书法教程

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出版者:人民美术出版社
作者:谢孔宾
出品人:
页数:224
译者:
出版时间:2009-4
价格:35.00元
装帧:
isbn号码:9787102045474
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
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  • 楷书
  • 行书
  • 草书
  • 书法基础
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具体描述

《书法教程》(楷书)是关于介绍楷书书法技巧的教材,书中具体包括了:横画的病笔及其纠正方法、张黑女墓志、《孔子庙堂碑》虞世南书、楷书临摹的基本方法、临摹的目的和意义、楷书临摹的基本方法、 楷书的用笔及基本笔画、楷书的美学特征等内容。

艺术的沉思与实践:一份跨越时空的探索之旅 图书名称: 艺术的沉思与实践 内容简介: 本书并非聚焦于笔墨技法的线性教学,而是旨在引领读者深入探究“艺术”这一宏大命题背后,那些驱动人类文明前行的精神内核与形式演变。我们试图构建一座横跨多个媒介、时间轴的桥梁,让读者得以从一个更广阔、更具哲学思辨性的角度来审视艺术创作的本质。 本书结构围绕三大核心板块展开:“起源与形变”、“感知与解码”,以及“现代的重构与未来”。 --- 第一部分:起源与形变——艺术的第一次呼吸 本部分追溯艺术的源头,探讨其如何从人类生存的原始需求中萌芽,并经历漫长岁月的塑形与蜕变。我们不将目光局限于某一特定地域或时期,而是试图捕捉艺术形态跨文化传播与适应性的内在规律。 一、原始冲动与符号的诞生: 首先,我们将重返洞穴壁画的幽暗空间,分析那些刻在岩石上的符号,它们究竟是记录、祈祷,还是早期认知的尝试?这一章节侧重于探讨“表征”(Representation)这一概念的萌芽,以及人类如何通过外在形式来组织内在经验。我们详细考察了古埃及象形文字的视觉逻辑、美索不达米亚印章的权力象征,并对比了欧亚大陆史前陶器纹饰的地域差异,分析环境压力如何塑造了早期视觉语言的“语法”。 二、古典的秩序与轴线: 随后,我们将视线投向古希腊罗马的黄金时代。重点不在于临摹雕塑的肌肉结构,而在于解析其背后所蕴含的“黄金比例”、“理想化”与“永恒性”的哲学追求。我们深入探讨了帕特农神庙的建筑逻辑,以及米隆《掷铁饼者》中对动态瞬间的静止捕捉,揭示古典艺术如何试图用数学的精确性去规范世界的混沌。同时,本书也将对比印度犍陀罗艺术中希腊化影响与本土宗教叙事结合的复杂过程,展现艺术在文化交融中的“适应性重构”。 三、中世纪的叙事转向与精神聚焦: 中世纪的艺术,常被误解为技艺的停滞,但本书认为,这是艺术功能发生根本性转变的时期。我们研究拜占庭圣像画的“非物质化”倾向,分析金色背景如何剥离了世俗的空间感,转而指向一个纯粹的精神领域。在西欧,哥特式大教堂的结构革新,如飞扶壁和彩色玻璃的运用,被视为光线与空间被用于“引导信徒心灵”的工程学实践。这里的艺术,不再是模仿自然,而是成为一种服务于形而上学信念的媒介。 --- 第二部分:感知与解码——艺术如何重塑我们的世界观 第二部分侧重于探讨艺术作为一种“认知工具”的功能。它关注的不是“美不美”,而是“它如何让我们看见以往未曾察觉的事物”。 一、透视法的革命与观察的陷阱: 文艺复兴时期,线性透视法的发明被视为科学的胜利,但本书提出了一个反思:这种“单点汇聚”的观看方式,是否也限制了我们对三维空间的全部感知?我们对比了早期中国山水画中“散点透视”与西方焦点透视的思维差异,指出前者是对时间流动和空间游历的整合,而后者是对特定瞬间的几何精确锁定。 二、色彩的情感光谱与象征体系: 本章深入解析了不同文化中色彩的“情感权重”。例如,在某些东方语境中红色象征喜庆与生命力,但在特定历史时期和文化中可能被赋予禁忌的含义。我们分析了德拉克罗瓦对色彩的“交响乐式”运用,以及后印象派(如塞尚、梵高)如何系统性地拆解自然光线,将其转化为纯粹的视觉语言元素,探索色彩自身的表达潜力,脱离对物体的物理描述。 三、材质的语境:从稀有到日常的回归: 艺术的载体本身承载着信息。我们讨论了早期艺术材料的稀缺性(如稀有矿物颜料、贵金属)如何与赞助人的地位挂钩。随后,我们将视角转向工业革命后,艺术家如何开始主动使用现成品(Ready-mades)或日常工业材料。这不仅仅是技法的变化,更是对“什么可以成为艺术”这一边界的质疑与重构,材质本身成为批判社会和物质环境的载体。 --- 第三部分:现代的重构与未来——边界的消融与新的语境 最后一部分着眼于近现代艺术运动,分析其如何从对“再现”的叛离,走向对“观念”和“体验”的极致探索。 一、抽象的必然性:从具象到纯粹形式的解放: 抽象艺术的兴起并非偶然,而是对十九世纪末摄影技术解放了绘画“记录功能”后的必然反应。本书详细分析了康定斯基的“内在必然性”与蒙德里安的“普遍和谐”这两种截然不同的抽象路径,探讨了如何通过线条、形状和色彩的纯粹组合,去触及超越经验世界的“普遍真理”。 二、行为、观念与空间叙事: 进入后二战时代,艺术的重心从“作品”(Object)转向“事件”(Event)和“思想”(Idea)。我们研究了激浪派(Fluxus)和大地艺术(Land Art)如何利用过程和场地作为媒介,挑战艺术品的商品化属性。例如,对特定地貌进行干预的作品,其存在的证据往往比作品本身更具持久的影响力,这迫使我们重新思考“艺术品的物质性”与“艺术经验的持久性”之间的关系。 三、数字介质与交互的未来: 在本书的收尾部分,我们探讨了当前数字技术、虚拟现实(VR/AR)和人工智能(AI)对传统艺术范式的冲击。这并非对新工具的盲目赞美,而是对其带来的新伦理和新感知模式的审视。当作品可以无限生成、即时互动时,艺术的“作者性”(Authorship)和“原创性”(Originality)将如何被重新界定?本书认为,艺术的未来,在于其对技术媒介的批判性吸收,以及对人类主体性在新数字场域中如何定位的深刻追问。 总结: 《艺术的沉思与实践》是一份邀请函,邀请所有对人类创造力抱有好奇心的读者,共同参与一场跨越古今的对话。它不提供标准答案,而是提供多维度的视角和深层的思考工具,帮助读者在面对任何形式的视觉、听觉或体验性艺术表达时,都能进行有力的、个性化的解码与回应。它是一本关于“如何看”、“如何理解”、“如何感知”的指南,而非“如何画”、“如何雕塑”的技法手册。

