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出版者:South-Western, Div of Thomson Learning

作者:David N. HYMAN

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-01-13

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780324274639

丛书系列:

图书标签:

• 公共财政
• 财政理论
• 当代应用
• 财政政策
• 公共支出
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• 经济学
• 金融
• 政府

《跨越时空的旋律：文艺复兴的音乐遗产与社会变迁》 第一章：序曲：文艺复兴的曙光与音乐的萌芽 本书将带领读者穿越时空，回到那个被誉为“人类精神觉醒的时代”——文艺复兴时期（约14世纪至16世纪）。这是一个艺术、科学、哲学全面繁荣的时代，而音乐，作为情感与精神表达的载体，也在这场文化巨浪中焕发出前所未有的光彩。 本章将首先勾勒出文艺复兴初期（早期）的社会、政治和宗教背景。意大利半岛上城邦的崛起，商业贸易的繁荣，以及人文主义思潮的兴起，是如何为音乐创新提供了肥沃的土壤。我们将探讨中世纪晚期向文艺复兴过渡时期的音乐特征，特别是“新艺术”（Ars Nova）的遗产，以及它是如何为复调音乐的发展铺平了道路。 重点内容包括： 人文主义对音乐观念的冲击： 从服务于神权到关注人类情感和世俗生活，音乐的目的性发生了深刻变化。 印刷术的革命性影响： 15世纪中叶活字印刷术的发明，如何使得乐谱的传播速度和广度实现了质的飞跃，打破了修道院对音乐知识的垄断。 早期复调风格的探索： 探讨勃艮第乐派（Burgundian School）的代表人物，如杜法依（Dufay）和本舒瓦（Binchois），他们如何发展出清晰的旋律线、均衡的声部平衡，以及对模仿手法的初步运用。本章将详细分析“受体”（Contenance Angloise，英国风格）对欧洲大陆音乐的渗透与影响。 第二章：法兰德斯学派的鼎盛：均衡、清晰与技术的完善 15世纪中后期至16世纪初，以法兰德斯（今比利时、荷兰及法国北部地区）为中心的作曲家群体，将文艺复兴音乐推向了成熟的顶峰。这一学派的标志是高度成熟的复调技巧、对位法的精妙运用，以及对音乐形式的结构化。 本章将深入研究法兰德斯音乐家们在声乐复调领域取得的突破。我们将详细解析以下核心技术： 模仿手法的系统化应用： 探讨若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何将模仿技术发展成为构建宏大音乐结构的核心工具。通过分析其弥撒和经文歌，读者将理解“连续模仿”如何创造出浑然一体的音乐织体。 文本与音乐的融合（Musica Reservata）： 尽管尚未发展到巴洛克时期的激情表达，法兰德斯作曲家已开始关注文字的意义与音乐情感的契合。本章将探究他们如何通过音高、节奏和和声的微小变化来强调歌词的关键含义。 弥撒曲式的结构统一性： 讨论以“固定音型”（Cantus Firmus）为基础的弥撒曲如何通过主题的统一（如循环弥撒）来实现乐章间的内在逻辑联系。 第三章：宗教改革与对位法的冲突与融合 16世纪是宗教剧烈动荡的时期，马丁·路德领导的宗教改革和随后的反宗教改革，直接冲击了教会音乐的实践和理论。音乐不再仅仅是神职人员的私密艺术，而必须服务于信徒的直接理解。 本章将对比分析新教与天主教在音乐实践上的不同路线： 新教的“会众参与”： 探讨路德本人对音乐的重视，以及赞美诗（Chorale）的诞生。分析新教音乐如何追求语言的清晰性和旋律的易学性，以及巴赫后世清唱剧的根源。 特伦特会议与帕莱斯特里那的“净化”： 聚焦于天主教会对过度复杂的复调音乐发出的质疑。我们将详细分析乔瓦尼·皮埃尔路易吉·达·帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过其“纯净”的风格，成功地平衡了对位法的精妙与文本的可理解性。帕莱斯特里那风格将作为文艺复兴晚期声乐对位法的典范被细致剖析。 宗教戏剧与清唱的萌芽： 探讨在民间和世俗环境中，音乐叙事形式的实验，为未来歌剧的出现奠定基础。 第四章：世俗音乐的繁荣：从法国香颂到意大利牧歌 与神圣的宗教音乐并行发展的是蓬勃兴盛的世俗音乐。随着中产阶级的兴起和宫廷娱乐的精致化，歌曲成为表达爱情、幽默、讽刺以及田园牧歌式理想的重要载体。 本章将聚焦于欧洲几个主要世俗音乐中心的风格特点： 法国香颂（Chanson）： 分析克雷芒·雅内坎（Janequin）的作品，其对拟声效果（如鸟鸣、水声）的运用，展示了音乐如何生动描绘日常生活场景。探讨其节奏的活力和清晰的结构。 意大利牧歌（Madrigal）： 牧歌是文艺复兴世俗音乐的巅峰，它对文本的关注达到了前所未有的深度。本章将详细对比早期（如菲利切·阿卡代尔米）和晚期（如卢卡·马伦齐奥、卡洛·杰苏阿尔多）牧歌的风格演变。特别关注晚期牧歌中大胆的和声实验，如不协和音的频繁使用，以及这种“狂热的”表达如何预示着巴洛克时期的情感冲击。 英国的乐器音乐与声乐结合： 讨论英国维吉纳乐派（Virginalists）的器乐作品，以及英国牧歌对严格对位与田园主题的偏爱，如托马斯·威尔克斯的作品。 第五章：器乐的独立：从舞曲到奏鸣曲的雏形 在文艺复兴的大部分时间里，音乐主要围绕人声展开。然而，随着乐器制造技术的进步和宫廷对器乐表演需求的增加，器乐开始脱离声乐的依附，发展出独立的语汇和形式。 本章将梳理器乐发展的关键里程碑： 舞曲的规范化： 探讨巴萨舞曲（Basse Danse）、加拉尔德舞曲（Galliard）和帕万舞曲（Pavan）等标准舞曲的节奏和结构。这些舞曲成为了早期器乐套曲（Dance Suite）的基本单元。 键盘乐器的崛起： 分析鲁斯蒂科（Lütkemann）等人在维吉纳琴（Virginal）和早期管风琴上的创作实践，如何发展出前奏曲（Toccata）、幻想曲（Fantasia）等即兴风格的作品。 乐器合奏的探索： 讨论维奥尔琴（Viols）合奏和早期弦乐四重奏的实践，以及“亲合”（Consort）音乐的概念，即乐器组内部音色的一致性追求。 结论：遗产与过渡 本书的最后部分将总结文艺复兴音乐对后世产生的深远影响。文艺复兴时期确立的作曲原则——清晰的结构、对位法的逻辑、以文本为中心的表达，以及对和声的探索——为巴洛克时期（如蒙特威尔第的歌剧）的诞生提供了坚实的基础。文艺复兴不仅是一场艺术的复兴，更是西方音乐思维成熟的关键一步。读者将看到，正是这些奠基性的成就，塑造了我们今天所理解的西方古典音乐的基本框架。

