Theory for Today's Musician Workbook pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mcgraw-Hill College

作者:Ralph Turek

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2007-03-30

价格:USD 56.45

装帧:Paperback

isbn号码:9780072968224

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 作曲
• 乐理学习
• 音乐分析
• 节奏与节拍
• 旋律
• 音阶与调式
• 音乐教育
• 练习册

《和声的殿堂：十九世纪浪漫主义音乐实践指南》 一本深入探索十九世纪音乐语言、和声结构与创作技巧的实践性著作 作者： [此处留空，或填写虚构作者名] 出版社： [此处留空，或填写虚构出版社名] --- 内容概述 《和声的殿堂：十九世纪浪漫主义音乐实践指南》并非对特定教材的补充或替代，而是一本完全聚焦于十九世纪（约1800年至1900年）欧洲音乐语言深度剖析与实操训练的专著。本书旨在为严肃的学习者、作曲家、音乐理论家以及对浪漫主义时期音乐充满热情的演奏者提供一套系统化、深入且高度实用的工具箱，用以理解和重构那个时代音乐家们赖以创作的复杂和声体系和曲式结构。 本书的核心不在于提供初级的乐理基础，而是假设读者已经掌握了古典主义时期的基本和声规则（如功能和声、曲式结构基础），并将其作为跳板，直接深入到浪漫主义时期和声语言的拓展、模糊化与极端化之中。 第一部分：浪漫主义和声的拓扑学：从调性扩张到功能模糊 本部分旨在系统地梳理十九世纪音乐如何突破传统调性框架，为二十世纪的无调性音乐埋下伏笔。我们关注的焦点是“如何使用”而非“是什么”。 第一章：半音化与色彩和弦的谱系学 详细分析了借用和弦（Borrowed Chords）在浪漫主义音乐中的频率和功能转换。重点研究了从古典主义晚期（如贝多芬晚期）到舒伯特、肖邦早期作品中，半音化如何从修饰音转化为结构支撑。 副属和弦（Secondary Dominants）的泛滥与转移： 如何在不明确终止调性的情况下，利用副属和弦构建情绪上的“远方感”。 拿坡里六和弦（Neapolitan Sixth）的异化： 探讨拿坡里和弦如何从一个色彩性的和弦，演变为推动长距离转调的关键工具，特别是在李斯特和瓦格纳作品中的应用范例。 减七和弦的结构性重塑： 深入分析减七和弦的对称性如何被用来模糊调性中心，以及如何通过上下文（Contextual Clues）来确定其“真实”功能，而非仅仅依据其音级结构。 第二章：和声的“距离”与远关系调的构建 本章着重于浪漫主义作曲家如何系统性地使用远关系调（Distant Keys）来制造戏剧张力。 异名同音和弦（Enharmonic Equivalence）的实际操作： 实例分析如何通过 enharmonic enharmonic 转换，实现瞬间跨越三度或四度音程的调性跳跃。 色彩性的转调手法（Chromatic Mediants）： 详尽解析大三度或小三度关系调之间的和声连接，如C大调到E大调或A♭大调，并提供大量基于舒曼钢琴作品的分析练习。 持续的半音进行（Chromatic Bass Lines）： 探讨在不进行明确转调的情况下，如何利用低音的半音进行来营造持续的紧张感和向前驱动力，这与巴赫的精确和声进行形成鲜明对比。 