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读后感

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用户评价

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(评价二) 我不得不说,《书法教程》在讲解汉字结构方面,简直可以说是“点石成金”。之前我对汉字的结构一直处于一种模糊的认识,总觉得横平竖直就够了,但这本书完全颠覆了我的看法。作者通过对不同偏旁部首的拆解和组合,以及对字形在整体布局中的作用的阐释,让我豁然开朗。它不仅仅是告诉你“这个字长这样”,而是告诉你“为什么它会长成这样”,以及在书写过程中如何把握整体的平衡感和动态美。我特别欣赏书中对于“疏密”、“轻重”的处理方式的讲解,这些概念听起来很抽象,但作者通过具体的例子,比如分析“山”字的山峰高低错落,或者“大”字的一撇一捺的力度变化,让我能直观地感受到它们在汉字结构中的重要性。更重要的是,它不仅仅局限于楷书,还触及到了一些行书和草书在结构上的演变规律,虽然篇幅不多,但足以让我对书法的发展脉络有一个初步的了解。这本书让我意识到,书法不仅仅是写字,更是一种对空间、对力量、对线条的精妙把握。我现在看任何一个汉字,都能从它的结构上发现更多的细节和美感,这种提升是非常内在的。

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(评价五) 我得承认,《书法教程》在逻辑编排上做得非常出色。它并没有将所有内容一股脑儿地抛给你,而是有条不紊地进行。从最简单的笔画,到偏旁部首的组合,再到整个字的结构安排,最后甚至涉及到篇章的布局。这种层层递进的方式,让我在学习过程中不会感到 overwhelmed,而是每一步都扎实可见。我特别赞赏它在讲解偏旁部首时,不仅仅列出几种常见的,而是分析了它们在不同字中的变形和演变,这让我理解了汉字的灵活性和多样性。而且,它在介绍一些技法时,并没有回避初学者容易遇到的困难,反而会主动提及,并提供相应的解决方法。比如,它会告诉你,练习到某个阶段,你可能会出现笔画不连贯的问题,然后会提供一些专门的练习方法来纠正。这种“预判”和“指导”,让我觉得这本书充满了人文关怀。它不像有些教程那样,只告诉你“怎么做”,而更像是你的一个“学伴”,知道你在学习过程中可能会遇到什么,并提前给你准备好了“攻略”。

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(评价一) 这本《书法教程》算是我近期接触到的几本书法入门书籍中,最为实在、也最能引发我深入思考的一本。说它实在,是因为它没有那种华而不实的华丽辞藻,也没有对书法技法的过度神化,而是从最基础的笔画、结构入手,循序渐进地讲解。我尤其喜欢它对“执笔”这一环节的细致描述,很多时候我们都忽视了最根本的动作,但作者却用了相当多的篇幅来分析不同执笔姿势对笔画形态的影响,甚至还配了非常清晰的图示,这让我这个初学者一下子就找到了问题的根源。而且,它不仅仅是教你“怎么写”,更重要的是教你“为什么这么写”。比如在讲解横画时,不仅仅告诉你怎么下笔,还解释了为什么要有“藏锋”和“露锋”的区别,以及在不同字形中如何运用。这种“知其所以然”的学习方式,比单纯模仿更有助于理解和掌握。此外,书中的一些练习方法也很有针对性,比如针对初学者容易出现的笔画粗细不均、结构失衡等问题,都提供了具体的纠正练习。我尝试了几种方法,感觉确实对我的书写有了明显的改善。总而言之,如果你想真正踏踏实实地学习书法,而不是仅仅追求速成或者表面上的“好看”,这本书绝对值得你花时间去研读。它不是那种翻几遍就能了事的书,而是需要你反复揣摩、用心体会的。

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(评价九) 《书法教程》给我带来了对“动态美”的全新认识。我以前总觉得,静态的汉字,怎么能谈得上动态呢?但这本书通过对笔画的起承转合,以及字形在空间中的变化,让我看到了汉字内在的“运动感”。作者在讲解“提”、“按”、“顿”、“挫”这些笔法的细节时,用了非常形象的比喻,比如“笔随手走,如行云流水”,让我能够感受到线条在运动过程中所产生的力量和速度。而且,它还讨论了字与字之间如何形成呼应,形成一种连贯的“叙事感”,这让我觉得,书法不仅仅是单个字的美,更是一种整体的、流动的艺术。我尝试着在练习中去体会这种“动态”,会更有意识地去控制笔的运行轨迹,去感受线条的“生命力”。这种体验,让我觉得写字不再是枯燥的重复,而变成了一种充满探索和惊喜的过程。

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(评价四) 《书法教程》在我看来,是一本能够“唤醒”你对线条潜力的书。我以前总觉得,线条就是线条,没有什么特别的。但读了这本书,我才明白,原来同一根线条,通过不同的力度、速度和角度,可以展现出千变万化的姿态。作者在讲解起笔、行笔、收笔时,用了很多生动的比喻,比如“如锥画沙”、“如屋漏痕”,这些形象的描述,让我对笔画的质感有了更深的理解。我最喜欢的是它关于“墨色变化”的部分,之前我只注意到字形,很少关注到墨的浓淡干湿。这本书详细介绍了如何通过控制水分和墨量来达到不同的墨色效果,以及这些墨色变化如何影响整个字的美感。我尝试着去练习,发现同一个字,用不同的墨色写出来,给人的感觉完全不同,有的苍劲有力,有的温润如玉。这种对墨色的细致研究,让我看到了书法艺术的另一层魅力。这本书让我开始用“心”去感受线条,去体会墨的生命力,而不仅仅是机械地模仿。

