell”的剧本实践: 如何将复杂的心理活动转化为可被镜头捕捉的动作、反应和场景设计,避免过多的独白或解释性台词。 3. 场景的密度与张力管理 剧本的每一个场景都必须服务于整体叙事目标。本书教授如何最大化场景的“信息密度”,确保在有限的页面空间内,场景既要推进情节,又要揭示人物,还要奠定或改变基调。内容涵盖: 场景的“迷你三幕结构”: 即使是单个场景,也应包含开始、冲突升级和转折点。 场景之间的有机衔接: 分析如何通过主题、视觉意象或声音元素的呼应,实现场景间流畅的过渡和意义的叠加。 --- 三、 叙事焦点的转换与主题的深化 高水平的影视作品,往往能在商业外壳之下,承载深刻的社会洞察或哲学思考。本书致力于引导创作者如何精炼其核心主题,并通过叙事手法将其潜藏于故事肌理之中。 1. 主题的“潜文本”处理 我们强调,优秀的主题不应被直白地喊出来,而应是故事运作的内在逻辑。本书分析了如何通过象征物、重复出现的意象以及角色在困境中的选择来暗示主题。例如,一个关于“自由”的主题,可能不需要角色讨论自由的意义,而是通过持续对空间(封闭/开放)的描绘来实现。 2. 视角的选择与限制 叙事视角(Point of View)的选择直接决定了观众对故事的感知深度和情感投入。本书对比了全知视角、有限第三人称视角,以及第一人称主观视角(POV Shot)在不同叙事目的下的优劣。尤其关注当代实验电影中,如何通过视角的不断切换和不可靠叙述者来挑战观众的既有认知,实现对现实的解构。 3. 类型的解构与重构 类型片(Genre)是观众的契约,但卓越的创作者总是在此基础上进行创新。本书提供了一系列解构常见类型(如西部片、黑色电影、科幻片)核心母题的方法,并指导读者如何有意识地颠覆类型预期,将熟悉的框架用于表达全新的、个性化的观点。例如,如何用浪漫喜剧的结构讲述一个关于身份认同危机的严肃故事。 通过对电影技术、剧本结构和主题深度的全面梳理,本书旨在培养创作者的批判性思维和实践能力,使其能够独立构建出既有市场潜力又具有艺术探索精神的影视作品。

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作为一名正在摸索方向的艺术生,我过去最大的困扰在于信息源的碎片化和标准的不统一。各个培训机构的教学侧重点不一,导致我总是在不同流派的理论中摇摆不定。而这本书的出现,仿佛提供了一个中立的、高度浓缩的“标准答案框架”。它的理论体系构建得非常稳固,从最基础的“故事是什么”到进阶的“如何进行有效的情感共鸣构建”,逻辑链条一环扣一环,严丝合缝。我特别喜欢它对“审美判断”部分的阐述,它没有武断地规定什么才是“好作品”,而是提供了一套可供自我审视和修正的评价体系,这对于培养考生的独立思考能力至关重要。毕竟,高考测试的不仅是技巧,更是思维的成熟度。这本书的深度,在于它不仅教你如何‘应试’,更是在潜移默化中帮你建立起一个受用的艺术思维模型,这才是长期来看最有价值的投资。

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这本书的封面设计得非常直白,让人一眼就能看出它的目标受众和核心内容。从字体选择到整体布局,都透露着一种务实、不花哨的风格,这一点对于备考压力巨大的艺术类考生来说,无疑是个加分项。我个人在翻阅时,最直观的感受是内容排版的清晰度极高,几乎没有冗余的装饰,所有的篇幅似乎都精确地用在了干货的呈现上。尤其是章节之间的逻辑过渡,处理得非常流畅,即便是一些相对抽象的编导理论概念,也能通过清晰的小标题和层级分明的结构被有效地拆解吸收。我特别留意了它在基础知识点的梳理部分,感觉作者在力求覆盖全面性的同时,没有陷入无休止的知识点堆砌,而是巧妙地找到了理论与实际应用之间的平衡点。例如,它对某些经典叙事结构的解析,并不是简单地罗列定义,而是结合了一些近年的高考真题案例进行反向验证,这种教学方式让人感觉学习的路径更加扎实可靠,仿佛手握的不是一本冷冰冰的教材,而是一位经验丰富、深谙考点脉络的导师。

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说实话,一开始我对这类“教程”式的书籍抱持着一种审慎的态度,毕竟市面上此类辅导资料汗牛充栋,真正能让人眼前一亮的屈指可数。然而,这本书在处理“实用”二字上,确实展现出了一些独到之处。它的叙述语言风格非常接地气,没有太多晦涩难懂的学术术语,读起来有一种亲切感,像是资深学长在给你“传授秘籍”,而不是高高在上的教授在进行理论灌输。我尤其欣赏它在模拟实战环节的设计。它没有仅仅停留在告诉我们“应该怎么做”,而是深入探讨了在考场那种高压环境下,如何快速进行创意构思和结构布局的心理调适与技巧训练。这种对考生心理状态的关注,是很多纯理论书籍所缺乏的维度。读完它的部分章节,我感觉自己像是被强行拉入了一个高强度的思维训练营,迫使我必须在有限的时间内,用最有效率的方式组织起自己的观点和作品框架。对于那些在创意执行阶段容易卡壳的同学来说,这本书提供的“应急手册”式的指导,价值是无可估量的。

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这本书的装帧和纸张选择也值得称赞,虽然这听起来可能有点吹毛求疵,但在长时间的阅读和反复翻阅过程中,舒适的触感确实能提升学习的意愿。更重要的是,它在内容编排上体现出一种极强的“可操作性”。我注意到,在讲解一些例如“影像语言分析”这类需要大量视觉辅助的章节时,作者并没有采用泛泛而谈的方式,而是通过大量的图示、流程图甚至是可以扫描二维码获取的额外网络资源的链接(如果存在的话),极大地丰富了学习的维度。这套书似乎深知艺术类考生的学习特点——视觉驱动型学习。它避免了纯文字的枯燥,用更直观的视觉化方式来解释复杂的镜头调度或场面调度原理,这对于理解电影语言的底层逻辑至关重要。它更像是一本工具书与学习指南的完美结合体,随时可以摊开,快速定位到某个具体技能点,然后立刻进行练习,形成一个高效的闭环学习系统。

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这本书的排版设计上,虽然整体风格偏向功能性,但其内部逻辑结构的设计却极为精妙。它似乎遵循了从宏观到微观,再从理论到实践的“螺旋上升”式学习路径。初看起来,知识点密度非常大,可能会让人产生压迫感,但当你按照它推荐的阅读顺序一步步深入时,会发现那些看似庞杂的知识点,其实已经被作者用一种极具智慧的方式进行了模块化处理。尤其是在对“非虚构叙事”与“创意短片策划”的交叉点进行解析时,那种跨学科的整合能力令人印象深刻。它展现的不是简单的知识叠加,而是一种系统的知识重构。我感觉自己不再是被动接受知识的容器,而是主动运用工具解决问题的工程师。对于那些已经有一定基础,但急需系统化梳理和拔高思维层次的考生而言,这本书提供了一个非常坚实、可信赖的支撑平台,它真正体现了“实用”二字背后所蕴含的,是对考试体系深刻的洞察与把握。

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