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坦白说，这本书的写作风格非常吸引人。它不像某些学术著作那样艰涩难懂，而是充满了逻辑性和说服力。作者善于运用生动的语言和恰当的比喻，将复杂的理论变得通俗易懂。我特别欣赏它对“公共物品”概念的阐释，它不仅仅定义了什么是公共物品，还深入探讨了公共物品的供给机制和融资难题。书中关于“外部性”的讨论，让我对环境污染、教育投资等问题有了更深刻的理解，也让我认识到，市场机制在很多时候是失灵的，需要政府的介入来纠正。

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这本书的内容实在太丰富了，感觉每一页都蕴含着作者多年的研究成果和深刻洞察。关于“财政赤字与债务可持续性”的章节，我读得尤其仔细。作者没有简单地将赤字妖魔化，而是详细分析了赤字产生的原因，以及不同国家应对赤字的不同策略。它让我认识到，适度的财政赤字在某些情况下是可以接受的，甚至是有益的，但关键在于如何管理和控制债务的增长，以及如何确保未来能够偿还。书中对一些新兴经济体债务危机的分析，更是敲响了警钟，让我对国家财政的稳健运行有了更清醒的认识。

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这本书让我对“金融市场与宏观经济稳定”之间的联系有了更清晰的认识。作者以一种非常宏观的视角，将公共财政理论与金融市场的运作紧密结合起来。它让我理解了，一个健康的财政体系对于金融市场的稳定至关重要，反之亦然。书中对金融危机爆发的成因分析，以及政府在危机应对中的角色，都让我受益匪浅。它让我认识到，宏观经济政策的制定，需要综合考虑财政和金融两个层面的因素，才能有效地维护经济的长期稳定和发展。

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我不得不说，这本书的视角非常独特。它没有像大多数教科书那样，将理论孤立起来，而是将它们巧妙地编织进了现实世界的复杂肌理之中。书中对“公共支出效率”的分析，让我对政府的各项投资有了全新的认识。我一直以为，只要是政府的投入，就一定是好事，但这本书让我看到了其中的很多“陷阱”和“低效”之处。作者通过对一些具体项目的案例研究，生动地揭示了信息不对称、寻租行为以及决策偏差等问题是如何阻碍公共资金发挥最大效用的。这让我开始反思，作为纳税人，我们应该如何监督政府的财政支出，如何才能确保每一分钱都花在刀刃上，真正服务于公共利益。

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这本书简直是一场思想的盛宴，我仿佛置身于一个古老而智慧的殿堂，倾听着那些关于公共财政和当代应用理论的低语。作者以其深厚的功底，将那些枯燥的经济学概念，转化为引人入胜的故事和发人深省的案例。我尤其喜欢其中关于“税收公平性”的探讨，它不仅仅是冷冰冰的数字和公式，而是深入到社会成员的实际感受和利益分配。书中对不同税收制度的比较分析，让我对“劫富济贫”和“公平税负”这些概念有了更深刻的理解。它让我开始思考，一个健康的社会，其财政政策应该如何平衡效率与公平，如何在促进经济增长的同时，又不至于加剧贫富差距。

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