第二部分：织体、配器与曲式结构的解构与重构 浪漫主义音乐的“味道”往往来自于其独特的织体处理和对传统曲式形式的“柔性化”处理。 第三章：织体密度与对位法的隐形化 探讨十九世纪音乐中，对位法如何从巴赫时代的清晰、独立的声部，转变为服务于主旋律与和声色彩的“背景支撑”。 分解和弦的演变： 分析肖邦的琶音织体（Arpeggiated Textures）如何取代古典主义的清晰分解，及其对持续感和流动性的贡献。 和声的“块状化”（Block Chords）与和弦的厚度： 针对管弦乐配器，研究如何通过增加和弦内音的密度和使用弱音区（Low Registers）来增强和声的重量感，以达到感性的轰鸣效果。 旋律与和声的交织： 练习如何构造一条复杂的主旋律，使其自身就可以暗示出比其所用音符更复杂的和声结构（如旋律音的悬置与和弦音的延迟解决）。 第四章：奏鸣曲式与幻想曲式的融合 本部分着眼于宏大叙事结构的松动与个体情感的凸显。 发展部（Development Section）的自由化： 实例研究如何打破古典奏鸣曲式中对主题材料进行严格的分解与发展，转而采用更具情绪流淌性的和声探索路径。 “幻想性”曲式的构建： 专注于李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem）和舒曼的“组曲”（Cycles）在结构上的创新。如何通过“主导动机”或“转换主题”（Transforming Themes）而非严格的再现部（Recapitulation）来保持音乐的统一性。 “片段化”结构与即兴因素： 针对小型作品（如前奏曲、夜曲），分析如何通过突然的情绪和速度变化，模拟即兴演奏的痕迹，并在和声上利用未解决的终止式来制造开放感。 第三部分：实操训练与作品模仿练习 本部分提供了大量的结构化练习，旨在将理论知识转化为创作技能。 第五章：调性模糊的即时练习 提供一系列限定条件的创作任务，强迫学习者运用浪漫主义技巧： 1. “模棱两可的终止”挑战： 尝试从C大调开始，在八小节内，使用至少三种不同的远关系调和弦，最终导向一个无法明确判断为“主调”或“副调”的终止和弦。 2. 低音线驱动的色彩和弦连接： 给出一条预设的半音下行低音线（例如C-B♭-B-A♭），要求学生为该低音线配上符合十九世纪风格的和声。 3. 主导动机的和声变体： 选取一个简单的四音动机，要求学生用“增加半音色彩”、“减七和弦延伸”、“异名同音转换”三种方式，分别写出该动机在不同和声背景下的三段再现。 第六章：从管弦乐配器角度审视和声 重点探讨如何根据乐器音色来选择最佳的和声进行方式。 木管乐器的色彩使用： 分析双簧管和单簧管如何承载“忧郁的”三全音关系，以及长笛如何通过高音区来“稀释”和弦的厚度。 铜管乐器的“辉煌”与“重量”： 练习如何使用法国号在低音区营造浑厚的长和弦，以及小号在高音区强调特定的主导音。 弦乐群的张力控制： 如何利用第一小提琴与中提琴、大提琴声部之间的音程关系，来增强或削弱某个和弦的紧张度。 --- 本书特色： 拒绝简化： 避免使用过度简化的图表来概括复杂的音乐现象，坚持以真实乐谱片段作为分析基础。 聚焦“如何做”： 每章节均提供具体的“行动清单”和“创作禁忌”（即十九世纪作曲家倾向于避免的古典主义痕迹）。 无导向性： 本书不侧重于介绍特定作曲家的生平或风格，而是将所有浪漫主义时期的技术视为一个统一的、可供探索的“技术池”。 适合读者： 已掌握基础和声学和曲式分析的音乐学院学生、进阶作曲专业人士，以及希望深入理解李斯特、瓦格纳、布鲁克纳等巨匠作品背后和声逻辑的演奏家。 本书的价值在于，它提供了一把通往十九世纪“和声迷宫”深处的钥匙，而非简单的地图。

