是与不是之间--书法传统的文化寻绎与当代述说

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出版者:山东人民出版社
作者:于明诠
出品人:
页数:268 页
译者:
出版时间:2007年
价格:36.0
装帧:平装
isbn号码:9787209043106
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
  • 传统文化
  • 文化寻绎
  • 当代书法
  • 艺术史
  • 中国书法
  • 美学
  • 文化研究
  • 书学
  • 艺术理论
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具体描述

探寻历史长河中的艺术脉络:一部关于中国古代绘画与审美变迁的史诗 《墨韵与丹青:中国古代绘画的千年流变与文化意象》 内容简介 本书是一部深入剖析中国古代绘画发展历程的宏大叙事,旨在梳理自新石器时代晚期萌芽至清末民初的数千年间,中国绘画艺术如何与社会结构、哲学思想、宗教信仰及文人精神交织融合,最终形成其独特的美学体系和文化品格。全书结构宏大,论述精微,力求在广阔的历史背景下,展现中国古代绘画艺术作为一种独特的文化载体,所承载的民族记忆与审美理想。 第一部分:源起与奠基——从岩画到魏晋的意象初探 本部分追溯中国绘画的源头活水。首先探讨史前岩画、陶器纹饰中蕴含的原始图腾与生命哲学,揭示早期人类对世界的认知与表达方式。继而聚焦于帛画与壁画的早期发展,尤其关注汉代墓葬壁画中展现出的恢弘气势与叙事功能,剖析其如何作为“图像化”的宗教与政治宣传工具,奠定了后世章法的基础。 重点深入研究魏晋南北朝时期的绘画变革。在玄学清谈与佛教东渐的双重驱动下,绘画开始从单纯的摹写转向对“气韵生动”的追求。本书详述了顾恺之“传神写照”理论的提出及其对后世人物画的影响,并梳理了佛教造像艺术(如敦煌壁画)对中原绘画线条、色彩和空间处理的影响,解析艺术如何承载“格物致知”的士人精神与“超脱尘世”的宗教情怀。 第二部分:盛世气象与文人转向——唐宋绘画的鼎盛与分化 盛唐气象,为中国绘画注入了无与伦比的自信与活力。本书详细描绘了唐代绘画的恢弘格局,分析了吴道子“吴带当风”的线条美学如何确立了中国画的笔墨规范,并探讨了周昉、韩干等大家在人物、鞍马题材上所达到的高峰。更重要的是,本部分深入探讨了山水画的独立地位确立过程,即李思训父子代表的“青绿山水”与王维、孟浩然等倡导的“水墨山水”之间的美学张力。 宋代,绘画艺术迎来了理论与实践的双重黄金时代。本书特别关注宋徽宗“格物致知”的院体画风,分析其如何将写实精神推向极致,以及在皇家审美指导下形成的典雅格调。然而,本书的重点转向了文人画思潮的勃兴。以苏轼、米芾为代表的士大夫,通过书画同源的观念,将绘画从技艺层面提升至“抒写胸臆”的哲学层面。详细解析了“逸笔草草,不求形似”的美学主张,以及其对后世中国艺术精神的决定性影响。 第三部分:笔墨的解放与意境的深化——元明清的多元探索 元代绘画,是文人精神在异族统治下的一次深刻内化与反思。本书重点剖析了“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)如何通过对笔墨语汇的极致锤炼,构建出一个纯粹的精神家园。倪瓒的“萧疏冷寂”如何成为一种高洁的象征,以及赵孟頫“复古”主张对书法入画的再确认。 明代中后期,随着市民阶层的崛起和商品经济的发展,绘画呈现出前所未有的多元面貌。本书将明代绘画划分为“学院派的延续”与“市民趣味的兴起”两个维度。详细分析了吴门画派(如沈周、文徵明)如何继承宋元文人传统,同时融入对生活细节的关注;以及董其昌的“南北宗论”,如何以一种历史建构的方式,重新梳理了中国山水画的发展脉络,并对后续的审美趣味产生了深远影响。此外,书中亦对晚明以徐渭、陈淳为代表的写意花鸟画的奔放与洒脱进行了细致的解读。 清代绘画,是传统技艺在面对西方文化冲击前最后的辉煌与回望。本书探讨了“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)如何以“集古”的方式,试图固守和集大成传统笔墨范式,以及他们对董其昌理论的程式化实践。同时,本书也聚焦于“非正统”的革新力量:以石涛的“我自发抒怀”和渐江的“孤僧意象”为代表的个性化表达,他们对既有规范的反叛与重建,预示着中国传统绘画在面临时代巨变时的内在挣扎与不甘。 第四部分:文化意象与审美范畴——绘画中的哲学隐喻 本书的第四部分超越了单纯的艺术史梳理,转向对中国古代绘画中核心文化意象的深入挖掘。我们探讨了“梅兰竹菊”四君子所代表的君子人格象征体系;“高士隐逸图”中体现的逃离官场、寄情山水的文人情结;以及“舟行图”与“江山永固”之间的政治美学关联。 通过对“计白当黑”、“虚实相生”、“气”与“韵”等核心审美范畴的阐释,本书力图揭示中国绘画区别于西方再现性艺术的本质特征——即“不重形似,而重神似”的写意精神。这些意象与范畴不仅是绘画的技巧,更是中国古代哲学(如道家对“虚无”的推崇与儒家对“中和”的追求)在视觉艺术中的投射。 结语:镜鉴古今 最后,本书对中国古代绘画的千年成就进行总结,并探讨了其在近现代转型期的困境与价值。它不仅是一部关于笔墨的史书,更是一部关于中国士人心灵、文化变迁与审美理想的百科全书。通过对历史的深沉回望,本书期望读者能更清晰地理解这门艺术如何成为中华文明独特精神标识的载体。

