具体描述
To contemporaries, Amedeo Modigliani was the very definition of Parisian Bohemia, the controversial darling and target of the popular press and the model on which many a novel, play and film was based. As an artist, the scandalous Modigliani made his name chiefly with his celebrated pictures of women, with almond eyes and long necks and bodies. His style had ancient roots that lay deep in classical antiquity or Africa. But his portraits of intellectual giants of the age, friends such as Pablo Picasso, Jean Cocteau or Diego Rivera, were inimitable also. In Doris Krystof study, the scene Modigliani was the hero of comes alive, and his sensitive paintings and sculptures speak in tongues.
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读后感
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用户评价
这本书，坦白说，我拿起它的时候，心里是存着一丝忐忑的。毕竟，艺术史上的巨匠们，他们的生平和创作早已被无数的文字剖析得体无完肤，想要从中挖掘出旁人未曾触及的新意，无异于在既定的地图上寻找未曾标记的河流。然而，这本书的开篇便以一种近乎散文诗的笔触，勾勒出二十世纪初巴黎那迷离而又躁动的空气。它没有急于抛出艺术家如何挥洒天才的宏大叙事，而是将焦点放在了那个时代底层艺术家的生存状态上——那种在廉价咖啡馆里与寒冷和贫困为伴的挣扎，那种对美学理想近乎宗教般的虔诚。作者似乎花了大量的篇幅去描摹模具在那个特定时空背景下的精神漫游，而非仅仅罗列其画作的风格演变。我尤其欣赏他对当时社会思潮的穿插描述，如何将后印象派的余晖、立体主义的锐利与原始主义的野性，巧妙地编织进人物的日常对话和内心独白之中。读到那些关于他如何与同行激烈争论，如何在醉酒后对着蒙帕纳斯塔的夜空吐露心声的片段时，我仿佛真的能闻到颜料和烟草混合的气味，感受到那种身处“美好年代”幻灭边缘的复杂情绪。这种叙事方式，去魅而非神化，让人物一下子鲜活了起来，不再是挂在博物馆墙上遥不可及的符号。它更像是一部深刻描摹个体在时代洪流中如何保持其艺术纯粹性的心灵史诗。
评分这本书最让我印象深刻的是其对“未完成”这一主题的深刻挖掘。它花了相当的笔墨去讨论那些因种种原因未能完全定稿的作品，并认为这些“未完成”的状态，恰恰是艺术家生命力与创作冲动最原始的证明，而非单纯的遗憾。作者用一种近乎悲悯的情怀，去解读那些笔触的戛然而止，将其视为一种对抗时间与宿命的姿态。书中对不同收藏家手中“版本差异”的考证，细致入微到令人咋舌，甚至涉及到了颜料批次和画布底料的细微差别，这对于研究者来说无疑是极大的福音。但更重要的是，作者将这些技术层面的差异，最终导向了对艺术家“创作意图”的哲学探讨——他到底是在追求一个固定的终点，还是在享受无限接近终点的过程？这种探讨超越了简单的艺术史陈述，触及了人类创造行为的本质困境。阅读此书，我感觉自己不仅是回顾了一段艺术史，更像是陪同一位深邃的思想者，重新走过了一段充满荆棘与光辉的精神历程，收获的不仅是知识，更是一种面对生命局限性的豁达与理解。
评分老实说，我原本以为这会是一本侧重于技术分析的工具书，但它远超我的预期，更像是一部关于“孤独的艺术良知”的深度访谈录。书中穿插了大量的对同时代其他艺术家或文学家的侧面评价，通过这些“他者”的视角来侧面描摹这位主角的独特气质。这种“多重视角”的处理非常高明，它成功地避免了将艺术家塑造成一个孤立的、不食人间烟火的天才形象。书中记录的那些关于他如何看待当时欧洲政治剧变，以及这些宏大叙事如何潜移默化地影响其对“形式纯粹性”追求的段落，尤其引人深思。它揭示了艺术的形变往往是时代精神焦虑的外化。此外，本书在版式设计和插图选择上同样体现出一种审慎的品味——插图并非简单地按时间顺序排列，而是精心挑选了那些能与正文论点形成直接对话的图像，图注的文字也极具洞察力，常常用一两句精炼的话语点明了该作品在整个艺术脉络中的关键位置。这种图文配合的默契，使得阅读过程中的思考链条得以顺畅地延伸。
评分读完这本书，我最大的感受是，它提供了一个极其新鲜的切入点来理解现代艺术的诞生：不是从画布本身出发，而是从那些支撑画布的“支撑物”——即艺术家的物质生活和精神困境——入手。作者在论述中展现出一种近乎考古学家的细致，对于某些被忽略的文献和信件进行了详尽的考证，并据此构建了一个令人信服的论点，关于模具对于传统肖像画中“权力凝视”的反叛。书中深入剖析了他如何系统性地解构了文艺复兴以来的人物比例，不是为了破坏，而是为了寻找一种更贴近“灵魂重量”的表达方式。这种分析极其深入，比如对颈部长短的处理，被赋予了哲学层面的解读，不再是简单的形式主义练习。更值得称道的是，作者非常谨慎地处理了其私生活的描述，没有落入八卦的俗套，而是将其视为艺术创作的催化剂或阻碍物，用一种冷静的社会学视角去观察这些事件对其创作主题的影响。特别是关于他与收藏家和画廊主之间微妙的权力博弈，被描绘得极其生动。这让我意识到，即便是一位被后世奉为圭臬的艺术家，其创作生涯也充满了妥协与抗争，这本书成功地将这些幕后故事还原了，让读者得以在更广阔的场域中重新审视其艺术成就的来 বর্ধ。
评分这本书的文字风格，用“凌厉”来形容可能最为贴切。它摒弃了传统艺术评论中那种略显滞涩的学术腔调，转而采用了一种充满节奏感和画面感的笔法，仿佛作者自己就是一位在工作室里观察了多年的学徒。阅读体验是一种连续的、几乎令人窒息的沉浸感。它在讨论具体作品时，常常会使用非常规的比喻，将抽象的艺术语言转化为可感知的物理现象。例如，描述某幅作品的色彩时，作者会提到“如同陈年葡萄酒在昏暗酒窖中折射出的最后一点光芒”，这种描述极大地激发了读者的想象力，迫使我们必须用全新的视角去重新审视那些我们以为已经“看熟了”的作品细节。书中对于模具在不同时期对不同媒介的偏好转变进行了细致的对比分析，这种对比分析不是简单的罗列，而是揭示了媒介选择背后的心理动机和美学诉求的演变。它不给你明确的答案，而是抛出更多的、更深刻的问题，引导读者去参与到艺术的阐释过程中。这种互动性极强的写作手法，使得这本书即便是对于艺术史初学者而言，也不会感到枯燥，反而充满了探索的乐趣和智力上的挑战。
评分taschen 25 anniversary
评分taschen 25 anniversary
评分大补。生如夏花般短暂，沉溺于感官表达的天才，大多易逝。
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