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作为一名正在不断探索音乐边界的创作者，我一直都在寻找一本能够真正与我产生共鸣的音乐理论教材。《Theory for Today's Musician Workbook》这个名字本身就传递出一种紧贴时代脉搏的信号，这让我感到非常兴奋。我一直在思考，在如今这个快速变化的音乐世界里，传统的音乐理论是否还能完全满足我们的需求？这本书的出现，似乎是在告诉我，它能够提供一种更具前瞻性的视角，帮助我们理解当下音乐的特点和发展趋势。我特别关注它在和声、配器以及曲式结构等方面，是否能够给出一些新的理解和启发，尤其是在那些非传统的、跨界融合的音乐创作中，它能否提供一些理论上的指引。我希望这本书能够成为我创作道路上的得力助手，帮助我突破思维定势，拓展音乐的可能性。

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这本书的封面设计就有一种现代感，简洁而有力量，一下子就抓住了我的眼球。我平时对音乐理论一直抱有浓厚的兴趣，但总觉得市面上的一些教材要么过于枯燥，要么就脱离实际，学起来效果总是不尽如人意。当我在书店偶然翻到这本《Theory for Today's Musician Workbook》，立刻被它所传达出的“面向当下音乐实践”的理念所吸引。我特别欣赏它在编排上的独到之处，感觉作者花了很多心思去理解现代音乐家们在学习理论时可能遇到的困境，并试图提供一种更有效、更具启发性的学习路径。我迫不及待地想开始它的学习之旅，期待它能为我打开一扇新的音乐理论大门，让我能够更好地理解和创作当下的音乐。从它的整体风格来看，我预感这本书的理论讲解会非常系统，但同时又会紧密结合实际应用，这正是我所追求的。

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从这本书的装帧来看，就散发出一种严谨又不失活力的气息，让我对它充满了期待。我一直认为，音乐理论的学习不应该是一件令人望而生畏的事情，而应该是一种探索和发现的乐趣。《Theory for Today's Musician Workbook》这个书名，让我觉得它应该会是那种能够循序渐进，并且通过实际练习来巩固知识的书。我希望它能够帮助我理解那些我一直觉得有些抽象的音乐概念，比如对位、调式等，并且能够通过书中提供的练习，将这些概念内化为我自己的理解。我特别期待它在音乐分析方面的内容，能够让我更清晰地解读那些我欣赏的作品，从而更深入地理解作曲家的意图，提升自己的鉴赏能力，最终能够将理论知识融会贯通，应用到我自己的音乐创作和演奏中去。

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说实话，我之前对音乐理论的印象一直是“理论就是理论，和实际演奏是两回事”。但这本书的标题《Theory for Today's Musician Workbook》让我眼前一亮。我一直觉得，作为一名活跃在当下音乐领域的音乐人，我们学习理论的目的不仅仅是为了考试或者获得学历，更是为了更好地理解音乐的内在逻辑，从而提升我们的创作和演奏水平。我希望这本书能够帮助我打破这种“理论与实践脱节”的壁垒，让我在学习理论的同时，也能清晰地看到这些理论是如何在现代音乐作品中得到体现和运用的。我特别期待它在一些现代音乐风格上的理论解析，比如爵士、流行，甚至是电子音乐，看看它如何去阐释这些风格背后的和声、旋律和节奏的构成。如果这本书能提供一些实用的练习和案例分析，那对我来说简直是无价之宝。

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我是一个对音乐的“为什么”和“怎么样”充满好奇的人。当我在书架上看到《Theory for Today's Musician Workbook》这本书时，我立刻被它的标题所吸引。我总觉得，要真正理解一首曲子，或者创作出真正打动人心的音乐，光靠感觉是不够的，背后一定有着一套严谨而精妙的理论支撑。我渴望能够深入地了解音乐的“骨骼”和“肌肉”，而这本书的“Workbook”字样让我看到了它将不仅仅是理论的讲解，更是一种引导性的实践。我期待它能提供一些深入浅出的分析，帮助我理解那些看似复杂的高级和声，或者那些令人着迷的节奏型是如何构建起来的。更重要的是，我希望通过这本书的学习，我能够更自信地去分析我喜欢的音乐，并且在自己的创作中能够运用这些理论，让我的音乐更具深度和表现力。

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