作者简介

于明诠,别署于明泉,现为山东艺术学院教授。系中国书法家协会会员,山东省书法家协会副主席,沧浪书社社员,山东省青年联合会委员。作品多次参加全国重大展览,并获全国第六、七、八届中青年书法篆刻家作品展览一等奖,文化部第八届“群星奖”银奖,山东省政府为其记三等功。1999年出席中国文联青年文艺家创作经验交流会,被中国文联授予“全国百名优秀青年文艺家”称号。2002年应邀参加“全国著名书法家五十人临摹示范”VCD拍摄。出版《于明泉书法篆刻集》、《于明诠行书诗册》、《常有梦斋初集》、《当代著名青年书法家精品集·于明诠卷》等。

目录信息

读后感

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上帝死后,我们便没了家。所以,《一句顶一万句 》中,几乎所有的人都在不停地奔波,寻找能和自己说得上话的人。能说得上话,成为生命中一种极端的奢侈。 和于明诠挺说得来。在一起说得最多的是刘震云、阿城、朱新建、北岛、海子、贾樟柯、唐德刚等等,海阔天空,偶尔...

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时间:2007年3月26日 地点:北京二月书坊 谈话人:朱新建 石开 于明诠 《藏画导报》记者 文字整理: 马志磊 . . . 藏画导报(以下简称藏):朱老师、石老师、于老师你们好!我们在学习书法时想和古人写得一样,在当下有没有意义? . 石开(以下简称石):学习书法一般有两...  

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上帝死后,我们便没了家。所以,《一句顶一万句 》中,几乎所有的人都在不停地奔波,寻找能和自己说得上话的人。能说得上话,成为生命中一种极端的奢侈。 和于明诠挺说得来。在一起说得最多的是刘震云、阿城、朱新建、北岛、海子、贾樟柯、唐德刚等等,海阔天空,偶尔...

