大卫·奥伊斯特拉赫传

大卫·奥伊斯特拉赫传 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:人民音乐出版社
作者:维·格里戈里耶夫
出品人:
页数:476
译者:焦东建
出版时间:2009-6
价格:45.00元
装帧:
isbn号码:9787103035504
丛书系列:外国音乐家访谈录
图书标签:
  • 音乐
  • 传记
  • 奥伊斯特拉赫
  • 古典音乐
  • 俄国
  • 俄罗斯
  • 音乐,传记,古典音乐
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具体描述

《大卫·奥伊斯特拉赫传:回忆·访谈·书信》所收录的部分文章都具有重要的学术价值,但它们并不是科研论文,而是我们所听到的杰出音乐家和普通人——大卫·奥伊斯特拉赫那珍贵的琴声最直接的回音。

历史长河中的流光:探寻《大卫·奥伊斯特拉赫传》之外的音乐世界 本书并非聚焦于那位蜚声国际的小提琴巨匠大卫·奥伊斯特拉赫的生平与艺术成就。相反,我们选择将目光投向更广阔的音乐史景深中,那些与他同在或交错的时代洪流、那些同样闪耀却不被大众熟知的音乐家、那些支撑起整个音乐生态的创作与演奏传统。这是一部关于“缺席者”的编年史,一幅在二十世纪古典音乐的宏大画卷上,以留白方式勾勒出的平行宇宙。 第一部:十九世纪末的浪漫余晖与民族乐派的勃兴 要理解二十世纪初的音乐气候,必须回溯到十九世纪末德奥音乐主导地位开始松动的时期。 一、布拉格的低语:德沃夏克的继承者们 本书将深入探讨捷克音乐在斯美塔那和德沃夏克之后,如何寻找新的表达方式。我们不会提及奥伊斯特拉赫的少年学琴经历,而是聚焦于那些在布拉格音乐学院中默默耕耘的作曲家和演奏家。例如,约瑟夫·苏克(Josef Suk)作为德沃夏克的学生和女婿,其作品中对本土民间旋律的深度挖掘,以及他后期作品中趋于内省和象征主义的风格转变,构成了一个独立于“超级巨星”之外的艺术脉络。我们分析苏克的小提琴协奏曲,探讨它如何在民族情感与晚期浪漫主义和声之间寻求平衡,它代表的不是炫技,而是对祖国土地深沉的爱。 二、俄罗斯的“五人团”与彼得堡的学院派之争 在沙皇俄国的广袤土地上,音乐的发展呈现出鲜明的两极分化。本书将详细描绘“五人团”——巴拉基列夫、穆索尔斯基、鲍罗金、里姆斯基-科萨科夫和崔潺迷夫——如何通过借鉴民间音乐和东方元素,构建俄罗斯民族音乐的根基。我们会重点分析里姆斯基-科萨科夫的配器艺术,特别是他晚期作品中对色彩和神话主题的迷恋,这与后来苏联体制下的音乐美学有着显著的区别。 与之相对,我们考察圣彼得堡音乐学院以安东·鲁宾斯坦为代表的学院派,他们更倾向于德奥传统,培养了如格拉祖诺夫这样的承前启后者。格拉祖诺夫的交响乐作品,虽技艺精湛,却在时代的巨变中显得有些温文尔雅,他的创作哲学,代表了旧世界向新世界过渡时期的某种妥协与坚守。 三、法国印象派的悄然登场:德彪西与拉威尔的“色谱” 本书会花费大量篇幅,以非传统的视角审视德彪西和拉威尔的工作室。我们关注的不是他们对独奏乐器的影响,而是他们如何通过对音色和和声的革命性处理,彻底颠覆了瓦格纳式的戏剧性叙事。德彪西对东方音乐、对象征主义诗歌的吸收,如何在巴黎的沙龙中形成了一种全新的、去中心化的听觉体验。拉威尔的精细结构主义和对新古典主义的早期探索,则预示了二十世纪中叶的某种严谨性。这两位大师的作品,构建了一个与东欧激情澎湃的民族乐派截然不同的、精致而内敛的音乐世界。 第二部:两次世界大战间的现代主义浪潮 二十世纪初,音乐的疆界被彻底打破,从维也纳到巴黎,再到新兴的美国,作曲家们以前所未有的激进态度对待调性。 一、维也纳的“解放”:勋伯格的十二音体系 我们不讨论任何一位当时著名的演奏家,而是聚焦于阿诺德·勋伯格、魏本恩和贝尔格这“第二维也纳乐派”的内部思想斗争。本书将详细剖析十二音序列作曲法的理论基础,以及它在诞生之初所面临的巨大阻力。十二音体系的出现,不仅仅是和声语言的变革,更是对传统审美观的一次彻底宣战。我们会研究魏本恩如何将这种严谨的序列结构推向极致的精简与抽象,他的作品,往往只在极小的圈子里被理解和演奏,却代表了对音乐逻辑的最高追求。 二、斯特拉文斯基的“换装舞会” 伊戈尔·斯特拉文斯基的作品如同一系列令人眼花缭乱的风格转变。本书关注他从《春之祭》的原始暴力,到新古典主义时期的冷峻克制,再到后来的序列主义尝试。我们将分析他如何像一位天才的“风格收藏家”,不断采撷历史的碎片,重新拼装出属于自己的现代景观。他的音乐,代表了对过去一切浪漫主义沉思的彻底疏离和智力上的游戏感。 三、新事物的声音:美国音乐的拓荒者 在欧洲传统音乐体系崩塌之时,美国正孕育着自己的声音。本书将探讨查尔斯·艾夫斯(Charles Ives)这位“纽约的钟表匠”,他是如何在他那个时代孤独地探索多调性、复调性以及将美国民歌、军乐和教堂圣歌融入严肃音乐的尝试。艾夫斯的音乐充满了对美国精神的朴素敬意,他的远见卓识,远远超出了他所处的时代,为后来的美国作曲家开辟了道路。 第三部:战后至冷战时期的实验与张力 二战结束后,音乐的中心从欧洲部分转移,激进的实验主义和政治压力构成了新的时代主题。 一、达姆施塔特的夏天:序列主义的全面渗透 本书将深入探讨战后在西德达姆施塔特举办的夏季讲习班,那里成为了序列音乐的温床。卡尔海因茨·施托克豪森和皮埃尔·布列兹等作曲家,将十二音技法扩展到了节奏、力度和音色等所有音乐元素上,形成了“总体序列主义”。我们会分析他们如何试图通过数学般的精确性来对抗战争带来的混乱感,以及这种高度抽象的音乐语言,如何与大众审美产生越来越深的鸿沟。 二、电子音乐的诞生与声音的“拓扑学” 在巴黎的声学实验室(GRM)和科隆的电子音乐工作室,作曲家们开始直接操纵声波本身。本书将研究皮埃尔·谢弗(Pierre Schaeffer)的“具象音乐”理念,即如何通过对录制声音的剪辑、反转和叠加,创造出全新的音乐结构,脱离了传统乐器的限制。这标志着音乐创作进入了一个物理层面,声音本身成为了最基本的原材料,而不是记在五线谱上的符号。 三、极简主义的回归:重复的力量 作为对前卫音乐复杂性的反动,以拉蒙特·扬(La Monte Young)和史蒂夫·赖希(Steve Reich)为代表的美国作曲家,开始探索极简主义。他们通过缓慢的、渐进的重复和微小的相位变化,引导听众进入一种冥想式的状态。这种音乐试图消解时间感,强调当下体验的纯粹性,与欧洲的知识分子实验形成了鲜明的对比,它更关注听觉的物理感知,而非复杂的结构论证。 通过描绘这些辉煌的、充满张力的音乐事件和那些在聚光灯之外坚持自己道路的创作者们,《大卫·奥伊斯特拉赫传》之外的音乐世界,呈现出二十世纪音乐史上那份令人目眩的多元性、矛盾性与不懈的探索精神。