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(评价三) 作为一名对书法有着浓厚兴趣,但又苦于无从下手的“小白”,《书法教程》给我带来了巨大的惊喜。这本书的语言风格非常平易近人,没有那种高高在上的说教感,更像是一位经验丰富的老师,耐心地手把手教你。我之前尝试过一些其他书法书籍,但很多都过于理论化,看得我云里雾里,这本书则完全不同。它从最基本、最易懂的笔画开始,每一个笔画都有清晰的示范和详细的讲解,让你知道该如何落笔、如何运笔,以及笔画完成后应该是什么样子。特别是书中关于“永字八法”的讲解,让我第一次真正理解了汉字的基本笔画是如何组合而成的,并且能够体会到其中的奥妙。而且,书中还穿插了一些书法史上的小故事和名家作品的赏析,这些内容虽然不直接涉及技法,却能极大地激发我的学习兴趣和对书法的热爱。我发现,了解了书法背后的文化和历史,在练习的时候就多了一份敬畏和感悟。这本书让我觉得,学习书法并不是一件枯燥乏味的事情,而是可以充满乐趣和发现的旅程。

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(评价六) 这本《书法教程》对于我理解“节奏感”在书法中的作用,起到了至关重要的作用。我以前写字,总觉得是“一股脑儿”地写下来,缺乏变化。读了这本书,我才意识到,字的点画、撇捺、提顿,都蕴含着一种自然的节奏。作者通过对不同笔画的起伏、转折的讲解,以及字与字之间呼应关系的阐述,让我感受到了书法的“生命律动”。我尤其喜欢它关于“虚实相生”的讲解,如何用“虚”来衬托“实”,如何用“留白”来强调重点,这些技巧的运用,让整个字瞬间变得生动起来,而不是死板地填充。而且,书中还通过一些古代书家的作品来举例说明,让我看到了这种节奏感在不同风格的书法作品中是如何体现的。我现在写字的时候,会自觉地去体会这种节奏,就像在演奏一首无声的音乐,每一个笔画都是一个音符,每一个字的组合都是一段旋律。这种感受,是我之前从未有过的。

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(评价十) 这本书《书法教程》的价值,在于它不仅仅教授了“术”,更重要的是启发了“道”。它没有停留在简单的笔画和结构的教学,而是通过对书法艺术的深入剖析,让我看到了书法背后所蕴含的哲学思想和人文精神。作者在讲解每一个技法时,都会将其与中国传统文化中的一些理念相联系,比如“中庸之道”、“阴阳平衡”等等。这让我觉得,学习书法,不仅仅是学习一种技能,更是学习一种思考方式,一种生活态度。我尤其欣赏它在结尾处的一些感悟,比如关于“悟性”和“坚持”的重要性,这些话语虽然朴实,却充满了力量,让我对接下来的学习充满了信心。这本书让我觉得,书法,真的是一门“修身养性”的艺术,它能够帮助我平静内心,提升审美,并且从中获得一种内在的满足感。

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(评价八) 坦白说,我是一个比较“笨”的学习者,很多东西需要反复琢磨才能理解,《书法教程》恰恰满足了我这种需求。它并不是那种“一目十行”就能读完的书,而是需要你静下心来,反复品味。我特别喜欢它在讲解每一个概念时,都会提供多个角度的解释和多个范例。比如,当它讲解“重心”时,不仅仅会告诉你字体的重心在哪里,还会通过一些倾斜的字形,来分析重心不稳可能带来的问题,以及如何调整。这种“多维度”的讲解方式,让我能够从不同的角度去理解同一个概念,从而加深印象。而且,书中提供的一些练习表格,也做得非常细致,它会根据不同的笔画和结构,设计出不同难度的练习。我按照表格的要求去练习,感觉自己进步的速度比之前快了很多。这本书让我觉得,学习书法,就像是在打地基,每一步都必须扎实,而这本书,就像是为我提供了一个非常稳固的“施工图”。

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(评价七) 《书法教程》让我深刻体会到,书法不仅仅是“技艺”,更是一种“精神”。作者在讲解技法的同时,并没有忽略对书法内在精神的探讨。比如,在讲解“筋骨”时,不仅仅是讲笔画的粗细,更深层次地探讨了如何通过笔力的变化来表现字体的刚劲或柔美。他对“气韵生动”的理解,让我明白,好的书法作品不仅仅是形似,更重要的是神似,能够传达出作者的情感和意境。我特别喜欢书中关于“临摹”的讲解,它不仅仅是让你去照猫画虎,而是要你去理解古人的笔意,去体会古人在创作时的心境。作者提供了一些临摹的思路和方法,比如如何从整体入手,再到局部,再回到整体,如何抓住字的点睛之笔。这种“由表及里”的临摹方式,让我觉得非常有启发性。它让我明白,学习书法,不仅仅是学习如何握笔,更是学习如何用心去感受,如何用线条去表达内心的情感。

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