用户评价

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这部作品仿佛是一次穿越时空的对话,它以一种极其细腻和富有层次感的方式,带领我们重新审视那些我们习以为常的文化符号。作者似乎并不满足于仅仅罗列事实或梳理历史脉络,而是深入到一种近乎哲学的探讨之中。阅读过程中,我感觉自己仿佛置身于一个古老的书房,空气中弥漫着陈旧纸张和墨香的味道,思绪随着那些流动的线条起伏不定。它挑战了我们对于“传统”的刻板印象,不是将其视为一成不变的教条,而是将其视为一个不断在“是”与“非”的张力中自我塑造的生命体。特别是对于那些被长期忽略的边缘声音和被主流叙事所掩盖的复杂性,作者展现了极大的敏感与洞察力。这种处理方式使得原本可能枯燥的学术梳理,变得如同欣赏一件精妙的艺术品,每一个转折都充满了意想不到的惊喜,引人深思,让人忍不住想要停下来,对着空白处沉思良久,去捕捉那些潜藏在笔画结构中的时代回响。

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这本书的叙事节奏把握得非常到位,如同精心编排的乐章。它没有采用线性叙述的疲劳轰炸,而是通过一系列精妙的“切片”和“聚焦”,在不同的历史断代和文化议题间自由穿梭,却始终保持着一条清晰的内在逻辑线索。最让我欣赏的是它对“当下性”的探讨。面对现代化的冲击,传统如何自处?作者并未给出简单的答案,而是通过犀利的文笔,引导读者去辨识那些隐藏在当代创作语境中的焦虑、迷惘与新生。那种对当代艺术家内心困境的深刻体察,读起来让人深有共鸣,仿佛作者就是我们身边的同行者,共同面对着如何让古老的艺术在喧嚣中发出自身独特声响的难题。文字的张力十足,兼具文学性与思辨性,读起来酣畅淋漓,完全没有被冗长的理论压垮。

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这部作品的语言风格独树一帜,它有一种罕见的古典韵味,但却一点也不晦涩,反而充满了画面感和音乐性。作者似乎精通如何使用恰到好处的比喻和修辞,让抽象的文化概念变得触手可及。比如,在描述某种书写精神的流变时,他运用的词汇选择极其考究,既有传统士大夫的清雅,又不失现代知识分子的犀利和精准。整本书读下来,就像是经历了一次对中国文化精神图谱的深度游览,每到一个新的“站点”,都能获得新的视野和感受。它不是那种一次性消费的读物,更像是值得反复品味的陈年佳酿,每次重读都会发现新的风味和层次,非常适合那些对文化肌理有深层探究兴趣的读者。

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我必须承认,这本书的思辨深度远超我的预期。它不是一本教人如何写得更好看的工具书,而是一次对文化本体论的深刻拷问。作者似乎在不断地追问:在“形式”与“精神”之间,我们到底应该侧重哪一方?在“继承”与“创新”的永恒悖论中,我们又该如何定位自己的位置?阅读过程中,我经常需要停下来,反复咀嚼那些精炼的论断,因为它们往往蕴含着多重否定之上的肯定,复杂而精妙。它对待传统文化并非盲目赞颂,而是以一种带着批判精神的爱去审视,这种清醒的姿态非常难得。它教会我们如何带着一种审慎的眼光去看待历史留给我们的遗产,如何在尊重根源的同时,勇敢地为未来开辟新的路径。

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读完这书,我的第一感受是,它成功地将宏大的历史叙事与个体微观的体验熔于一炉。行文间那种磅礴的气势,让人仿佛能触摸到不同历史时期书写者们指尖的温度和内心的挣扎。它不像许多学术著作那样高高在上,而是非常接地气地探讨了“传承”这一核心命题——那些看似坚不可摧的规范,究竟是如何在每一次实践、每一次临摹、甚至每一次“失误”中被悄然修正和重构的?作者的笔触极为老辣,尤其在阐述某种技法或风格演变时,总能巧妙地嵌入社会文化背景的剖析,使得艺术形式的变迁不再是孤立的,而是与时代精神紧密相连的有机体。这种多维度的解读,极大地丰富了我对“书法”二字的理解,它不再仅仅是写字的技巧,而是一部活着的、流动的文化史诗,让人不得不佩服作者构建知识体系的严谨与巧妙。

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