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目录信息

读后感

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用户评价

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读完这本书,我最大的感受是,这不仅仅是一本关于音乐家的传记,更是一部关于“完美主义者”如何与世界共存的哲学探讨。作者的叙事节奏极富张力,高潮迭起却又毫不煽情,它将主人公的艺术生涯视为一场精心编排的交响乐,从序曲的童年天赋异禀,到中段的国际声誉确立,再到晚年的对教育事业的投入,每一个乐章的过渡都处理得天衣无缝。最让我拍案叫绝的是,作者没有局限于描述他的演奏技巧有多么精湛,而是深入挖掘了那些促使他追求极致的声音背后的“为什么”。那些关于他对音准的偏执、对乐谱背后作曲家意图的反复揣摩,这些细节的描摹,让一个活在历史光环中的名字,重新变得鲜活可触。我感觉自己像一个幕后的观察者,目睹了一场场世纪之演的幕后准备工作,那些在舞台灯光熄灭后,艺术家独自面对镜子,一遍遍修正弓法和指位的孤独瞬间。这种对内在世界的挖掘,使得这本书的厚度远超一般的名人传记,它触及了创造力与坚持的本质。

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我是一个对艺术史略知一二的爱好者,但这本书还是提供了太多我未曾预料到的视角。它最成功的地方在于,它没有将焦点仅仅停留在“天才如何诞生”这个老生常谈的命题上,而是深入探究了“天才如何维持其艺术生命力”。作者花费了大量的篇幅来描述主人公在巅峰期后如何应对创作瓶颈和声誉压力,这部分内容异常珍贵。那种对自己过去成就的审视与超越的渴望,是每一个长期处于高位的人都必须面对的困境。书中的论述非常犀利,它探讨了名气与艺术纯粹性之间的永恒悖论。读完后,我感觉自己不只是了解了一位小提琴家,更是对任何一个需要在公共领域和个人良知之间寻找平衡的创造者,有了一层更深、更具同理心的理解。这不仅仅是一部成功的传记,更是一份关于如何在巨大光环下保持自我、持续成长的生存指南。

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这本书读起来,节奏感极其跳跃,仿佛作者是用一种非常现代、碎片化的方式来重构一段漫长的人生。它不像传统的线性叙事那样平铺直叙,而是经常在回忆与现实、个人日记与公开信件之间来回穿梭,这种结构安排,恰恰模拟了记忆本身的工作方式——既混乱又充满洞见。我特别喜欢那些穿插其中的私人信件摘录,那些未经修饰的文字,透露出一种未经粉饰的脆弱和真诚,这与他在舞台上那种毋庸置疑的权威形象形成了强烈的张力。它让人意识到,伟大的艺术家也需要应对琐碎的烦恼、友谊的考验以及家庭的牵绊。作者在处理这些“烟火气”时,运用了一种近乎电影蒙太奇的手法,几个场景的快速切换,就能精准地勾勒出人物心境的巨大转变。它成功地避开了将人物塑造成不食人间烟火的偶像的窠臼,赋予了人物一种可供我们借鉴和理解的“人味儿”。

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这本传记的笔触细腻得令人惊叹,它像一位技艺高超的织工,用经纬分明的文字,编织出了一个关于追逐艺术巅峰的灵魂的宏大画卷。我常常沉浸在那些关于早期磨砺的段落里,那种近乎苛刻的自我要求,那种在无数个寂静的夜晚里,只有琴弦与呼吸声为伴的场景,仿佛能穿透纸页,让我真切感受到那位大师在成为“传奇”之前,所经历的那些不为人知的挣扎与沉淀。作者似乎有一种魔力,能够从浩如烟海的历史资料中,精准地捕捉到那些决定性的瞬间——某次关键的演出、某位导师不经意间的一句指点,甚至是他私生活中某个微不足道的习惯,是如何潜移默化地塑造了他日后的音乐哲学。阅读的过程,与其说是了解一个人物的生平,不如说是一次深刻的内心洗礼。我尤其欣赏作者在处理复杂人际关系时的平衡感,既没有将他神化,也没有过度渲染负面冲突,而是呈现了一个立体、有血有肉、在时代洪流中努力保持纯粹的艺术家的形象。每一次翻阅,都有新的感悟,仿佛那把被时间打磨得光亮的小提琴,正在我的掌心微微发热。

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坦白说,这本书的学术严谨性令人印象深刻。它绝非那种走马观花的畅销书,而是带着浓厚的历史考据色彩。作者在引用不同时期评论家们对同一场演出的截然不同的看法时,那种冷静的对比和分析,让人不得不佩服其功力。他没有急于给出定论,而是将历史的判断权交给了读者,让我们自行去体会艺术评价体系是如何随着时代和政治环境而流变的。书中对于特定历史时期(比如战后欧洲的文化复兴)背景的铺陈,也相当到位,这使得人物的命运不再是孤立的,而是深深嵌入了那个时代的脉络之中。我尤其喜欢其中关于“继承与创新”的讨论,作者巧妙地将主人公早期的教育体系与他后期对新一代音乐家的影响进行对照,勾勒出一个艺术生命体如何在时间的长河中自我延续和嬗变的过程。对于那些想深入了解二十世纪古典音乐史脉络的人来说,这本书无疑是一份宝贵的、需要细细品味的参考资料。

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如此伟大的演奏家,文字却贫弱得很,哪怕评价他最喜爱的作曲家和演奏家,也是套话连篇。前面苏联人的评论,也是溢美之辞居多。厚厚一大本,有营养的东西却很少。要理解他的不凡,只有通过录音了。

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如此伟大的演奏家,文字却贫弱得很,哪怕评价他最喜爱的作曲家和演奏家,也是套话连篇。前面苏联人的评论,也是溢美之辞居多。厚厚一大本,有营养的东西却很少。要理解他的不凡,只有通过录音了。

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书很厚,断断续续读了几个月。大卫王的人品堪称完美:对学生鞠躬尽瘁,对朋友大度温和,对同行只有褒奖从没半句刻薄话。一辈子勤勉上进,孜孜不倦演奏至生命最后一刻。最让人动容的是雅科夫弗莱尔写的那篇,还有儿子、学生写的几篇回忆录,奥伊斯特拉赫谦逊宽厚的形象跃然纸上。

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啃完了。铁幕下一切都是无稽之谈。与《驯服的艺术》无异。

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老奥宽厚冷静的外表下有个疯狂燃烧自己的心啊

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